~ Le monde vient s'imaginer dans la rêverie humaine ~

The Roots Feat. Big KRIT (Make My)

2012-01-28T23:45:00.002+01:00

Cesária Évora

2011-12-17T17:23:00.001+01:00

"Si j'avais su que les jeunes pouvaient mourir, je n'aurais jamais aimé personne", chante Cesaria Evora, l'impératrice des musiques cap-verdiennes. Destin exceptionnel pour celle que ses amis appellent affectueusement Cize, aujourd'hui l'une des voix noires les plus célèbres au monde.

Cesaria est née le 27 août 1941 à Mindelo, petite ville commerçante de Sao Vicente, l'une des îles du Cap-Vert et morte le 17 Décembre 2011. Elle est surnommée La Diva aux pieds nus, surnom dû à son habitude de se produire pieds nus, en soutien aux sans-abri, femmes et enfants pauvres de son pays.
Voix rauque et chaloupée, elle a popularisé la Morna, la musique du Cap-Vert, auprès du grand public mondial.

Sa mère cuisinière dans une "misère digne" guide ses premiers pas sur les chemins de l'existence. A l'âge de sept ans, son père musicien violoniste disparaît prématurément, sans doute terrassé par l'alcool, dira t'elle plus tard. Sa mère la confie aux bons soins d'un orphelinat, où Cesaria apprend à chanter dans une chorale qu'elle quitte à l'âge de 13 ans. Trois ans plus tard, elle fait la rencontre d'Eduardo son premier grand amour, un marin qui après Gregorio Gonsalves, lui apprend l'art précieux de l'interprétation des coladeras et des mornas anciennes. C'est à cette époque qu'elle entreprend la "tournée" des bars de la ville, au fameux Calypso, et café royal de l'avenue de Lisbonne.
Adolescente, elle prend conscience de la mesure de son immense talent d'interprète pour quelques escudos et verres d'alcool que très vite, elle agrémente d'un flot de fumée opaque que distillent les cigarettes du pays. Cize peaufine son art ! Dans la rue, elle côtoie les musiciens de son quartier, elle prend goût à la vie d'artiste.
A l'époque, le Cap-Vert est encore une colonie portugaise, l'archipel tout entier vibre à l'unisson au rythme des coladeras et des mornas, une sorte de "blues national", héritage et résonance plaintive de l'esclavage subi jusqu'au 18e siècle par les ancêtres de Cesaria.
Signe du destin, la "petite" a de qui tenir, un immense poète, le plus grand compositeur de mornas est le cousin direct de son père, Francisco Da Cruz (1905-1958), dit B.Leza. Il confère ses lettres de noblesse à ce genre dont le nom proviendrait du verbe anglais "to mourn" signifiant pleurer.

Sodade

En 1973, deux ans avant l'indépendance de la plupart des pays lusophones d'Afrique, le Cap-Vert perd son héros national, Amilcar Cabral, révolutionnaire assassiné et auteur de mornas lui aussi. Dans l'archipel, Cize a définitivement conquit le cœur du public. Elle poursuit la tournée des pianos-bars et grâce à la radio, quelques 45 tours enregistrés, son charisme rayonne dans tout le pays.
Pourtant malgré la reconnaissance de son talent, la générosité guindée des gens de la "haute société", la pauvreté et l'alcool demeurent ses plus fidèles compagnons d'infortune. Elle chante la souffrance, la tristesse et la mélancolie d'un pays rude fait de plages, de sel et d'exil. 500.000 âmes, soit plus de la moitié de sa population vit à l'étranger et notamment au Portugal où son destin bascule quelques années plus tard. Une terre hostile que même les sécheresses n'épargnent pas.
Cesaria découragée par la vie dure d'artiste, décide de mettre un terme à sa carrière. Elle "décroche" pendant près de 10 années, sombres, où elle rumine amèrement le tourbillon de ses tourments d'amour avec les hommes. Cesaria a le spleen, la "sodade", cette nostalgie qu'elle murmure sur des mélodies langoureuses qui chantent la tristesse et l'exil. L'alcool devient alors pour elle l'alliée, complice d'une vie vouée à une tragique destinée. Il en sera tout autre.
En 1985, avec le soutien de Bana, le parrain des musiques capverdiennes exilé au Portugal, une association de femmes invite Cesaria à Lisbonne pour une série de concerts, et pour l'enregistrement d'un premier album qui restera confidentiel. C'est là-bas qu'elle rencontre José Da Silva, celui qui deviendra bientôt son mentor et producteur attitré.
Ce dernier, jeune Français d'origine capverdienne, ancien aiguilleur de la SNCF, convainc la chanteuse d'enregistrer à Paris en 1988, un nouvel album aux parfums de coladera-zouk, "La diva aux pieds nus", suivi très vite d'un premier concert au New Morning à Paris. Après la sortie de "Distino Di Belita" en 1990 comprenant des mornas acoustiques et des coladeras électriques. Ces deux albums tranchent par l'originalité et la modernité des arrangements qui confèrent aux musiques capverdiennes une réelle impulsion, et notamment auprès de la jeunesse d'une diaspora dense, établie aux quatre coins du globe. Celle-ci succombe au charme des réalisations majoritairement dues à Paulino Vieira compositeur hors pair, son directeur artistique.

1991 : "Mar azul"

Puis Cesaria change de cap artistique et enregistre son premier album strictement acoustique. "Mar azul" sort en 1991 et conforte auprès de la presse internationale le prestige d'une interprète rare qui "chante pieds nus". Avec "Miss Perfumado" (300.000 exemplaires vendus), Cize remplit l'Olympia et entame sa première grande tournée internationale en 1993.
L'année suivante marque un grand tournant dans sa carrière, elle signe dans une major, chez BMG une compilation intitulée "Sodade, les plus belles mornas de Cesaria", et décide de ne plus boire d'alcool !
Grâce à l'album "Cesaria" (Disque d'or en France), l'impératrice des musiques cap-verdiennes est nominée aux Grammy Awards (récompenses américaines), puis effectue sa première tournée américaine en 1995. L'année suivante, elle sillonne le monde entier avec une centaine de dates en Europe, Asie et Afrique, Grande-Bretagne, Etats-Unis, Hong Kong, Suède, Sénégal...
Elle se sépare de Paulino Vieira que remplace un jeune guitariste, Rufino Almeida, alias Bau. En 1997, sort l'album "Cabo Verde" suivie d'une troisième tournée américaine. L'année suivante, c'est "Best of Cesaria Evora" que l'on retrouve dans les bacs des disquaires permettant de redécouvrir ses plus grands succès majoritairement composés par B.Leza qui propulsa la morna au cœur des années 50.

Voyage à La Havane

Ne s'arrêtant pas en si bon chemin, Cesaria sort en 1999 un nouvel album "Café Atlantico". Cette fois-ci, Cize choisit d'inviter des musiciens cubains et brésiliens, sans trahir le goût des mélomanes pour la tradition. Elle puise encore dans le répertoire de ses compositeurs fétiches qui côtoient de nouvelles grosses pointures musicales. Aux côtés de B.Leza, Manuel de Novas, Teofilo Chantre, elle propose des titres arrangés par Lazaro Dagoberto Gonzalez de l'Orquesta Aragon, et par le Brésilien Jacques Morelenbaum, ancien comparse de Caetano Veloso. C'est à la Havane à Cuba, qu'elle enregistre cet album dont les résonances profondes trouvent écho dans l'histoire de l'empire colonial portugais.
Ce dernier album vient couronner la décennie 90, qui révéla au monde la morna séculaire du Cap-Vert, par la grâce et la voix d'une anti-star, fan de Billie Holiday, Oum Kalsoum ou d'Edith piaf, célébrée par Madonna, la star grecque Eleftheria Arvanitaki, et la diva soul Erika Badu. Du 7 au 10 décembre 99, Cesaria est de retour sur la scène de l'Olympia pour une nouvelle série de concerts qui met un terme à une tournée d'automne.
Chez elle à Mindelo, Cesaria a bâti une colossale demeure, une sorte de "maison du bonheur" dans laquelle elle reçoit les siens autour d'un bon catchupa, le plat traditionnel du pays. Depuis que la gloire à croisé son destin, Cize a de l'argent qu'elle distribue à ses petits-enfants, ses amis, ses voisins, sans crainte des mauvais lendemains.
Au printemps 2000, alors que son album "Café Atlantico" atteint les 150.000 exemplaires vendus, la chanteuse capverdienne s'envole pour une tournée internationale de grande ampleur. L'Amérique latine, l'Europe du Nord, de l'est, le Moyen-Orient, les Etats-Unis, le Canada, peu de monde échappera à la voix désormais célèbre de Cesaria.

60 ans et toujours infatigable

On comptabilise quelques 300.000 exemplaires de "Cafe Atlantico" vendus en France au début de l'année suivante. De retour de tournée, elle commence à écrire à Paris de nouveaux titres avec ses musiciens. Ils travaillent sur un nouvel album qui sort en mars 2001 et qui s'intitule "Sao Vicente di longe", du nom de l'île qui a vu naître Cesaria. Continuant ce qu'elle a entrepris dans le précédent album, elle continue son évocation de la musique d'outre-Atlantique. Elle s'est rendue à Cuba pour enregistrer avec l'ensemble Orquesta Aragon un bolero-danzon "Linda Mimosa" et avec Chucho Valdez, un morceau intitulé "Negue". La destination suivante etait Rio de Janeiro où elle a interprété avec le très populaire Caetano Veloso "Regresso". En tout, ce sont environ soixante musiciens, arrangeurs et ingénieurs du son qui auront travailler pour la "Diva au pieds nus".
On la retrouve en France un mois plus tard, au Zénith de Paris le 28 avril 2001 face à une salle comble et avec quelques invités dont Teofilo Chantre, la chanteuse Fantcha ou le clarinettiste Luis Morais, tous capverdiens. Quelques jours plus tard, le 9 mai, elle démarre une tournée française de quelques dates, puis une tournée internationale. Son album est un succès avec, fin 2001, 150.000 ventes en France et 320.000 en Amérique latine et aux Etats-Unis.
Au printemps 2002, la chanteuse continue sa tournée marathon via la France mais aussi l'Europe de l'Est (Croatie, Ukraine, Russie, Pologne) puis l'Islande, le Maroc, la Grèce, l'Italie, la Suisse et l'Allemagne, toutes ces dates la menant aux festivals d'été.
Cesaria marque son attachement aux musiques africaines en participant à l’album de Salif Keita, "Moffou": ils chantent ensemble le splendide "Yamore". Enfin, "Anthologie : Mornas e Coladeras" clôt l’année 2002 avec des titres inédits comme cette reprise de "Saudade" en duo avec Bonga.

2003 : "Voz d'amor"

L’année 2003 commence sous le signe de la solidarité : Cesaria participe au disque "Drop the debt", qui mobilise les artistes pour l’annulation de la dette des pays en développement.
Juin 2003, "Club Sodade" pousse Cesaria dans les clubs et les bars branchés: onze titres de son répertoire son remixés par des DJs fameux – Château Flight, Senor Coconut, Carl Craig etc .
En juillet, elle est nommée à Lisbonne, ambassadrice du Programme alimentaire mondial (PAM) des Nations unies.
Enfermée pendant un mois et demi dans une villa de Montreuil en banlieue parisienne, Cesaria Evora enregistre son neuvième album studio, "Voz d’ Amor": une dizaine de chansons du répertoire traditionnel capverdien, dont les chansons de son oncle B Leza ou de Manuel de Novas. Et ça marche : en novembre 2003, "Voce d'amor" est placé n°3 en Pologne, n°7 en Grèce, n°22 au Portugal, etc. et n°4 du Top World Music américain. En février 2004, l’album remporte un Grammy Award aux Etats-Unis puis une Victoire de la Musique en France. Pour couronner son succès, le ministre de la Culture français Jean-Jacques Aillagon la fait officier des Arts et des Lettres.
A soixante ans passés, Césaria ne s’arrête pas en si bon chemin: sa tournée 2004 passe par toutes les capitales d’Europe – dont un concert humanitaire à Paris le 19 octobre pour Homéopathes sans frontières -, mais aussi en Tunisie etc.
Jamais à court de collaborations, "Elle chante" est le titre du duo enregistré avec le français Bernard Lavilliers sur le dernier album de celui-ci, "Carnets de bord".
Infatigablement, la chanteuse capverdienne continue à parcourir le monde, ambassadrice hors pair d'une musique devenue célèbre grâce à elle.

2006 : "Rogamar"

En 2005, elle enregistre entre Mindelo, Paris et Rio de Janeiro un nouvel album. "Rogamar" sort en mars 2006. Il est réalisé par Fernando Andrade, son fidèle pianiste depuis 1999. Par ailleurs, le Brésilien Jacques Morelenbaum arrange une demi-douzaine de titres sur l'ensemble des quinze chansons que constituent cet album. Grâce à lui, cordes et flûtes viennent apporter leur contribution à la sodade de Cesaria.

La plupart des compositions sont signées Manuel de Novas et Theofilo Chantre. Les textes évoquent toujours les thèmes éternels que sont la mer, le Carnaval, l'exil, etc. Des invités prestigieux comme le sénégalais Ismael Lô ("Africa Nossa") ou le Malgache Régis Gizavo ("Sao tomé na equador", sur une musique originale de Ray Lema) rappellent les liens du Cap-Vert avec le Continent noir. Le chanteur français Cali, est lui aussi convié sur cet album et vient poser sa voix sur "Um pincelada".
Du 11 mars au 13 avril 2006, Cesaria Evora entreprend une tournée en Amérique du Nord (Etats-Unis et Canada) qui se poursuit en Europe et au Maghreb.
Elle se produit à Paris du 24 au 26 novembre à l'Olympia. Après une période de repos, elle reprend la route et commence fin février 2008 une tournée en Australie. En mars, alors qu'elle se trouve à Sydney, elle est victime d'un accident vasculaire cérébral. Elle est soignée en France.
En décembre, paraît "Radio Mindelo" un disque d'inédits de jeunesse, soit 22 chansons interprétées au début des années 60. Elles ont été enregistrées à l'occasion de cessions d'enregistrement organisées par Radio Barlavento à Mindelo. La moitié de ces chansons sont signées Gregorio Gonçalves, un des grands auteurs de l'époque.
Le 9 février 2009, Cesaria Evora, la "Diva aux pieds nus" se voit remettre les insignes de chevalier de la Légion d'honneur par la ministre de la Culture française, Christine Albanel.

2009 : "Nha Sentimiento"

A 68 ans, le 26 octobre 2009, Cesaria Evora sort son onzième album, "Nha Sentimiento". Enregistré entre Paris et Sao Vincente, au Cap-Vert, il comporte plus de joyeuses coladeras que de mornas mélancoliques, comme si la joie de vivre prenait le pas sur le chagrin. Autres signes particuliers de cette nouvelle production : la présence des cordes égyptiennes de Fathy Salama, directeur du Grand Orchestre du Caire, sur trois titres ("Sentimento", "Mam’Bia", "E So Mi") et celle de l’accordéon latino du Colombien Henry Ortiz sur "Ligereza".
La tournée de "Nha Sentimiento" démarre à Paris, au Grand Rex, les 9 et 10 novembre 2009 et se poursuit ensuite à Genève, Zurich, Tel-Aviv puis Jérusalem jusqu’à la fin de l’année. Une nouvelle salve de concerts est prévue pour 2010. Malheureusement, en mai, Cesaria Evora subit d’urgence une opération à cœur ouvert, à Paris, à la suite d’un problème coronarien. Tout se passe aussi bien que possible, mais la chanteuse est forcée au repos au moins jusqu’à la fin de l’année 2010.

2010 : "Cesaria &..."

Pour patienter, son public a droit à un disque de duos "Cesaria Evora &…" publié le 29 novembre 2010. On y entend Cesaria Evora interpréter "Sodade" avec Bonga, "Africa Nossa" avec Ismaël Lô, "Um Princelada" avec Cali ou encore "Elle chante" avec Bernard Lavilliers. Un bel album de rencontres et d'émotions de 17 titres, qui rappelle la dimension mondiale de la chanteuse cap-verdienne.

Rétablie, Cesaria Evora reprend la route des scènes du monde en mars 2011. Pour une importante tournée qui l'entraîne à Minsk, en Russie, le 10 mars, à Bogota (Colombie), en Russie à nouveau puis en France, au Grand Rex, à Paris, les 29 et 30 avril, avant de la faire rejoindre Saint-Pierre-de-la-Réunion pour le festival Sakifo le 10 juin.

© RFI Musique
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source: http://www.rfimusique.com/artiste/musiques-monde/cesaria-evora/biographie

http://www.cesaria-evora.com/

Amer Béton

2011-12-17T15:42:00.003+01:00

Amer Béton (Tekkon kinkurīto), est un manga japonais écrit par Taiyō Matsumoto en 1993 et 1994. La première édition française fut un coffret en 3 tomes sorti en 1996 et 1997 chez Tonkam, réédité en 1 volume en 2007.

Il a été adapté en pièce de théâtre ainsi qu'au cinéma en un film d'animation réalisé par Michael Arias en 2006 et sorti en France le 2 Mai 2007.

Stevie Wonder (Living for the City)

2011-12-14T21:59:00.001+01:00

Les productions commerciales de Stevie Wonder durant les années 1980 restent l'un des grands mystères de la musique. Il est vrai qu'aveugle à la naissance, on peut penser que l'accès à la culture a été difficile, mais quand on sait que sur l'album Innervisions Wonder joue tous les instruments sur 6 chansons sur 9, on se demande ce qui a bien pu l'empêcher de continuer à produire d'aussi belles chansons que celles des années 1970.

Et cela, d'autant plus que Wonder arrive à un degré de réalisme social littéralement formidable, tant concernant la vie urbaine (notamment de la population noire) que sur les effets terribles des drogues (too high), ou encore sur les formidables espoirs populaires (Higher Ground).

Il est vrai que l'esprit religieux bloque une compréhension sociale générale, et amène une logique outrageusement simplificatrice. Il n'est alors pas étonnant que le formidable mélange musical de Wonder – à la croisée du funk, du rock, du folk, du gospel, etc. - ait été par la suite unifiée en une musique « mélo » ; après tout, exactement la même chose est arrivée à Michael Jackson.

Malgré le tournant qui suivra, Innervisions, 16ème album de Wonder et l'un des 5 plus fameux (les "classiques"), reste donc incontournable, un aboutissement chaud et sensuel, intelligent et pur produit de la culture populaire américaine.

Living For The City

A boy is born in hard time Mississippi
Surrounded by four walls that ain't so pretty
His parents give him love and affection
To keep him strong moving in the right direction
Living just enough, just enough for the city...ee ha!

His father works some days for fourteen hours
And you can bet he barely makes a dollar
His mother goes to scrub the floor for many
And you'd best believe she hardly gets a penny
Living just enough, just enough for the city...yeah

His sister's black but she is sho 'nuff pretty
Her skirt is short but Lord her legs are sturdy
To walk to school she's got to get up early
Her clothes are old but never are they dirty
Living just enough, just enough for the city...um hum

Her brother's smart he's got more sense than many
His patience's long but soon he won't have any
To find a job is like a haystack needle
Cause where he lives they don't use colored people
Living just enough, just enough for the city...
Living just enough...
For the city...ooh,ooh
[repeat several times]

His hair is long, his feet are hard and gritty
He spends his love walking the streets of New York City
He's almost dead from breathing on air pollution
He tried to vote but to him there's no solution
Living just enough, just enough for the city...yeah, yeah, yeah!

I hope you hear inside my voice of sorrow
And that it motivates you to make a better tomorrow
This place is cruel no where could be much colder
If we don't change the world will soon be over
Living just enough, just enough for the city!!!!

La, la, la, la, la, la,
Da Ba Da Da Da Da Da Da
Da Da Da Da Da Da
Da Ba Da Da Da Da Da Da Da
[Repeat to end]

Traduction française:

Vivant pour la ville

Un enfant est née dans les temps difficile du Mississippi
Entouré par quatre murs austère
Ses parents lui ont donné de l'amour et de l'affection
Pour qu'il soit courageux, pour qu'il aille dans le droit chemin
En vie juste assez, juste assez pour la ville
Son père travail jusqu'à quatorze heures certains jours
Et tu peux être sûr qu'il gagne peu de Dollar
Sa mère nettoie le sol des autres
Et crois bien qu'elle obtient difficilement un penny
En vie juste assez, juste assez pour la ville
Sa soeur est noire mais tellement jolie
Sa juppe est courte mais dieu que ses jambes sont solide
Pour aller à l'école, elle doit se lever tôt
Ses vêtements sont vieux mais jamais sale
En vie juste assez, juste assez pour la ville
Son frère est intelligent, plus de sagesse que les autres
Il a beaucoup de patience mais bientot il n'en aura pas assez
Trouver un emploi est comme chercher un aiguille dans une botte de foin
Car où il vit on n’emploie pas les gens de couleur
En vie juste assez, juste assez pour la ville
En vie juste assez pour la ville
Ses cheveux sont longs, ses pieds sont durs et crasseux
Il passer son amour à marcher dans les rues de NYC
Il est presque mort étouffé par la pollution
Il essaie de voter mais pour lui ce n'est pas une solution
En vie juste assez, juste assez pour la ville
J'espère que ma voix triste résonne en vous
Et que ça vous motive pour faire en sorte que demain soit meilleur
Cet endroit est cruel, aucun autre endroit pourrait être plus froid
Si nous ne changeons pas, le monde sera bientôt du passé
Vivant juste assez, juste assez pour la ville.

source: http://voie-lactee.fr/stevie-wonder-%E2%80%93-innervisions-1973

Georges Moustaki (Il est trop tard)

2011-12-09T20:46:00.001+01:00

Raymond Devos (A caen les vacances)

2011-11-26T18:14:00.001+01:00

http://www.editionsmontparnasse.fr/video?v=lFMl71

Raymond Devos, le jongleur de mots -> http://fr.wikipedia.org/wiki/Raymond_Devos

So Far So Goude

2011-11-25T12:16:00.001+01:00

Official documentary video and career highlight as included with the book.

"So Far, So Goude" represents Goude's work from the late 1960s up to the present. It is, in fact, an artist s autobiography, the life told through the work, since Goude has never been able or willing to separate his personal growth and personal desires from his art. Beginning with the strongest influences of his early years, it moves with unusual honesty and a good deal of humour through his teenage love of dance (his mother was a Broadway dancer), sport and jazz; his youthful hangouts in the sixties; his years at art school and his discovery of drawing as a means of seduction; his time at Esquire; his revolutionary work with Grace Jones for Jungle Fever; his videos for MTV and for Azzedine; his advertising work for Lee Cooper, Chanel, Cacharel; his involvement with the Bicentennial Parade; his wife and family...

Méli-Mélodie (Boby Lapointe, 1969)

2011-11-07T17:03:00.001+01:00

Oui, mon doux minet, la mini,
Oui, la mini est la manie
Est la manie de Mélanie
Mélanie l'amie d'Amélie...
Amélie dont les doux nénés
Doux nénés de nounou moulés
Dans de molles laines lamées
Et mêlées de lin milanais...
Amélie dont les nénés doux
Ont donné à l'ami Milou
(Milou le dadais de Limoux)
L'idée d'amener des minous...
Des minous menus de Lima
Miaulant dans les dais de damas
Et dont les mines de lama
Donnaient mille idées à Léda...

Léda dont les dix dents de lait
Laminaient les mâles mollets
D'un malade mendiant malais
Dinant d'amibes amidonnées
Mais même amidonnée l'amibe
Même l'amibe malhabile
Emmiellée dans la bile humide
L'amibe, ami, mine le bide...
Et le dit malade adulé
Dont Léda limait les mollets
Indûment le mal a donné
Dame Léda l'y a aidé !
Et Léda dont la libido
Demande dans le bas du dos
Mille lents mimis d'animaux
Aux doux minets donna les maux...

Et les minets de maux munis
Mendiant de midi à minuit
Du lait aux nénés d'Amélie
L'ont, les maudits, d'amibes enduit
Et la maladie l'a minée,
L'Amélie aux dodus nénés
Et mille maux démodelaient
Le doux minois de la mémé
Mélanie le mit au dodo
Malade, laide, humide au dos
Et lui donna dans deux doigts d'eau
De la boue des bains du Lido
Dis, là-dedans, où est la mini ?
Où est la mini de Mélanie ?...
- Malin la mini élimée
Mélanie l'à éliminée

Ah la la la la ! Quel méli mélo, dis !
Ah la la la la ! Quel méli mélo, dis !

... un petit bijou :-)

Le Chien (Léo Ferré)

2011-10-12T16:17:00.002+02:00

Aubade

2011-10-10T19:49:00.000+02:00

Directed by: Pierre BOURRIGAULT
Animation: Pierre BOURRIGAULT, Samy GUYON BESSAC
Camera: Roberta TEMPORIN
Music and sound: Lorenzo TOMIO
Editing and Compositing: Umberto BARISON

The best animation prize, Lago Film Festival 2008

Real Shaolin Kung Fu

2011-09-04T21:02:00.000+02:00

The classic Chinese Documentary that covers skills, techniques & training of the Shaolin Monks.

>> Shaolin, Berceau du Kung FuEtats-Unis, Chine, 2008, 58mn (première diffusion sur Arte France: vendredi 2 Septembre 2011)

The Young Gods ("did you miss me ?")

2011-08-31T21:12:00.003+02:00

The Young Gods cover of Gary Glitter "Hello, Hello, I'm Back Again" (1973) on their debut album, released in 1987.

many many thanks to Dolorosa and Wladd Muta ! :-)

Jacques BREL (Concert à Bergen, 1964)

2011-08-20T20:46:00.004+02:00

Concert enregistré le 30 mai 1964 à Bergen (Pays-Bas)

Jan Garbarek & Ustad Fateh Ali Khan

2011-08-18T12:59:00.010+02:00

Saga

Raga 1

From the Album "Ragas and Sagas"

Ustad Fateh Ali Khan: Voice
Jan Garbarek : Soprano and tenor saxophones
Ustad Shaukat Hussain: Tabla
Ustad Nazim Ali Khan: Sarangi
Deepika Thathaal: Voice
Manu Katché: Drums

Dupain ("l'usina")

2011-08-16T21:20:00.003+02:00

Dupain est un groupe musical français, connu principalement pour ses chants en occitan.

Ils sont cinq actuellement, originaires du sud, rassemblés à Marseille.

Samuel Karpienia – Chant
Pierre-Laurent Bertolino – Vielle à roue
Samuel de Agostini – Batterie
Daniel Gaglione – Mandole
Noël Baille – Basse

Un chant contestataire et humaniste. Une musique qui mêle des instruments traditionnels électrifiés, comme la vielle à roue, la mandole, des percussions orientales, un accordéon percutant ! Un son de samples, cordes saturées, occitan, accent de la cité phocéenne. Des accents de flamenco andalou, de blues méditerranéen.

>> Dupain (myspace)

Tamara de Lempicka

2011-08-16T20:39:00.011+02:00

Tamara de Lempicka, née le 16 mai 1898, probablement à Varsovie, en Empire russe, (maintenant Pologne) et décédée le 18 mars 1980 à Cuernavaca, au Mexique, est la peintre polonaise la plus célèbre de la période Art déco. Brillante, belle et audacieuse, inclassable, mystérieuse et contradictoire, elle a fait de sa vie une succession de mises en scène très élaborées. Elle prône le luxe et la modernité.

Fille de Boris Gorski, un juif russe, et d'une mère polonaise, son enfance se passe dans un milieu aisé et cultivé entre Saint-Pétersbourg, Varsovie et Lausanne. En 1914, elle est retenue par la guerre à Saint-Pétersbourg où elle s'inscrit à l'académie des Beaux-Arts. Elle épouse Tadeusz Lempicki, un jeune avocat polonais en 1916. La Révolution d'octobre bouleverse sa vie et après un détour par Copenhague, elle gagne Paris où elle est recueillie par ses cousins qui l'ont précédée dans l'exil. Tamara commence alors avec beaucoup de ténacité une carrière de peintre.

En 1920, à l'Académie Ranson, elle reçoit l'enseignement de Maurice Denis et à l'Académie de la Grande Chaumière celle d'André Lhote. C'est là qu'elle forge petit à petit son style qui, dans une synthèse inattendue de l'art maniériste de la Renaissance et du néo-cubisme, va coller parfaitement à son époque. L'envol de sa carrière coïncide avec sa première exposition personnelle à Milan en 1925. C'est là qu'elle fait la connaissance de Gabriele D'Annunzio et de son entourage, aussi aristocratique qu'excentrique. De retour en France, elle participe pleinement à la vie artistique et mondaine parisienne où elle rencontre de nouveaux modèles : André Gide, Suzy Solidor, de riches industriels, des princes russes émigrés, etc.

En 1929, appelée par Rufus Bush, un riche américain qui lui a commandé le portrait de sa fiancée, Tamara fait son premier voyage à New York. Outre le portrait de commande, elle exécutera sur place plusieurs tableaux, dont d'intéressantes études de gratte-ciel. Elle expose simultanément en Pologne (médaille de bronze à l'exposition internationale de Poznan), à Paris (dans quatre salons et à la galerie Colette Weil) et aux États-Unis (Carnegie Institute de Pittsburgh)! Pour un peintre dont la production est relativement limitée, c'est un exploit.

Elle divorce en 1928 pour se remarier, en 1933, avec le baron Raoul Kuffner (décédé en 1962). Ce passage de l'état de comtesse à celui de baronne (Baroness Kuffner) coïncide avec une crise morale et artistique qui provoque un ralentissement de sa production. Fuyant les menaces de guerre, elle s'installe aux États-Unis en 1939 où elle fait trois expositions à New York et à San Francisco chez Paul Rheinardt et chez Julien Levy. Après-guerre, son œuvre tombe dans un profond oubli jusqu'à ce que la redécouverte de l'Art déco, dans les années 1970, fasse ressurgir son nom.

Tamara de Lempicka occupe une place à part dans l'art du XXe siècle : malgré une production peu abondante (à peine 150 tableaux dans sa meilleure période qu'on situe entre 1925 et 1935), ce sont ses peintures qui sont choisies le plus souvent aujourd'hui lorsqu'il s'agit d'illustrer les années folles de l'entre-deux-guerres.

Ses modèles se caractérisent par des regards interrogateurs et sensuels, une bouche pulpeuse pour les femmes et pincée pour les hommes, des couleurs vives, mais en nombre limité, mises en valeur par des fonds gris ou noirs. Derrière une stylisation néo-cubiste, qui les situent parfaitement dans leur temps, les portraits de Tamara de Lempicka ne négligent aucune des magistrales recettes de composition qui furent élaborées par ses grands prédécesseurs de la Renaissance italienne.

>>> TAMARA DE LEMPICKA (official)

Susanna BACA (Caras Lindas)

2011-08-12T12:31:00.002+02:00

>>> more about Susanna Baca

Death and the Maiden (Roman Polanski, 1994)

2011-08-12T10:16:00.009+02:00

La Jeune Fille et la Mort (Death and the Maiden) est un film franco-américano-britannique réalisé par Roman Polanski, sorti en 1994 et adapté de la pièce du même nom du dramaturge chilien Ariel Dorfman, rescapé du régime de Pinochet.

avec Sigourney Weaver, Ben Kingsley et Stuart Wilson

synopsis:
Fin du XXe siècle, dans un pays d'Amérique du Sud qui vit encore le traumatisme d'une dictature récente, le président de la jeune démocratie a décidé de mettre en place une commission d'enquête sur les crimes passés, qui devrait être présidée par un avocat célèbre : Gerardo Escobar. Le soir de cette nomination, l'avocat crève un pneu en rentrant chez lui. Un voisin, le docteur Roberto Miranda, vient à son secours et le ramène chez lui, où sa femme l'attend. Celle-ci, Paulina Escobar, torturée par la police secrète de l'ancien régime croit reconnaitre dans la voix de Roberto Miranda celle d'un de ses bourreaux.

Polanski revient revient ici à son cadre de prédilection : le huis-clos, à la différence près que celui-ci semble plus ouvert à une réflexion politique car il prend les dictatures sud-américaines des années 1970 1980 comme toile de fond. Une ancienne opposante au régime se trouve donc confrontée à son ex-tortionnaire qu'elle séquestre et qu'elle veut juger. S'ouvre alors, dans la maison de la vengeresse et de son mari une mise en scène de procès qui confrontera les notions de justice et de revanche, de vérité objective et de ressentis affectifs, de légalité et de légitimité. Polanski ne tranche jamais véritablement dans ces oppositions que lui-même dispose et au lieu d'apporter des réponses, celui-ci préfère poser des questions ouvertes. La fin, aussi peu rassurante que possible, préfère opter pour une hypothèse peu probable quoique terrifiante. Sigourney Weaver compose un personnage constamment sur le fil du rasoir, oscillant entre désir de vendetta et souci d'impartialité ; trouvant un difficile équilibre entre la retenue dramatique et l'hybris tragique.

>>> La jeune fille et la mort (Interview Sigourney WEAVER)

Bande son:

>>> La jeune fille et la mort (encyclopédie sur la mort)

Rokia Traoré (M'bifo)

2011-08-11T22:34:00.002+02:00

Rokia Traoré, née le 24 janvier 1974 dans la région du Beledougou au Mali, est une chanteuse, auteur-compositeur-interprète, et guitariste malienne.
Rokia Traoré est Bambara. Elle se distingue par son style artistique mêlant tradition malienne (musique mandingue) et modernisme occidental. Comme son père était diplomate, elle a beaucoup voyagé dans sa jeunesse : Algérie, Arabie saoudite, France et Belgique. Elle s'entoure d'une équipe formée à l'école de la tradition. Ses musiciens utilisent surtout les instruments traditionnels : balafon, n’goni, karignan, guitare, djembé, yabara mais sa voix reste libre de s'éloigner des canons esthétiques établis. Rokia Traoré adapte sa musique à son temps et à ses préoccupations sans a priori, ni contrainte extérieures.
Très influencée par Billie Holiday, Rokia participe en 2005, aux États-Unis, au spectacle « Billie & Me », consacré à la vie de la chanteuse légendaire.
En 2009, elle remporte une Victoire de la musique dans la catégorie « musiques du monde » pour son album Tchamantché.
Rokia Traoré vit dans le nord de la France à Amiens.

Peter Hammill (Patient , Patience)

2011-08-11T21:16:00.002+02:00

A system in the making
Self-healing for the blind,
Sitting in the waiting-room
Of the patient mind....
Raging at the illness,
When the rage may be it's cause.
The purpose of the will is lost
In the search for an escape clause,
Fatal convalescence, the wound
Becomes a weal:
The poison is in essence just
The virus of the real.
But there's sympathetic healing,
The power of the soul, bandages,
Concealing all that we can't control,
Waiting for the doctor to come
A system in the making,
Self healing for the blind,
Sitting in the waiting-room
Of the patient mind....
But there isn't any answer
The consciousness can't quote
When the loaded dice of chance
Are there rattling in the throat.
Waiting for the doctor to come
You put your faith in others -
The fear could not be worse...
But nature's not your mother now,
...just your suckling nurse
And there isn't any doctor,
There isn't any cure -
That might come as a shock to you,
But can you really be so sure?
Can you really be so sure?

Patience - Studio Album, released in 1983

Peter Joseph Andrew Hammill (born 5 November 1948, in Ealing, west London) is an English singer-songwriter, and a founding member of the progressive rock band Van der Graaf Generator. Most noted for his vocal abilities, his main instruments are guitar and piano. He also acts as a record producer for his own recordings, and occasionally for other artists.

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Le Dama d'Ambara de Jean Rouch et Germaine Dieterlin (1974)

2011-08-11T20:25:00.007+02:00

Le Dama d'Ambara de Jean Rouch et Germaine Dieterlin (Mali, 1974 -- 59 min -- couleur)

Un cinéaste doit avoir des semelles de vent, partir ailleurs... C'est ainsi que Jean Rouch nous invite à de savoureuses rencontres, sérieuses ou joyeuses, dans l'univers mythologique des sociétés de la boucle du Niger. Il en a rapporté ces films, qui sont autant de contes universels.

Jean Rouch (né le 31 mai 1917 à Paris et décédé le 18 février 2004 au Niger) réalisateur de cinéma et ethnologue français, reste célèbre pour la pratique du cinéma direct et pour ses films ethnographiques sur des peuples africains tels que les Dogons et leurs coutumes. Il est considéré comme le créateur d’un sous-genre de la docufiction : l’ethnofiction (voir : sources en anglais). Il est l'un des théoriciens et fondateurs de l'anthropologie visuelle.

Docteur ès lettres, ingénieur civil des Ponts et Chaussées, diplômé de l'institut d'ethnologie, chargé de recherches au Centre national de la recherche scientifique, Jean Rouch effectue des recherches ethnographiques au Niger et au Sénégal à partir de 1941. En 1946, il fait la première descente du Niger en pirogue et, l'année suivante, il commence à réaliser des reportages documentaires.

Admirateur des films de Robert Flaherty, Jean Rouch donne une nouvelle impulsion au cinéma ethnographique en filmant avec une caméra 16 mm des faits sociaux précis. Son Initiation à la danse des possédés (1948) est remarquée dans des festivals, et les films qui vont suivre connaissent souvent une exploitation commerciale. Jean Rouch n'est pas seulement un homme d'étude. Son mérite est de joindre à ses observations anthropologiques un bagage technique et une méthode d'approche de plus en plus personnelle. En effet, il est son propre opérateur, enregistre les événements dans leur continuité - sans couper les très longs plans séquences - et tourne au coeur de l'action, la caméra à la main. Les Maîtres fous (1954), extraordinaire document sur les rites de possession de la secte des Haoukas au Niger, est à cet égard la référence du cinéma selon Jean Rouch. Le film, critiqué pour sa minutie d'entomologiste, déclenche la controverse. Il se justifie par l'emploi d'un ton direct et improvisé, et par un commentaire explicatif visant à la précision et à l'objectivité. Afin de désamorcer les critiques, le cinéaste déploie un regard dans toutes les directions avec La Pyramide humaine (1959), où, au lycée d'Abidjan, les Blancs sont autant observés que les Noirs, et avec Petit à petit (1970), où il soumet les Parisiens au regard d'un Nigérien. Ce faisant, Jean Rouch développe un cinéma plus subjectif, comme en témoigne son entreprise majeure, Chronique d'un été (1960), en collaboration avec Edgar Morin, une enquête sociologique dans le Paris de l'été 1960, et ses essais de " cinéma vérité " aux limites de la fiction comme La Punition (1960) et Gare du Nord (1964, sketch de Paris vu par). Par la suite, l'Afrique demeure son sujet de prédilection, qu'elle soit traditionnelle ou soumise à l'influence néocoloniale. Si son humanisme dénué de toute idéologie emporte toujours la sympathie, Jean Rouch ne retrouve pas le souffle des Maîtres fous.

>> more about Jean Rouch

> Jean Rouch, presque un homme-siècle ("L'homme", revue française d'anthropologie, éditions EHESS)

Moondog, le clochard céleste

2011-08-10T14:50:00.014+02:00

Artiste de rue pendant plus de 25 ans, à New-York puis en Allemagne, il s'habillait à la mode viking et jouait sur des percussions conçues par lui-même. En puisant chez les classiques du Moyen Age, les Indiens d'Amérique ou encore dans le jazz, il a édifié une œuvre proche du courant minimaliste mais pourtant totalement atypique, hors-temps. Moondog était une sorte d'avant-gardiste d'un autre âge.

Né en 1916 à Marysville, Kansas, Louis Hardin vécut sa première expérience musicale marquante vers l'âge de 5 ou 6 ans. Son père, missionnaire catholique, est alors envoyé dans les réserves indiennes du Wyoming. Le petit Louis a ainsi la chance de jouer du tom-tom avec des Indiens Arapahu. A l'âge de 13 ans il perd la vue en s'amusant avec une amorce de dynamite. Louis poursuit alors sa scolarité dans des écoles pour aveugles et fait son premier apprentissage de la musique classique et de divers instruments (piano, orgue, violon...) auprès de professeurs diplômés de conservatoire. En 1943, Louis Hardin s'installe à Manhattan et commence à développer sa théorie de la musique, le "snaketime," en référence à l'ondulation du son. Il devient l'ami d'Arthur Rodzinski, le directeur musical du New York Philarmonic qui l'autorise à assister aux répétitions. Mais, à partir de 1947, il n'est plus vraiment le bienvenu. Louis Hardin commence en effet à se vêtir d'une tenue complète de roi Viking, casque à cornes compris. C'est alors pour lui autant un acte de résistance contre l'industrie de la mode qu'un moyen de faire taire ceux qui comparent son visage à celui du Christ ! La même année Louis Hardin commence à utiliser le nom de Moondog en souvenir de son chien qui hurlait à la lune.

A partir de la fin de l'année 1949, Moondog se produit dans les rues de Manhattan. Il chante, déclame ses poèmes et joue de ses instruments, pour la plupart des modèles uniques fabriqués selon ses directives : les trimbas (des percussions triangulaires), le oo (un instrument à corde triangulaire), le yukh... S'il loge le plus souvent à l'hôtel, Moondog s'astreint régulièrement à dormir dans la rue, les économies ainsi réalisées lui permettant de faire retranscrire ses partitions écrites en braille. Ce sera son mode de vie pendant plus de 25 ans. En 1949/50 Moondog enregistre ses premiers disques 78 tours pour un petit label New-yorkais. Devenu un figure emblématique du quartier, il se fait rapidement connaître de labels plus importants. Moondog enregistre pour Epic en 1953 (Moondog and his Friends), Prestige en 1956/57 (Caribea Sextet/Oo Debut, More Moondog, The Story of Moondog), Capitol en 1957(Tell It Again). Dans ces disques Moondog affirme déjà son style très personnel reposant sur des rythmiques aussi complexes que bancales, le résultat d'un mélange de fortes influences médiévales (canons, passacaille, rondes...), de jazz et de musiques traditionnelles (des Caraïbes, des Indiens d'Amérique...).

Une période creuse, au niveau discographique, semble s'installer après Moondog Suite (MG, 1959). Il faut attendre 1967 pour qu'il bénéficie d'un "coup de pub inespéré". Cette année-là Janis Joplin et son groupe, The Big Brother and The Holding Company, reprennent (en simplifiant la rythmique) "All is Loneliness", une composition enregistrée par Moondog en 1949. Deux ans plus tard, en 1969, un jeune compositeur du nom de Philip Glass fait sa connaissance dans les rues de Manhattan et décide de l'héberger : le "squat" durera 3 mois. Philip Glass et son ami Steve Reich ont alors l'occasion de travailler avec Moondog et même d'enregistrer en amateurs (les bandes, si d'aventure elles ont été préservées, n'ont jamais été éditées). Cette expérience ayant eu lieu à une époque séminale pour la musique minimaliste répétitive (Moondog rencontra également Terry Riley), Philip Glass et Steve Reich le proclamèrent un temps "fondateur du minimalisme", mais Moondog n'accepta jamais ce "titre". Même s'il a en commun avec eux la tonalité, Moondog déclara : "rythmiquement je suis considéré comme avant-gardiste mais mélodiquement et harmoniquement je suis très classique". Il déclara aussi : "Bach faisait quelque chose de minimal avec ses fugues. Alors quoi de neuf ?".

La grande compagnie Columbia/CBS, qui publie les premiers travaux de Steve Reich en 1967, s'intéresse alors au "clochard céleste" et lui donne l'occasion d'enregistrer avec un grand orchestre. Ses deux albums les plus connus sont alors publiés : Moondog en 1969 et Moondog 2 en 1971 (les deux seront réunis sur un seul CD, Moondog en 1989). Un certain engouement, tout relatif, s'empare alors de ce personnage bizarre, considéré comme un avant-gardiste échevelé. Dans les années 60/70 la Beat Generation l'accueille à bras ouverts, le voyant comme une icône de la rébellion. Moondog a l'occasion de se produire avec Allen Ginsberg, Lenny Bruce, dans des films avec William Boroughs... Il apparaît dans quelques shows télévisés, compose pour la publicité, la radio, une de ses œuvres est utilisée dans le film "Drive, She said" avec Jack Nicholson...

En 1974, Moondog disparaît brusquement des rues de Manhattan, certains le croient mort. En fait, en janvier 1974, après deux concerts à Francfort Moondog a décidé de rester en Europe, continent auquel il s'est toujours senti spirituellement et culturellement très attaché. Vers 1975/76 une étudiante en géologie du nom de Ilona Goebel fait sa connaissance dans les rues de Recklinghausen, une petite ville de la région de Cologne. Intriguée elle apprend rapidement qu'il est compositeur. Elle écoute ses disques sortis sur CBS et décide de l'héberger chez ses parents à Oer-Erkenschwick. C'est là que Moondog élira définitivement domicile. Non seulement Ilona l'héberge mais elle devient son assistante, son manager, transcrit ses partitions et réussit à le convaincre d'abandonner sa tenue de Viking ! Elle donne une nouvelle impulsion à sa carrière puisqu'en quelques années le label allemand Roof Music édite Moondog in Europe (1977/78) ; H´art Songs (1978), une superbe collection de morceaux quasiment "pop" qui font étrangement penser à Robert Wyatt ; A new Sound of an old Instrument (1979), une série de pièces pour orgue en solo ou en duo.

Dans les années 80 Moondog n'a publié que deux disques : Facets en 1981 et Bracelli en 1986. Il consacre son temps à la composition, parfois pour se lancer des défis à lui-même comme pour Cosmos I et II, une série de 8 canons nécessitant un millier de musiciens pour une durée de 9 heures ! "Mais je n'ai pas écrit cela dans l'idée que se soit joué un jour", avoue-t-il. Moondog se produit régulièrement sur scène : à Herten et Recklinghausen en 1981, Paris en 1982, Salzbourg en 1984... En 1988, Moondog est invité à faire l'ouverture du 10ème festival des Trans Musicales à Rennes, accompagné de l'orchestre de la ville (au beau milieu du premier concert, l'orchestre quitta la scène pour des raisons de "filmage abusif" puis revint... Le second concert fut tout bonnement annulé !). L'année suivante, autre accueil, autre ambiance, Moondog fait l'ouverture du New Music America festival à New York. Il dirige le Brooklyn Philharmonic Chamber Orchestra. Assis sur un côté de la scène et frappant sur un tambour, il conduit ainsi l'orchestre en lui donnant la mesure. Ce sera son dernier séjour aux Etats-Unis. Toujours en 1989, Moondog participe à deux titres de l'album My Place de Stefan Eicher (qu'il a rencontré aux Trans Musicales). Moondog et Stefan Eicher collaboreront une nouvelle fois en 1992 pour un concert à Winterthur en Allemagne.

1992 est l'année de la publication de Elpmas, un disque de protestation contre les mauvais traitements infligés à toutes les populations indigènes à travers les siècles. Sur Elpmas figurent des instrumentaux aux rythmiques "minimalistes répétitives" alternés avec des chœurs d'hommes d'inspiration indienne, ainsi que Cosmic Meditation, une longue plage sans percussions. Cette publication est suivie par une mini tournée en Allemagne en 1992, puis en 1994. En 1995, Moondog se rend à Londres à l'invitation du Meltdown Festival d'Elvis Costello. Pour ce concert étaient réunis le London Saxophonic et le London Brass. Moondog et le London Saxophonic ont ensuite enregistré Sax pax for a pax (1997), sur lequel figurent des réinterprétations (trop strictes peut-être ?) des compositions de Moondog.

Moondog a quitté notre monde le 8 septembre 1999 à l'âge de 83 ans. Durant sa vie il aurait composé plus de 300 madrigaux, passacailles, canons et autres musiques pour orchestres à cordes, orchestres à vent, piano, orgue... et plus de 80 symphonies ! L'enregistrement de son dernier concert, donné en juillet 1999 au Festival MIMI à Arles, a été publié fin 2004, en tant que deuxième volume du double CD The German Years 1977-1999 par Roof Music.

Ce double CD The German Years 1977 - 1999 présente aussi, comme son nom l'indique, une compilation d'œuvres pour la plupart extraites des albums publiés par le label allemand Roof Music (H'art Song, Elpmas, Moondog in Europe et Instrumental Music). Cette compilation contient également "Bumbo" de l'album Big Band (Trimba, 1995), ainsi que, pour la première fois sur Cd, "Dark Eyes", extrait de l'album Bracelli (1986). A l'occasion de la sortie de cette anthologie, Roof Music a publié, quasi simultanément, Moondog remixed No. 1, un EP contenant 3 titres, chacun étant un remix d'une oeuvre de Moondog par 3 artistes de la scène électro-hip-hop. "Dog Trot" est un remix par Christian Becker, d'après une oeuvre de Moondog du même nom. Sur "Get a Move On" le DJ anglais Mr. Scruff utilise "Bird's Lament", l'hommage fait par Moondog à Charlie Parker juste après sa mort. A noter que ce remix a été utilisé comme fond sonore des pub TV de France Télécom (en France), et des marques de voitures Volvo (en Europe) et Lincoln (aux Etats-Unis). Le troisième titre de ce EP, "The Return of Reimemonster", est signé par Afrob. Ce rappeur allemand utilise un sample de la pièce pour orchestre de 1969 "Minisym I".

Le label anglais Honest Jons. a édité en octobre 2005 The Viking Of Sixth Avenue, une compilation qui pioche dans les premiers disques enregistrés par Moondog de 1949 à 1956, une période qui constitue les 3/4 du disque. On retrouve notamment l'intégralité de Moondog on the streets of New York (Mars records, 1953), une face de Moondog and his Friends (Epic, 1953) une face de Improvisations at a Jazz Concert (Brunswick, 1953) et 3 titres sur 4 de Moondog and his honking geese (1955). La compilation est étrangement complétée par une dizaine de titres provenant d'enregistrements de 1969 à 1995... The Viking Of Sixth Avenue reste tout à fait intéressant même s'il donne une impression de puzzle troué. A l'exact opposé en matière de qualité éditoriale, notons l'édition en "fac-similé" (et en CD) du EP Pastoral Suite / Surf Session par le label Moondog's Corner. Pastoral Suite / Surf Session est l'un des tous premiers disques enregistrés par Moondog, en compagnie de sa femme Suzuko, au Spanish Music Center à New-York vers 1953. Cette réédition est évidemment celle d'un passionné, Thomas Heinrich, créateur du label Moondog's Corner et du www.moondogscorner.de. On lui doit déjà la réédition, en 2001 et aux mêmes formats, de Moondog and his honking geese, un EP enregistré en 1955.

Moondog's Corner a réédité l'intégralité du vinyle Moondog And His Friends, publié par Epic en 1953. Ces pièces sont agrémentées de titres plus récents. "Logrundr XVIII in C-Sharp Minor" a été enregistré en 1987 par l'organiste américain Paul Jordan sur son album Buxtehude, Moondog and Co.. "Fleur de Lis" figure sur le premier album de la harpiste allemande Xenia Narati Moondog Sharp Harp datant de 2005. "Sun Collector In 7/8" est une improvisation de Stefan Lakatos jouant sur le trimba de Moondog.

Bibliographie: Robert Scotto Moondog : The Viking of 6th Avenue: The Authorized Biography (Process Media, 2007)

LIENS:
Le Viking de la 6ème Avenue
site officiel en anglais, le plus complet, MOONDOG's Corner (www.moondogscorner.de) n'existe plus. Copie a été archivée par Archive.org.

source: MOONDOG (1916-1999), le ménestrel de la musique contemporaine sur néosphères.

Lola Rastaquouère (Serge Gainsbourg)

2011-08-09T17:04:00.003+02:00

Comment oses-tu me parler d'amour toi hein
Toi qui n'as pas connu Lola Rastaquouère
Je lui faisais le plein comme au Latécoère
Qui décolle en vibrant vers les cieux africains

Elle avait de ces yeux un vrai chat abyssin
Et ses seins deux sphères
Entre lesquelles j'abandonnais deux mois de salaire
Pour y rouler mon pauvre joint

Quand dans son sexe cyclopéen
J'enfonçais mon pieu tel l'Ulysse d'Homère
Je l'avais raide plutôt amère
C'est moi grands dieux qui n'y voyais plus rien

Dans la moiteur torride de sa croupe d'airain
On pouvait voir éclore des renoncules par-derrière
Et par devant un conifère
Me rappelait un air jamaïcain

Osvaldo Zotto and Lorena Ermocida (tango)

2011-08-07T10:47:00.005+02:00

This is the first public performance of Osvaldo Zotto and his new partner Lorena Ermocida. It took place at the legendary Club Almagro (Buenos Aires, Argentina), on April 29, 1997.

>> Un grand Maestro est décédé "Osvaldo ZOTTO"

The Firebird by Igor Stravisnky (in Allegro Non Troppo)

2011-08-05T10:43:00.002+02:00

Stravinsky's The Firebird (specifically The Princesses' Khorovod and The Infernal Dance of King Katschey) begins with a lump of clay molded by a monotheistic symbol of the omniscient pyramid, molding first a few unsuccessful creatures with overly awkward limbs, then finally the Adam and Eve as portrayed in Genesis. Adam and Eve then transform into cel animation, and as in Genesis, the serpent comes up to them, offering the fruits of knowledge in the form of an apple. When they both refuse the serpent eats the apple himself, launching him on into a sinful, hellish environment where he is exposed to advertisements and pornography. The serpent eventually returns to Adam and Eve and spits out the apple.

>>> Preludio a la siesta de un fauno (in Allegro Non Troppo)

Zoyd Photography

2011-08-05T10:26:00.004+02:00

Music from Michael Wertmuller‏

Music from Toru Takemitsu , compotision Sky, Horse and Death (1958)

>>> Zoyd Photography

Franz von Bayros

2011-08-03T17:02:00.005+02:00

Franz von Bayros, né le 28 mai 1866 à Zagreb (Autriche-Hongrie, actuellement en Croatie) et décédé le 3 avril 1924 à Vienne est un dessinateur, illustrateur et peintre autrichien aussi connu sous le nom de Marquis de Bayros.
Il est connu pour son portfolio controversé Erzählungen am Toilettentische ("Tales from the Dressing Table").
On le compare fréquemment à deux autres artistes auteurs d'œuvres érotiques, Aubrey Beardsley et Félicien Rops.
À partir de 1890, il travaille avec le portraitiste Eugen Felix (1836-1906), puis avec le peintre de paysages Gottfried Seelos (1829-1900). Bayros fait alors partie de l'entourage de Johann Strauss, dont il épouse la belle-fille Alice en 1896.
Ses sujets de prédilections sont la masturbation féminine, le lesbianisme, mais aussi la zoophilie, la pédophilie ou le fétichisme.

Vibración en Granada (José Val Omar, 1935)

2011-08-02T19:14:00.003+02:00

L'alhambra en toile de fond...

Jose Val Omar ((Loja, Granada, 27 de octubre de 1904 – Madrid, 4 de agosto de 1982) fue director de cine e inventor español.
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"En tus brazos" (court métrage, 2006)

2011-08-02T11:36:00.005+02:00

Réalisation: Supifocom Arles par François Xavier Gonnet, Matthieu Landour et Edouard Jouret
Musique : Xavier Drouault

Le plus grand danseur de tango des années vingt est cloué dans un fauteuil roulant après un accident. Grâce à sa femme, il retrouve l’usage de ses jambes le temps d’une danse imaginaire…

>> www.entusbrazos.fr

L'Alhambra (Granada)

2011-07-26T16:08:00.006+02:00

L'Alhambra (en arabe : الْحَمْرَاء, Al-Ḥamrā' , « la rouge », en raison de la couleur que prennent les murailles au coucher du soleil) de Grenade est un des monuments majeurs de l'architecture islamique et l'acropole médiévale la plus majestueuse du monde méditerranéen.

C'est avec la Grande mosquée de Cordoue le plus prestigieux témoin de la présence musulmane en Espagne du VIIIe au XVe siècle. Leurs caractères sont d'ailleurs opposés : à la sobriété grandiose du monument religieux représentatif de la première architecture islamique, s'oppose l'exubérance de la dernière manière hispano-mauresque : celle-ci s'exprime en effet dans les palais des derniers souverains nasrides, alors en pleine décadence, et qui disparaîtront bientôt lors des derniers assauts de la Reconquista.

C'est un ensemble fortifié de bâtiments situés sur la colline de la Sabika, qui domine la plaine et la ville de Grenade, et qui fait face au quartier populaire et pittoresque de l'Albaicin. On y aperçoit au loin les sommets enneigés de la Sierra Nevada. Parmi ces bâtiments se trouvent notamment le palais mauresque qui fait la gloire de l'Alhambra ainsi que le palais renaissant de Charles Quint et une église édifiée à la place d'une mosquée.

Le nom vient de l'arabe, Qalat al Hamra c'est-à-dire « le château rouge ». Si la colline de la Sabika est aménagée dès 1237 sous la direction de l'almohade Al-Ahmar, l'origine de l'Alhambra remonte à 1238 avec l'entrée à Grenade du premier souverain nasride, Mohammed ben Nazar. Son fils Mohammed II le fortifia. Le style nasride atteint son apogée au XIVe siècle sous les rois Youssouf Ier et Mohammed V al-Ghanî, qui font édifier les parties les plus prestigieuses entre 1333 et 1354. Chaque souverain reprenait le palais de son prédécesseur et en édifiait de nouvelles parties, le modifiant à sa guise : on parle donc de palais Nasrides, au pluriel, pour cet ensemble.

Alors que presque partout dans le monde musulman les palais anciens ont disparu ou ne sont plus que des ruines, l’Alhambra possède encore deux groupes de palais du XIVe siècle. Les demeures bâties par les premiers souverains de la dynastie ont disparu et, au XVe siècle, les rois de Grenade n’ont pas eu les ressources nécessaires pour remplacer les palais subsistant aujourd’hui.

Après le règne des Nasrides, malgré le désir des Rois Catholiques d'effacer les traces de l'Islam des territoires entièrement reconquis par les chrétiens après la chute de Grenade en 1492, le palais mauresque était tellement superbe qu'il fut épargné et servit de résidence royale lorsque la cour passait à Grenade. Les souverains y proclament le Décret de l'Alhambra.

L'ensemble tomba ensuite en désuétude, ne faisant l'objet de restaurations qu'à l'occasion de séjours royaux.

L'Alhambra étant dès lors un des grands événements historiques, les pillards y firent leur apparition, ce que décrit Washington Irving dans ses contes (voir bibliographie en fin d'article).

Une action d'éclat sauva l'Alcazaba de la destruction pendant la guerre civile espagnole.

Les jardins sont à présent entretenus grâce au Patronato de La Alhambra, qui gère l'ensemble du monument et permet la visite à 7000 personnes par jour.

La gazelle est le symbole de l'Alhambra, elle est assimilable à un emblème héraldique depuis l'exploitation touristique du site. Cette image correspond à la version stylisée d'un vase décoratif retrouvée parmi les objets de l'Alhambra ; l'original se trouve dans le musée du palais de Charles Quint.

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>> l'Alhambra de Grenade sur "Fleur d'Islam"

Lisa Gerrard & Klaus Schulze (live in Bruxelles)

2011-07-26T15:52:00.003+02:00

25 Septembre 2009 à l'Ancienne Belgique

El Concierto de Aranjuez (Paco de Lucia & Orquesta de Cadaques)

2011-07-26T12:45:00.005+02:00

El Concierto de Aranjuez pour guitare et orchestre est une œuvre célèbre du compositeur espagnol Joaquín Rodrigo composée en 1939.
Il se compose de trois mouvements:
1/ Allegro con spirito
2/ Adagio
3/ Allegro gentile

>> more about

Andres Segovia , "Asturias" VS The Doors, "Spanish Caravan"

2011-07-26T00:12:00.007+02:00

Chants d'Espagne, Op. 232, is a suite of pieces for the piano by Isaac Albeniz, originally published in 1892. The two pieces Córdoba and Seguidillas were added in the 1898 edition.
The Prélude is also known under the titles Asturias and Leyenda, titles given to it when it was incorporated into an extended version of Albéniz's Suite española, two years after the composer's death. It is probably more famous today in one of its guitar arrangements. Many have attributed the first transcription for guitar to Francisco Tárrega who put it in its most recognizable key, E minor; it was subsequently made popular by Andrés Segovia. The theme, or versions of it, is often used in film music and popular music.

Albéniz's biographer, Walter Aaron Clark, describes the piece as "pure Andalusian flamenco" with a main theme that mimics the guitar technique of alternating the thumb and fingers of the right hand, playing a pedal-note open string with the index finger and a bass melody with the thumb. The theme itself suggests the rhythm of the buleria — a song from the flamenco repertoire. The ‘marcato’/’staccato’ markings suggest both guitar sounds and the footwork of a flamenco dancer. The piece sounds as though it is written in the Phrygian mode which is typical of bulerias. The second section is a reminiscent of a copla — a sung verse following a specific form. Clark states that it is written in typical Albéniz form as it is “presented monophonically but doubled at the fifteenth for more fullness of sound. The music alters between a solo and accompaniment that is typical of flamenco. The short middle section of the piece is written in the style of a malagueña — another flamenco style piece. The malagueña borrows two motives from the previous copla and builds on them. The piece returns to its first theme until a slow “hymn-like” passage ends the piece.

"Spanish Caravan" is a song by The Doors from the album Waiting for the Sun released in 1968. Its basic flamenco track is an established form of flamenco music known as Granadinas.The beginning riff was taken from Asturias (Leyenda), a classical piece of music by Isaac Albeniz. It also borrows a similar sounding riff from Malagueña.

The lyrics may refer to romantic theme of searching for beautiful and rich lands, typical i.e. for George Byron. In Spanish Caravan the lyrical subject declares will to travel by a caravan to Portugal and Andalusia in Spain where 'a treasure is waiting'. The means of transport suggest that the mysterious subject wants to be 'taken away' back to Europe from an African desert. However, there are also 'galleons lost in the sea' mentioned. Of course, the treasure, the ship etc. could be a figure of something else.

In the Doors' performances the feeling of brutal lust or even desperation was especially underlined.

The track was one of the important points of the Doors' concerts, sometimes included to the Celebration of the Lizard series, famous for the theatre experiments accompanying.

Duke Ellington et Juan Tizol sur "Caravan" (1952)

2011-07-26T00:01:00.003+02:00

Caravan est un fameux thème de jazz composé par Duke Ellington, Juan Tizol, et Irving Mills. "Caravan" est enregistré pour la première fois le 19 décembre 1936 par Barney Bigard and his jazzopators. Le morceau acquiert la célébrité avec la version enregistrée le 18 mars 1937 avec l'orchestre de Duke Ellington pour Master Records. Dans ces mêmes années Irving Mills écrira des parole pour Caravan, chantées notamment par Ella Fitzgerald. Fusion du style jungle et d'exotisme moyen-oriental, connaîtra un grand succès international et connaîtra pléthore d'adaptations et reprises dans tous styles et genres de musique confondus. Il existe plus de 350 versions enregistrées de Caravan par les différentes formations du Duke dont une cinquantaine en studio, la plupart sont des enregistrements publics. Ce qui montre la popularité de ce morceau qui deviendra un standard de Jam sessions.
Ce thème est devenu un standard et a pris une tout autre envergure dans les années 60 et 70.

Nils Petter Molvær (live at Jazz Baltica, 1 et 2/7)

2011-07-24T23:10:00.007+02:00

Nils Petter Molvaer - trumpet
Eivind Aarset - guitar
Audun Erlien - bass
Rune Arnesend - turntables
DJ Strangefruit - drums
Wetle Holte - drums

Trompettiste, compositeur, et producteur norvégien, né à Sula le 18 septembre 1960.
Il est considéré comme un pionnier du nu jazz et en particulier de la fusion entre jazz et musique électronique, avec son album Khmer, sorti en 1997 sur le label ECM.
Molvaer utilise souvent une sourdine, ce qui rappelle parfois le son de Miles Davis entre les années 1970 et 1980, mais sans en être une copie conforme.

>>> Nils Petter Molvær

merci à Brandtkalk pour cette formidable découverte... ;-)

Ravi Shankar & Philip Glass (Passage, 1990)

2011-07-24T18:16:00.004+02:00

Ravi Shankar & Philip Glass in "Passages", 1990

TRACKS:
1. Offering 9:40
2. Sadhanipa 8:31
3. Channels and Winds 7:56
4. Ragas in Minor Scale 7:32
5. Meetings Along the Edge 8:05
6. Prashanti 13:37

NOTES:

Offering. After a slow introduction saxophone plays the Shankar raga melody, subsequently enriched by the two other saxes. A long middle section in quicker tempo treats the material more freely in several parts, concluded with a shorter recapitulation of the opening theme.

Sadhanipa. The title based on the solfege notes (svaras): "SA DHA NI PA" from the Indian octave (saptaka) based on the first four tones of the Glass melody: "Do La Ti So" (D-B-C-A). An opening "ad lib" trumpet statement, echoed in the bass bamboo flute. Then the chamber orchestra develops the theme in 4/8-6/8-7/8. The Finale recapitulates the original Glass theme.

Channels and Winds. is an intrumental work with vocalists in A-B-A-B-A-B form which was conceived as a bridge between the two Shankar compositions based on the Glass melodies.

Ragas in Minor Scale. The Glass theme is introduced, after the veena introduction, by the cello. The opening section is in 6/8, middle section 4/8, closing in 4/8.

Meetings Along the Edge. A fast-paced work based on: 1) a "Middle Eastern" sounding Shankar theme in 7; 2) a seconf theme also by Ravi and also in 7 but of a somewhat different lenght; 3) A Glass theme in 4. Glass also added an Introduction and other rhythmic ideas. The themes are stated, blended and combined in the Finale.

Prashanti (Peacefulness). An extended orchestral work in two parts: Musical depiction of joyful people living in harmony. Slowly, greed, envy, hatred and violence creep into their contented lives. Out of this chaos a voice sings out in Vedic prayer:

"Hey Nath, hama para kripa kijiye. Door kara andhakar, gyan ka aloka dijiye, hinsa dwesh lobha bamese chhin lijiye, manamey prem shanti bhar dijiye."

(Oh, Lord. Be benevolent to us. Drive the darkness away. Shed upon us the light of wisdom. Take the jealousy, envy, greed and anger from us, and fill our hearts with love and peace.)

... and a feeling of spiritual awakening, peace and tranquillity descends upon people's minds.

This historic collaboration brings full circle a process which began when promising young American musician Philip Glass met Indian master Ravi Shankar in Paris in 1965. That week Glass, studying with the great Nadia Bulanger, was earning pocket money doing notation and conducting a recording session for the soundtrack of Conrad Rook's film "Chappacqua." The score's composer, Ravi Shankar, was directing his ensemble from the sitar.

Ravi recalls, "From the very first moment I saw such interest from him -he was a young man then— and he started asking me questions about ragas and talas and started writing down the whole score, and for the seven days he asked me so many questions. And seeing how interested he was I told him everything I could in that short time."

"It was possible to graduate from a major Western conservatory, in my case Juilliard, " remembers Glass, "without exposure to music from outside the Western tradition. World music was completely unknown in the mid-60's."

"What the young Glass heard which lay beyond his conservatory hermeticity was RHYTHM, long out of fashion in the world of American academic post-Webernism, with its almost exclusive concern for harmonic organization. Indian music is based on melody, which would get you laughed at Princeton or Columbia, and rhythm, which, despite Stravinsky's efforts in works like "Le Sacre du Printemps" or "Les Noces" was considered "incidental" to constructing 12-tone rows and other serious contrapuntal matters.

So for someone to play for the budding composer an expressive, vital, respect-worthy music — based on 4,000 years of refining the interaction between the two forgotten elements of Western music— must have been mildly astonishing at the very least. He realized that one could construct music on a rhythmic, as opposed to a harmonic, base.

Also, unlike most of the composers Glass had met up till that time, Ravi Shankar was a player, a composer/performer, whose authority arose from intimate hands-on contact with the music itself, and the other musicians, with whom he regularly shared a vibrating column of air. Glass became a student of Shankar's, Philip Glass today acknowledges "I owe a lot to Ravi; he was one of my teachers. "

The movement Philip Glass helped to create was called "Minimalism," and the founding Minimalists are all fine performers. Whatever differences they may have had in the mid-60's, what they had in common was the dynamic re-assertion of the primacy of rhythm.

They chose different sources: Steve Reich was drawn by African drumming and Balinese gamelan (as well as Be-bop); Terry Riley by Northern Indian vocal techniques under the guidance of the legendary Pandit Pran Nath, as well as blues and jazz improvisation; and in the next generation, John Adams points to rock and roll as well as the early Minimalists, as his seminal influences.

Pandit Ravi Shankar went to collaborations with Sir Yehudi Menuhin, Jean-Pierre Rampal and the much-publicized master/pupil relationship with Beatle George Harrison that served to introduce Indian music (and its inherent spirituality) to a generation of rock fans. Film scores such as the legendary Apu trilogy, "Charly" and "Gandhi" as well as additional cross-cultural excursions into other musical traditions, have enriched his palette, all the while he has remained pre-eminent in the classical Indian music which traces its history to at least 2,000 B.C.

Philip Glass, in part through re-emphasizing the role of rhythm in his music (influenced by non-Western forms including Indian Raga) has created a uniquely affective music for opera [Einstein on the Beach (1976), Satyagraha (1982), Akhnaten (1984), The Making of the Representative for Planet 8 (1988) and Hydrogen Jukebox based on the poetry of Allen Ginsberg (1990)], film (Koyaanisqatsi, Mishima and The Thin Blue Line), ballet and concert hall.

Peter Baumann, founder of Private Music, (who had been a member of the Minimalist / Rock band Tangerine Dream and an admirer of all of the above) responded enthusiastically when the record company's President/CEO, Ron Goldstein, suggested in the summer of 1989, that they bring the now-famous Philip Glass back into musical contact with the ever expanding world of Ravi Shankar.

Unlike previous Shankar "collaborations" (actually elaborate sessions with masters of other musical traditions joining Ravi to "jam" on his own music) the Glass encounter was rare instance of classical music reciprocity, each composer presenting thematic material to the other as raw material from which these finished pieces were fashioned. Passages contains four such co-ventures: two Glass compositions on themes by Shankar (Shankar / Glass); two Shankar compositions on themes by Glass (Glass / Shankar) as well as one piece from each composer completely of his own devising.

— Martin Perlich

CREDITS:
Original music composed by Ravi Shankar and Philip Glass. Produced by Kurt Munkacsi, Ravi Shankar and Suresh Lalwani.

Production Shankar: Recorded at Kodandapani Audio Lab Madras. Recorded by A. R. Swaminathan. Assisting Ravi Shankar in orchestration and arrangement: Suresh Lalwani. Conducted by Ashit Desai and Suresh Lalwani. Mixed by Michael Riesman and Suresh Lalwani.

Musicians: Vocals Ravi Shankar and S.P. Balasubramanyam and the Madras Choir. Orchestral group from Madras. Soloists: Ronu Mazumdar, Flute; Shubho Shankar, Sitar; Partha Sarathy, Sarod; Partha Sarathy, Veena; T. Srinivasan, Mridangam & Drum Speech; Abhiman Kaushal, Tabla.
Production Glass: Music by Philip Glass. Produced by Kurt Munkacsi for Euphorbia Productions, Ltd., NYC. Conducted by Michael Riesman. Engineered by Blaise Dupuy. Assistant Engineers: Michael McGrath, Ramone Diaz. Recorded at The Living Room Studios, NYC. Executive Producer: Rory Johnston. Edited with Sound Tools by Digidesign.
Musicians: Strings: Tim Baker Violin; Barry Finclair Violin, Viola; Mayuki Fukuhara Violin; Regis landiorio Violin; Karen Karlsud Violin; Sergiu Schwartz Violin; Masako Yanagita, Violin, Viola; Al Brown, Viola; Richard Sortomme, Viola; Seymour Barab, Cello; Beverly Laudrisen, Cello; Batia Lieberman, Cello; Fred Zlotkin, Cello; Joe Carver, Bass. Woodwinds: Theresa Norris, Flute; Jack Kripl, Flute, Soprano Saxophone; Jon Gibson, Soprano Saxophone; Richard Peck, Tenor, Alto Saxophone; Lenny Pickett, Tenor, Alto Saxophone. Brass: Peter Gordon, French Horn; Ron Sell, French Horn; Keith O'Quinn, Trombone; Alan Raph, Trombone. Gorden Gottleib: Percussion. Jeanie Gagne: Voice. Michael Riesman: Piano.

Art Direction by Melanie Penny. Design by Candy Jernigan. Photography by Ebet Roberts.

Tracks 1,5,6 Composed by Ravi Shankar, © 1990 Saira Music, Ltd./23rd Street Publishing, Inc. (ASCAP).

Tracks 2,3,4 Composed by Philip Glass, © 1990 Dunvagen Music Publishers, Inc. (ASCAP).

© 1990 Private, Inc.

source: Philip Glass

Jindřich Štyrsky

2011-07-24T16:40:00.010+02:00

Bilance psychoanalysis,1936
more here: psychoanalysis...

Marriage

from the series the movable cabinet

Sexuálnì Nocturno, 1931

More here >>> The Cabinet of the Solar Plexus

and... Emilie comes to me in my dream, Jindrich Styrsky

>>> Jindrich Styrsky (myspace)

Isidor Isou (Lettrisme et érotisme)

2011-07-24T12:43:00.009+02:00

Fondé en 1945 par Isidore Isou, le lettrisme s'est imposé dans un moment de l'histoire universelle comme le seul mouvement révolutionnaire après le dadaïsme et le surréalisme. Ami de Tristan Tzara, père spirituel de Guy Debord, Isidore Isou proclame la destruction de la poésie à mot au profit d'une esthétique basée sur la lettre et le signe.
Au-delà de la poésie, le lettrisme développe une œuvre protéiforme et souvent méconnue, visant, grâce au concept de création généralisée, à transformer l'ensemble des branches du savoir : de la théorie de l'art au bouleversement de la société et de la vie.

La poésie lettriste:
« Il importait pour cela de les (les mots) soustraire à leur usage de plus en plus strictement utilitaire, ce qui était le moyen de les émanciper et de leur rendre tout leur pouvoir. Ce besoin de réagir de façon draconienne contre la dépréciation du langage, qui s'est affirmé ici avec Lautréamont, Rimbaud, Mallarmé – en même temps qu'en Angleterre avec Lewis Carroll -, n'a pas laissé de se manifester impérieusement depuis lors. On en a pour preuves les tentatives d'intérêt très inégal, qui correspondent aux "mots en liberté" du futurisme, à la très relative spontanéité "Dada", en passant par l'exubérance d'une activité de "jeux de mots" se reliant tant bien que mal à la "cabale phonétique" ou "langage des oiseaux" (Jean-Pierre Brisset, Raymond Roussel, Marcel Duchamp, Robert Desnos) et par le déchaînement d'une "révolution du mot" (James Joyce, E.E. Cummings, Henri Michaux) qui ne pouvait faire qu'aboutir au "lettrisme".»
André Breton, "Du surréalisme en ses œuvres vives", 1953

Dès 1945, date de son arrivée de Roumanie à Paris à tout juste 20 ans et jusqu’à aujourd’hui, il opère d’une manière systématique le dépassement de nombreuses disciplines rarement convoquées par un seul et même créateur… La poésie, la musique, les arts plastiques, le cinéma, le théâtre, la danse, les sciences, la philosophie, la médecine, etc. sont bouleversés par des concepts nouveaux baptisés lettrisme, hypergraphie, soulèvement de la jeunesse, art infinitesimal ou esthapéïrisme, cadre supertemporel, psychokladologie… tous précisés par sa propre méthode de création consciente, la Créatique…
La complexité du Lettrisme, ses prétentions utopistes et réellement subversives, les incessantes polémiques ainsi que ses nombreux adeptes (dont Guy Debord reste paradoxalement le plus connu), ont certainement occulté l’oeuvre personnelle d’Isou...

L'érotisme comme champ d'expériences et de connaissance a été très tôt abordé par le lettrisme : depuis le scandale de la "Mécanique des femmes" en 1949 jusqu'aux sérigraphies réalisées sous l'égide de Fransesco Conz en 1988 à partir des planches du cultissime "Initiation à la haute volupté" (1960), sans compter les ouvrages nombreux d'Isou publiés sous pseudonyme ou non relevant d'une littérature "sexy" et dont la plupart livre toujours leur lot de pépites et de trouvailles, malgré les règles d'un genre hautement stéréotypé, ou encore le très didactique "Je vous apprendrai l'Amour" (1959)... l'énigme de la chair n'a cessé de se voir interrogée dans une quête incessante de multiplication d'un principe de plaisir enfin libéré de l'ascétisme et de la culpabilité judéo-chrétienne autant que de la métaphysique romantique (manifeste chez les surréalistes par exemple).
Chez Lemaître le Nu comme catégorie héritée du champ artistique et exercice de style occupe une place de choix (c'est le moins que l'on puisse dire !), sans pour autant négliger la part libidinale aventureuse qui en est le pendant théorique, érotologique. Car l'érotisme dans le lettrisme est une thématique artistique autant qu'un discours sur l'amour, voire une science de l'amour qui cherche à procurer sur le plan de la sexualité individuelle ce que l'économie nucléaire entend créer à l'échelle collective : la prodigalité. Qu'il s'agisse d'Au delà du déclic (film hypergrahique,1965), de sa peinture et surtout de sa production photographique, en intégrant l'élément figuratif (le nu dessiné ou photographié) comme un signe particulier dans une grammaire personnelle, il donne à un genre académique à souhait une dimension nouvelle, hypergraphique, où le corps référentiel se voit disputer l'espace où il trône souverainement par les signes dont il est désormais le support électif, quitte à s'y dissoudre totalement (je pense particulièrement, et sans rapport avec le Nu (!) à un portrait hypergraphique de Michel Tapié de 1964). Comme le Portrait, le Nu est a priori un exercice qui autorise tous les styles. Force est pourtant de constater qu'en ce domaine comme en tant d'autres on peine à s'émanciper de la pesanteur du réel comme justification ultime du geste : qu'il s'agisse de néoréalisme, de réalisme, de surréalisme ou d'hyper-réalisme comme l'image pornographique contemporaine (chic ou choc), le réel est cet horizon qu'il ne faut jamais dépasser. Les nombreuses photographies de Lemaître (qui ont déjà fait l'objet de plusieurs expositions) comme celles d'Alain Satié (notamment celles qui constituent le superbe recueil Tatouages, 1969), les récits hypergraphiques de François Poyet Poïesis et Champs Panhellesiques (1970) parmi d'autres nous rappellent aussi qu'il y a traitement hypergraphique de la thématique érotique en général et du nu féminin en particulier. A ceux et celles qui pensent que 1929 de Perêt, Eluard et Man Ray représentent un moment inspiré de l'érotisme artistique (certes, certes) et poétique (plus discutable !), je les engage à consulter d'urgence ce livre/objet incu(l)nable et remarquable Cul en tête ou au service de l'hypergraphie de Roland Sabatier et Alain Satié (1969) .

Source: Les cahiers de l'Externité

Traité de bave et d'éternité, Isidore Isou, 1951

2011-07-23T16:58:00.007+02:00

Film expérimental français écrit et réalisé par Isidore Isou en 1951, produit par Marc'O, et monté avec l'aide de Maurice Lemaître. Il s'agit de la première œuvre du cinéma lettriste.
Ce film, qui fit scandale à Cannes en 1951 et reçut le Prix des Spectateurs d'Avant-Garde, est basé sur le principe de ce qu'Isou appelle le montage discrépant, qui consiste en une disjonction totale entre le son et l'image, traités de manière autonome sans aucune relation signifiante.

Ainsi, la bande-son est constituée de poèmes lettristes (servant de générique et d'interludes), auxquels s'adjoint une narration contant l'histoire de Daniel, auteur d'un manifeste pour un nouveau cinéma (le cinéma discrépant), de son discours face à un public hostile et de son histoire d'amour avec une dénommée Ève.

L'autonomisation du son a pour but de le faire s'épanouir pleinement, sans tenir compte de l'image, lui offrant ainsi toute la richesse stylistique de la prose, devenant un véritable roman parlé (procédé qui inspirera notamment Chris Marker pour son film La Jetée).

La bande-image, quant à elle, constituée, en grande partie, de found footage, présente une succession d'images banales : Isou errant dans le quartier de Saint-Germain-des-Près ou en compagnie de personnalités (comme Cendrars ou Cocteau), des fragments de films militaires récupérés dans les poubelles de l'armée ou d'exercices de gymnastique filmés, et des plans d'actualités de personnalités de l'époque, telle l'actrice Danièle Delorme.

Ces images servent de prétexte à l'utilisation de la ciselure, procédé rendu en peignant, grattant ou rayant directement la pellicule, séparant ainsi chaque photogramme, habituellement perdu dans le mouvement général d'un film, pour l'explorer en lui-même et l'anéantir. L'image se retrouve parfois réduite à des écrans blancs ou noirs à divers moments du film.

>> Isidore Isou

> Traité de bave et d'éternité d' Isidore Isou_critique

Anja Garbarek ("Cancelled Pieces")

2011-07-23T15:45:00.003+02:00

Cancelled Pieces performed live in Japan by Steve Jansen with Anja on video screen behind

Video edited / created by Shoko Ise

Femme nue, Femme noire (Léopold Sédar Senghor)

2011-07-23T00:44:00.012+02:00

Vêtue de ta couleur qui est vie, de ta forme qui est beauté
J’ai grandi à ton ombre ; la douceur de tes mains bandait mes yeux
Et voilà qu’au cœur de l’Eté et de Midi,
Je te découvre, Terre Promise, du haut d’un haut col calciné
et ta beauté me foudroie en plein cœur, comme l’éclair d’un aigle

Femme nue, femme obscure
Fruit mûr à la chair ferme, sombres extases de vin noir,
Bouche qui fait lyrique ma bouche
Savane aux horizons purs, savane qui frémis aux caresses ferventes du Vent
d’est

Tamtam sculpté, tamtam tendu qui gronde sous les doigts du vainqueur
Ta voix grave de contralto est le chant spirituel de l’Aimée

Femme noire, femme obscure
Huile que ne ride nul souffle, huile calme aux flancs de
L’athlète, aux flancs des princes du Mali
Gazelle aux attaches célestes, les perles sont étoiles sur la nuit de ta peau.
Délice des jeux de l’Esprit, les reflets de l’or ronge ta peau qui se moire
A l’ombre de ta chevelure s’éclaire mon angoisse aux soleils prochains
de tes yeux

Femme nue, femme noire
Je chante ta beauté qui passe, forme que je fixe dans l’Eternel
Avant que le destin jaloux ne te réduise en cendre pour
nourrir les racines les racines de la vie

Extrait de "Oeuvres Poétiques"
Le Seuil

Mamady Keita (TIRIBA)

2011-07-22T22:29:00.009+02:00

Mamady Keita au Festival Couleur Café à Bruxelles

Mamady Keïta est né en 1950 à Balandugu, un village situé dans le Wassolon (province de Siguiri) près du fleuve Fé, en Guinée. Son père est maître chasseur et fida tigi (maître des plantes et guérisseur). Il est initié au djembé dès l’âge de 7 ans par Karinkadjan Kondé, djembéfola de son village. En 1964, âgé de 14 ans, il est sélectionné pour entrer au ballet national Djoliba en tant que batteur principal et soliste. De 1979 à 1986, il en est le directeur artistique. Il entreprend de nombreuses tournées en Afrique, en Asie, en Europe et aux États-Unis.

En 1986 il entre au ballet Kotéba de Souleymane Koli à Abidjan. Il y adopte le surnom de 'Kargus' pour éviter toute confusion avec Mamady 'Secret', l'autre Mamady Keïta de la troupe.

En 1987 il participe au film La Vie Platinée, de Claude Cadiou.

En 1988, il s’établit à Bruxelles (Belgique). Il donne des cours de percussions, enseignant plus particulièrement les rythmes mandingues, au sein de l’école Répercussions. Il y côtoie Marie Daulne, future Zap Mama, alors professeure de chants et danses africaines. Cette même année, il crée également son nouveau groupe de musiques traditionnelles mandingues Sewa Kan, avec lequel il donne plusieurs concert en Europe (France, Pays-Bas, Italie, Allemagne).

En 1991, il sort un album intitulé Wassolon. Le succès des cours de percussions permet à Mamady d'inviter son 'frère' Mamady 'Secret' du ballet Koteba à le rejoindre en Europe. Ce dernier deviendra N'Toman Keïta, N'Toman signifiant 'homonyme' en Malinké. Mama Adama Camara, du ballet Djoliba, le rejoint aussi à Bruxelles afin d'assurer les cours de danse.

En 1997, il organise avec Répercussions le premier stage de percussions et de danses africaines en Guinée, bénéficiant de la collaboration du Ministère de la Culture de Guinée et du Ballet National Djoliba.

En 1991, il fonde sa propre école TamTam Mandingue. Laurent Chevallier réalise le film Djembéfola qui lui est consacré. En 1992, il sort un nouvel album intitulé Nankama qui signifie « né pour ça » (surnom donné à Mamady par un sorcier du village voyant les prouesses du jeune garçon).

En 1993, il organise, à Matoto (Conakry), le premier stage en Guinée de son école TamTam Mandingue.

En 1994, il part en tournée à travers le Japon (Tokyo, Ōsaka, Okayama, Kagoshima, Hiroshima, Kawasaki) avec son groupe Sewa Kan.

En 1995, il sort son troisième album intitulé Mögöbalu, le premier enregistré à Conakry avec quelques uns de ses anciens partenaires, et les maîtres Fadouba Oularé et Famoudou Konaté. Il part en tournée aux États-Unis et pour la seconde fois au Japon.

En 1996, il consacre son album Hamana (nom d'une région guinéenne) aux rythmes des Dunumba (terme signifiant « la danse des hommes forts ») avec comme invité Famoudou Konaté.

En 1998, il sort son cinquième album, Afö, avec le groupe Sewa Kan. Il fête ses dix ans de présence en Belgique, lors du Festival Couleur Café, par un fabuleux concert auxquels participent Mory Kanté, Manu Dibango, Khadja Nin, Doudou N'diaye Rose, Famoudou Konaté, Soungalo Coulibaly.

En 2000, c'est un double album, Balandugu kan, enregistré dans son village natal.

En 2001, Mamady léé, où est mis en avant l'art des griots.

En 2002, dans l'album A Giaté, Mamady joue avec des musiciens de différentes ethnies.

En 2004, il sort Sila Laka, qui reprend les titres de Wassolon enregistrés cette fois à Conakry. Et c'est surtout l'édition de trois DVD pédagogiques, Les Rythmes du Mandeng, destinés à trois niveaux de maîtrise du djembé. C'est aussi l'album Djembe master, ne compilation de titres des albums précédents.

En 2006, la sortie en DVD du fim culte Djembéfola avec en bonus "Môgöbalu, les maîtres du tambour", deux réalisations de Laurent Chevallier.

En 2007, l'album Mandeng Djara est enregistré à Konakry, et une partie des images du DVD Les Rythmes du Mandeng volume 4 sont tournées à Balandugu.

En 2009, tournage à Conakry et à Bruxelles des derniers éléments du DVD Les Rythmes du Mandeng volume 4, destiné aux professionnels, et sortie de cet opus.

El Sacromonte (barrio de la ciudad de Granada, en España)

2011-07-22T16:59:00.008+02:00

Vieille ville "gitane" de Granada, c'est le quartier de grottes ("cuevas del Sacromonte")qui se trouve au delà de la muraille de "Don Gonzalo", la dernière bâtie avant le reconquête des rois catholiques au XVº siècle. Le début de la construction de ces grottes est inconnu. Bien qu'on le situe au XVI par l'expulsion des juifs et des musulmans, certaines théories assurent qu'il s'agit d'une zone habitée depuis les temps romains. Les gitans, peut-être venus avec les troupes des rois catholiques, s'y sont installés à partir de 1492. Le quartier fût toujours une zone limitrophe de la ville mais au delà des murailles, du contrôle religieux chrétien et hors de tout passage sauf par l'ancienne voie romaine qui arrivait à Guadix. Ce fait a configuré la vie de cette vallée, nomée "Valparaiso", autour de la fête gitane et la "zambra", qui est le nom d'un genre de flamenco et aussi la dénomination des grottes qui offrent des spectacles de cette musique pendant toute l'année (au début pour les riches, de nos jours pour les suivants de cet art).

Le Sacromonte se situe sur l'extension de la colline de l'Albaycin, en remontant le cours du Darro. S'y trouvent de nombreuses cavernes creusées et aménagées dans la roche (sédimentaire et la terre rouge de Valparaiso), peintes en blanc et en bleu clair pour chasser les moustiques (comme au Maroc).

Les gitans, peuple chassé (et installé) de toutes les parties d'Europe, s'y sont installés depuis les temps médiévaux de l'Andalousie. Ils y organisent la Zambra Gitana, danse andalouse provenant du Moyen-Orient, et qui est devenue le flamenco. L'origine de ce peuple nomade s'étend, selon les théories, depuis l'Egypte "egiptien_giptien_gitan", et l'Inde par leur langue "Cale", qui garde une grande similitude avec le "Urdu".

L'environnement culturel propre à cette zone fait l'objet d'une protection, par l'intermédiaire du centro de interpretación del Sacromonte. Ce quartier conserve la structure originale, croisée par des sentiers ou "vereas" (transformation du nom espagnol "vereda"), celle du milieu "verea de enmedio" (dont les virages extérieurs sont de "miradores" ou places aux vues panoramiques, comme "el mirador de la lomilla"), la haute "verea alta" et la basse "verea baja". Les grottes qui sont creusées dans cette terre à peine cristallisée, ont subi d'innombrables destructions, la plus importante dans les années 1945, ce qui mena à la vente des terrains et au renforcement intérieur de beaucoup d'entre elles par des voûtes et par des extensions, des grands murs, permettant ainsi l'apparition de balcons, de terrasses et de fenêtres...

Art Zoyd (1B Masques)

2011-07-11T08:37:00.002+02:00

album: Symphony pour le jour où brûlerons les cités, 1976

She's lost control (Grace Jones)

2011-07-08T21:41:00.007+02:00

>> Grace Jones

Confusion in her eyes that says it all.
She's lost control.
And she's clinging to the nearest passer by,
She's lost control.
And she gave away the secrets of her past,
And said I've lost control again,
And of a voice that told her when and where to act,
She said I've lost control again.

And she turned around and took me by the hand
And said I've lost control again.
And how I'll never know just why or understand
She said I've lost control again.
And she screamed out kicking on her side
And said I've lost control again.
And seized up on the floor, I thought she'd die.
She said I've lost control.
She's lost control again.
She's lost control.
She's lost control again.
She's lost control.

Well I had to phone her friend to state my case,
And say she's lost control again.
And she showed up all the errors and mistakes,
And said I've lost control again.
But she expressed herself in many different ways,
Until she lost control again.
And walked upon the edge of no escape,
And laughed I've lost control.
She's lost control again.
She's lost control.
She's lost control again.
She's lost control.

I could live a little better with the myths and the lies,
When the darkness broke in, I just broke down and cried.
I could live a little in a wider line,
When the change is gone, when the urge is gone,
To lose control. When here we come.

the original song by Joy Division

>> She's lost control (wikipedia)

Daniel Tammet : Les différentes façons de savoir

2011-07-05T17:25:00.005+02:00

Daniel Tammet est atteint de synesthésie linguistique, numérique et visuelle -- ce qui signifie que sa perception des mots, des chiffres et des couleurs sont entremêlées en une nouvelle façon de percevoir et de comprendre le monde. Tammet, auteur de "Je suis né un jour bleu," partage son art et sa passion pour les langues dans cet aperçu de son esprit magnifique.

source: ted.com

Marvin Gaye (Heard It Through The Grapevine (From "Live at Montreux")

2011-07-05T11:16:00.007+02:00

Marvin Gaye est un chanteur de soul américain né le 2 avril 1939 à Washington, D.C. et mort le 1er avril 1984 à Los Angeles.

Marvin Pentz Gaye Jr. naît le 2 avril 1939 à Washington, DC. Fils du pasteur Marvin Gay, Sr., il fréquente régulièrement l'église, où il s'exerce à la musique en chantant et en pratiquant le piano et la batterie. Ainsi la musique est devenue une échappatoire à la vie cauchemardesque qui règne alors dans son foyer (son père le battait régulièrement). Au cours de son adolescence, il intègre plusieurs groupes comme The Funk Brothers, The Rainbows, The Moonglows ou The Marquees. Il fera ainsi la rencontre d'Harvey Fuqua, un producteur qui aura une forte influence sur lui. Cependant Marvin Gaye se détache peu à peu de ces groupes en enregistrant quelques titres qui n'obtiendront jamais de succès. Le déclic se produit en 1961, l'année où il parvient à être signé (en tant que batteur) par la maison de disques Motown et rencontre les plus grandes stars de la soul. Le patron du label, Berry Gordy, le prend sous son aile (aidé par le fait qu'il a épousé Anna, la propre sœur de Berry Gordy).

Marvin Gaye débute avec la sortie des singles Can I Get A Witness, Hitch Hike et Pride And Joy. Mais c'est en 1964, année de sortie de son premier album, que le succès explose. Il collabore par la suite avec Tammi Terrell et Diana Ross entre autres. Les États-Unis sont séduits par ce nouvel artiste plein de charisme doté d'une voix mélodieuse. En 1968, la célébrissime chanson I Heard It Through The Grapevine reprise de Gladys Knight & the Pips sera en tête des charts.

Après le décès de Tammi Terrell d'une tumeur au cerveau en 1970, Marvin Gaye entame une dépression. Après de longs mois de solitude et de réflexion, il revient avec le nouvel opus What's Going On en 1971. Dans cet album-concept, il procède à l'analyse de son époque et touche à des sujets sensibles tels la lutte pour les droits civiques, la guerre du Viêt Nam, dont son frère Frankie lui avait fait récit après en être revenu, ainsi que l'écologie. Cet album très novateur pour l'époque lui permet de se débarrasser de son image de sex symbol et d'être considéré comme un des grands compositeurs de soul. Malgré le refus initial du fondateur de la maison de disques Motown, son beau-frère Berry Gordy, l'album sort et devient un classique.

Deux ans après, Marvin Gaye obtient un nouveau succès avec Let's Get It On, disque motivé par sa liaison extraconjugale passionnée avec une jeune femme nommée Janis Hunter (elle a 17 ans alors qu'il en a 34). Il entreprend dans cette œuvre d'associer l'extase charnelle à un rapprochement avec Dieu ; ainsi ce disque, au premier abord, irrévérencieux dans un contexte d'Amérique puritaine est en fait l'expression d'une foi spirituelle très profonde.

Au cours des années 1970, le chanteur publie plusieurs albums. On peut surtout retenir Here My Dear dont la genèse est particulière : son épouse Anna Gordy Gaye (de dix-sept ans son aînée), excédée par la double vie de Marvin Gaye, demande le divorce. Après de longues négociations, le juge devant statuer ordonne au chanteur de réaliser un album dont l'avance perçue sera reversée à son épouse. Ayant tout d'abord voulu réaliser un disque superficiel, l'artiste publiera une œuvre complexe où il reviendra en détail sur son mariage houleux. C'est à cette période que Gaye tombe sous l'emprise de l'alcool et de la drogue, dépendance qui le suivra jusqu'à la fin de sa vie.

En 1981, Marvin Gaye voit une série d'enregistrements (dont des démos) publiée sans son accord sous le titre In Our Lifetime ce qui provoquera la rupture définitive avec Motown. Il sera rapporté que la Motown a modifié le titre de l'album en escamotant le point d'interrogation, provoquant le courroux du chanteur.

Ayant signé avec la maison de disques CBS Records, l'artiste part pour Ostende en Belgique. Là, devant faire face à la concurrence de nouvelles stars telles que Rick James, il fera appel à Harvey Fuqua et Gordon Banks pour réaliser son album Midnight Love dont est issu le tube Sexual Healing, qui sera repris de nombreuses fois, notamment par Ben Harper et le célèbre quatuor Fourplay. Il retourne s'installer à Los Angeles, mais les choses se gâtent de nouveau et Marvin Gaye retombe en dépression, tant et si bien qu'il réintègre le foyer de ses parents.

On peut noter que les rapports entre Marvin et son père ont toujours été complexes, le pasteur étant un homme violent. Le 1er avril 1984, à la suite d'une violente dispute (durant laquelle Marvin est sous l'emprise de la cocaïne), son père, se sentant menacé, le tue de deux coups de revolver. Il aurait eu 45 ans le lendemain.

Sa dernière performance publique est lors du NBA All Star Game en 1983 où sa reprise soul de l'hymne national américain reste dans les mémoires.

Marvin Gaye aura eu le besoin constant de prouver au public qu'il est un artiste et pas un simple chanteur de charme, son album de 1971 en attestant.

La légende de Motown, actualités, promotions

>> more about Marvin Gaye

Au Mangkunegaran Palace

2011-07-04T23:45:00.003+02:00

Video ini saya ambil sewaktu saya Libran Juli 2009 di SOLO. Camera By Wahyu

Avec les kraton (palais royaux) de Surakarta et Yogyakarta et le Pakualaman, le Mangkunegaran (Principauté du Mangkunegaran, Java, Indonésie) est un des quatre lieux où se perpétuent la culture de cour javanaise, maintenue en premier lieu par les membres de la famille princière. Cette culture est transmise à travers un enseignement ouvert au public. Les leçons de danses ont notamment lieu sous le pendopo, le grand pavillon de réception à l'avant du palais.

Ishema Ry'Abahanzi

2011-07-03T10:17:00.003+02:00

Ishema Ry'Abahanzi 2006 : 120 minutes de bonheur! par LiliTheKing

Pilobolus: A performance merging dance and biology

2011-07-02T23:42:00.003+02:00

Two Pilobolus dancers perform "Symbiosis." Does it trace the birth of a relationship? Or the co-evolution of symbiotic species? Music: "God Music," George Crumb; "Fratres," Arvo Part; "MorangoAlmost a Tango," Thomas Oboe Lee.

Pilobolus began, in 1971, as an outsider dance company, and quickly became renowned the world over for its imaginative and athletic exploration of creative collaboration.

Video from TED.COM

>> about PILOBOLUS

La grande mosquée de Djenné (Mali)

2011-07-02T22:17:00.005+02:00

Vers 1280, Koi Komboro, roi de Djenné, se convertit à l’islam. Il détruit son palais et y fait construire à la place une grande mosquée.

En 1819, Djenné est annexée à l’Empire peul du Macina de Sékou Amadou qui fait détruire la mosquée pour en construire une nouvelle. En 1906, le gouverneur colonial français William Ponty accepte, à la demande du marabout Almamy Sonfo, de reconstruire à l’identique l’ancienne mosquée du roi Koi Komboro. Les travaux, commencés en octobre 1906, seront terminés le 1er octobre 1907.

La grande mosquée peut accueillir environ 1 000 fidèles. Elle mesure 75 mètres de côté et 20 mètres de hauteur. Son toit est soutenu par 100 piliers. Entièrement réalisée en banco, la mosquée bénéficie chaque année d’un crépissage auquel participent tous les habitants de la ville.

La mosquée est typique de l'architecture soudannaise qui inspire les maçons bozos, ceux-ci puisent dans les lignes de ce monument l'esprit des nouvelles mosquées.

Rocé (ma saleté d'espérance)

2011-07-02T21:55:00.004+02:00

Rocé - "Ma saleté d'espérance" par No_format

Originaire de Bab El-Oued et élevé en banlieue parisienne, Rocé a toujours défié tous les clichés du rap avec des textes très riches en images et en métaphores. Il sait à la fois se faire intelligemment revendicatif, plus abstrait ou descriptif d'attitudes afin de les dénoncer. Il peut ainsi amener tout à la fois à la réflexion ou à communiquer plus directement avec des phrases très parlantes.

>>ROCé

Diego Rivera

2011-07-02T12:37:00.006+02:00

Diego Rivera, né le 8 décembre 1886 à Guanajuato et décédé le 24 novembre 1957 à San Ángel, un quartier aisé de Mexico est un peintre mexicain connu pour ses fresques murales principalement dans les bâtiments officiels du centre historique de Mexico.

Diego Rivera est né en 1886 à Guanajuato. Contre l'avis de son père, qui voulait qu'il aille a l'école militaire, il entre à l'Académie des Beaux Arts de San Carlos. Il se rend en Europe en 1907 d'abord à Barcelone, puis à Paris pour vivre et travailler parmi les artistes de Montparnasse. Il se lie d'amitié avec Modigliani, qui fait son portrait en 1914.

Au cours de sa vie passablement agitée, il a une liaison pendant six ans avec la peintre Marie Vorobieff (Marevna), mais se marie avec Angelina Beloff, dont il a un fils qui meurt en bas âge. Il a par ailleurs plusieurs autres enfants de maîtresses avec lesquelles il entretenait de brèves relations. Il n'assume toutefois jamais ses paternités. Au début des années 1920, il retourne au Mexique où il s'intéresse, par le biais de la politique, à l'extrême-gauche. Là, il réalise sa première peinture murale où figurent des sujets ethniques mexicains dans un contexte politique. La seule femme qui a été une constante dans sa vie, est Frida Kahlo (une militante communiste et peintre jouissant d'une certaine cote) avec laquelle il entretient une relation passionnée et tumultueuse.
Il va à Moscou, mais est expulsé pour activités antisoviétiques. En 1929, il revient à Mexico. Rivera, à l'âge de 43 ans, épousa Frida, de 21 ans sa cadette.

Rivera crée beaucoup, souvent pour attaquer l'Église et le clergé. Avec des artistes comme José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros et Rufino Tamayo, il commence à s'essayer aux fresques, sur de grands murs, dans un style simplifié et en employant des couleurs vives en phase avec les thèmes de la guerre civile des années 1910. Certaines de ses fresques les plus emblématiques sont au palais national à Mexico et à l'école nationale d'agriculture à Chapingo. Rivera en peint plusieurs aux États-Unis, qu'il visite au début des années 1930 et aussi en 1940, privilégiant surtout les thèmes industriels. Sa plus célèbre fresque se trouve à l'institut des arts de Détroit.

Cette photo de Detroit Institute of Arts

Il rencontre Serguei Eisenstein qu'il aide à connaître le Mexique en vue de la préparation du film Que Viva Mexico !. En 1933, sa fresque Homme au croisement pour le Rockefeller Center de N.Y est détruite, il y figurait un portrait de Lénine. Après ce scandale médiatique, une commission annule une commande prévue pour la foire internationale de Chicago. Pour sa part, Rivera s'en est souvenu puisque sur ses fresques ultérieures, Rockefeller, devenu sa némésis, est représenté.

Ayant rejoint la Ligue communiste internationale, il sympathise avec l'exilé soviétique Léon Trotski, qui habite chez lui un moment, mais ils ont un différend et Trotski doit quitter le domicile de Rivera. Trotski est assassiné peu de temps après.

Frida Kahlo meurt d'une pneumonie en 1954. Rivera contracte une forme rare de cancer, dont il meurt en 1957. Sa dépouille est inhumée au Panteón de Dolores à Mexico...

« On a dit que la révolution n'avait pas besoin de l'art mais que l'art avait besoin de la révolution. Ce n'est pas exact. Oui, la révolution a besoin d'un art révolutionnaire. L'art n'est pas pour le révolutionnaire ce qu'il était pour le romantique. Ce n'est ni un stimulant ni un excitant. Ce n'est pas une liqueur pour s'enivrer. C'est l'aliment qui donne des forces au système nerveux. Il donne des forces pour la lutte. C'est un aliment comme peut l'être le blé. »

>> The Diego Rivera Mural Project

Mahmoud Darwich (Rita)

2011-06-29T00:39:00.009+02:00

Mahmoud Darwich (en arabe : محمود درويش), né le 13 mars 1941 à Al-Birwah en Galilée (Palestine sous mandat britannique) et mort le 9 août 2008 à Houston (Texas, États-Unis), est une des figures de proue de la poésie palestinienne.

Profondément engagé dans la lutte de son peuple, il n'a pour autant jamais cessé d'espérer la paix et sa renommée dépasse largement les frontières de son pays. Il est le président de l'Union des écrivains palestiniens. Il a publié plus de vingt volumes de poésie, sept livres en prose et a été rédacteur de plusieurs publications, comme Al-jadid - (الجديد - Le nouveau), Al-fajr (الفجر - L'aube), Shu'un filistiniyya (شؤون فلسطينية - Affaires palestiniennes) et Al-Karmel (الكرمل) . Il est reconnu internationalement pour sa poésie qui se concentre sur sa nostalgie de la patrie perdue. Ses œuvres lui ont valu de multiples récompenses et il a été publié dans au moins vingt-deux langues.

Dans les années 1960, Darwich a rejoint le Parti communiste d'Israël, le Rakah, mais il est plus connu pour son engagement au sein de l'Organisation de libération de la Palestine (OLP). Élu membre du comité exécutif de l'OLP en 1987, il quitte l'organisation en 1993 pour protester contre les accords d'Oslo. Après plus de trente ans de vie en exil, il peut rentrer sous conditions en Palestine, où il s'installe à Ramallah.

Mahmoud Darwich est né en 1941 à Al-Birwah, en Galilée, à 9 kilomètres à l'Est de Saint-Jean-d'Acre en Palestine sous mandat britannique, aujourd'hui Israël. Il est le deuxième enfant d'une famille musulmane sunnite de propriétaires terriens, avec quatre frères et trois sœurs. Après l'établissement d'Israël en 1948, le village fut rasé entièrement et la famille Darwich s'enfuit au Liban, où elle resta un an, avant de rentrer clandestinement en Palestine où elle découvre que leur village a été remplacé par un nouveau village juif. La famille s'installe alors à Dair Al-Assad.

Darwish a commencé ses études primaires à Dair Al-Assad, tout en vivant sous la menace constante d'être découvert et exilé par la police israélienne. Plus tard, il finit ses études secondaires à Kufur Yasif, deux kilomètres au Nord de Jdeideh. Enfin, il part pour Haïfa. Son premier recueil de poésie fut publié quand il avait dix-neuf ans (Asafir bila ajniha, Oiseaux sans ailes, 1960). En 1964, il sera reconnu internationalement comme une voix de la résistance palestinienne grâce à Awraq Al-zaytun (Feuilles d'olives). Ce recueil deviendra très populaire notamment avec le poème Carte d'Identité.

À la fin de ses études, Mahmoud Darwich commence à publier des poèmes et des articles dans des journaux et magazines comme Al-Itihad et Al-Jadid, pour lequel il deviendra plus tard rédacteur. En 1961, il rejoint secrètement le Parti communiste d'Israël, le Maki, et commence à travailler comme rédacteur adjoint de Al-fajr.

Il sera plusieurs fois arrêté et emprisonné pour ses écrits et activités politiques entre 1961 et 1967. Pendant cette période, Darwich rêve de révolution et chante la patrie, la défense de l'identité niée des siens et la solidarité internationaliste. Le poème Identité (Inscris : Je suis arabe), le plus célèbre de son recueil Rameaux d'olivier publié en 1964, dépassent rapidement les frontières palestiniennes pour devenir un hymne chanté dans tout le monde arabe.

En 1970, assigné à résidence à Haïfa à la suite de la publication d'articles politiques jugés trop virulents par la justice en Israël, il demande un visa d'étudiant pour quitter le pays. Il se rend à Moscou. Il y étudie l'économie politique. Il disparaît en 1971. On le retrouve quelques temps plus tard au Caire, où il travaille pour le quotidien Al-Ahram. Puis il part s'installer à Beyrouth, en 1973, il dirige le mensuel Shu'un Filistiniyya (Les affaires palestiniennes) et travaille comme rédacteur en chef au Centre de Recherche Palestinien de l'OLP et rejoint l'organisation. En 1981, il crée et devient rédacteur en chef du journal littéraire Al-Karmel.

Pendant l'été 1982, Beyrouth est l'objet de bombardements du 13 juin au 12 août, l'armée israélienne cherchant à faire fuir l'OLP de la ville. Darwich relatera la résistance palestinienne au siège israélien dans Qasidat Bayrut (1982) et Madih al-xill al'ali (1983). Le poète repart en exil, au Caire, à Tunis puis à Paris. En 1987, il est élu au comité exécutif de l'OLP.

Un an plus tard, en 1988, un de ses poèmes, En traversant les mots passants, est discuté à la Knesset ; il est accusé de souhaiter voir partir les Juifs d'Israël. Mahmoud Darwich s'en défendra en expliquant qu'il voulait dire qu'ils devaient partir de la Bande de Gaza et de Cisjordanie. Le poète écrivit :

« Alors quittez notre Terre
Nos rivages, notre mer
Notre blé, notre sel, notre blessure. »

Membre du comité exécutif de l'OLP, président de l'Union des écrivains palestiniens, Mahmoud Darwich est le fondateur et le directeur de l'une des principales revues littéraires arabes, Al-Karmel, qui a cessé de paraître en 1993. La même année, après les accords d'Oslo, Mahmoud Darwish quitte l'OLP, protestant contre l'attitude conciliante de l'Organisation dans les négociations et préférant une paix mais une paix juste.

Il continue à être rédacteur en chef du magazine Al-Karmel, et vit à Paris avant de retourner en Palestine en 1995, ayant reçu un visa pour voir sa mère. Il eut ainsi la permission de retourner en Palestine pour les funérailles de son ami l'écrivain Emile Habibi et de visiter la ville où il a vécu mais pour quelques jours seulement. Il reçoit une autorisation de séjour des autorités israéliennes et s'installe dans une ville de Cisjordanie, Ramallah, ville où Yasser Arafat avait ses quartiers. La ville deviendra un champ de bataille en 2002.

En mars 2000, Yossi Sarid, ministre israélien de l'Éducation, proposa que certains des poèmes de Mahmoud Darwish soient inclus dans les programmes scolaires israéliens. Mais le premier ministre Ehud Barak refusa, « Israël n'est pas prêt. »

Il est décédé le 9 août 2008 aux États-Unis dans un hôpital de Houston1, où il avait subi une intervention chirurgicale et se trouvait dans un état critique suite à des complications liées à l'opération. Il avait déjà subi deux opérations du cœur en 1984 et 1998.

Après avoir reçu les honneurs à Amman en Jordanie où sa dépouille était arrivée des États-Unis, il a eu des obsèques nationales à Ramallah en présence de nombreux dignitaires palestiniens dont le président de l'autorité palestinienne Mahmoud Abbas. Il est enterré dans un lopin de terre près du palais de la Culture de Ramallah.

L'œuvre de Darwich, essentiellement poétique, est une véritable défense et illustration d'une terre, d'un peuple, d'une culture en même temps qu'une entreprise hardie de genèse littéraire. Elle est hantée d'un bout à l'autre par une seule idée, une seule référence, un seul corps : la Palestine. La solitude et le désarroi de l'exil exprimés côtoient l'acceptation noble et courageuse où le désespoir profond devient générateur de création, porteur d'une charge poétique intense.

L'œuvre en prose de Darwich comprend un récit, Une mémoire pour l'oubli, qui restitue un jour de la vie d'un homme, le poète lui-même, pendant le siège de Beyrouth en 1982 par les troupes israéliennes.

Beaucoup des poèmes de Mahmoud Darwich ont été interprétés par des chanteurs tels que Marcel Khalifé, Magida El Roumi, et Ahmed Qa'abour.
En 1984, Marcel Khalifé compose et dirige Ahmad al Arabi, un opéra poétique écrit par Mahmoud Darwich. Les chanteurs sont Marcel Khalifé et Oumayma el-Khalil, les chœurs sont assurés par l'ensemble al-Mayadine.
Un disque a été enregistré au Pass Studios, à Beyrouth (Liban) et est disponible dans tous les magasins en France.
Le livret traduit de l’arabe (Palestine) par Etel Adnan peut-être consulté ici.
En 1996, 1999 et 2003, le célèbre musicien Marcel Khalifé a été trainé en justice pour blasphème et insulte aux valeurs religieuses, à cause d'une chanson intitulée Je suis Joseph, oh père, qui a été écrit par Darwish et citait un verset du Coran. Dans ce poème, Darwich partageait la peine de Joseph, rejeté voir haï par ses frères car trop honnête et bon. "Oh mon père, Je suis Joseph, et mes frères ni ne m'aiment ni ne me veulent parmi les leurs." Mais certains chefs religieux prennent sa défense comme Youssef al Qaradawi ce qui calma les tensions.
Le Trio Joubran ont accompagné à plusieurs reprises au son du Oud des récitals de Mahmoud Darwish, dont le tout dernier à Arles en juillet 2008. En 2002, la chanteuse comédienne Dominique Devals et la Mini Compagnie Laccarrière ont mis en musique "Onze astres sur l'épilogue andalou" (suite de onze poèmes évoquant le départ des Arabes de l'Andalousie), traduits en français par Elias Sanbar aux éditions Actes Sud. La musique est signée par Philippe Laccarrière, contrebassiste de Jazz, et l'œuvre a été enregistrée en 2006 sur CD. Les mêmes ont également mis en musique, cette fois pour un big band de Jazz "le dernier discours de l'homme rouge", poème en hommage aux Indiens d'Amérique, interprété pour la première fois en présence de Mahmoud Darwich en novembre 2006 à l'Unesco.

*

RITA (poème de Mahmoud Darwich chanté et mis en musique par Marcel Khalifa)

Marcel Khalife : rita et le fusil

Entre Rita et mes yeux : un fusil
Et celui qui connaît Rita se prosterne
Adresse une prière
A la divinité qui rayonne dans ses yeux de miel

Moi, j’ai embrassé Rita
Quand elle était petite
Je me rappelle comment elle se colla contre moi
Et de sa plus belle tresse couvrit mon bras
Je me rappelle Rita
Ainsi qu’un moineau se rappelle son étang
Ah Rita
Entre nous, mille oiseaux mille images
D’innombrables rendez-vous
Criblés de balles.

Le nom de Rita prenait dans ma bouche un goût de fête
Dans mon sang le corps de Rita était célébration de noces
Deux ans durant, elle a dormi sur mon bras
Nous prêtâmes serment autour du plus beau calice
Et nous brulâmes
Dans le vin des lèvres
Et ressuscitâmes

Ah Rita
Qu’est-ce qui a pu éloigner mes yeux des tiens
Hormis le sommeil
Et les nuages de miel
Avant que ce fusil ne s’interpose entre nous

Il était une fois
Ô silence du crépuscule
Au matin, ma lune a émigré, loin
Dans les yeux couleur de miel
La ville
A balayé tous les aèdes, et Rita
Entre Rita et mes yeux, un fusil.

>> Mahmoud Darwich - textes

Le théâtre comme la peste est une crise (Antonin Artaud)

2011-06-28T14:44:00.006+02:00

Le théâtre comme la peste est une crise qui se dénoue par la mort ou la guérison. Et la peste est un mal supérieur parce qu'elle est une crise complète après laquelle il ne reste rien que la mort ou qu'une extrême purification. De même le théâtre est un mal parce qu'il est l'équilibre suprême qui ne s'acquiert pas sans destruction. Il invite l'esprit à un délire qui exalte les énergies; et l'on peut voir pour finir que du point de vue humain, l'action du théâtre comme celle de la peste, est bienfaisante, car poussant les hommes à se voir tels qu'ils sont, elle fait tomber le masque, elle découvre le mensonge, la veulerie, la bassesse, la tartuferie; elle secoue l'inertie asphyxiante de la matière qui gagne jusqu'aux données les plus claires des sens; et révélant à des collectivités leur puissance sombre, leur force cachée, elle les invite à prendre en face du destin une attitude héroïque et supérieure qu'elles n'auraient jamais eue sans cela.

LE THEATRE ET SON DOUBLE, 1938
"Le théâtre et la peste", 1933

Un chant d'amour (Jean Genet)

2011-06-25T12:44:00.002+02:00

Un Chant d'Amour is French writer Jean Genet's only film, which he directed in 1950. Because of its explicit (though artistically presented) homosexual content, the 26-minute movie was long banned and was also disowned by Genet later in his life.

The plot is set in a French prison, where a prison guard takes voyeuristic pleasure in observing the prisoners perform masturbatory sexual acts. In two adjacent cells, there are an older Algerian-looking man and a handsome convict in his twenties. The older man is in love with the younger one, rubbing himself against the wall and sharing his cigarette smoke with his beloved through a straw.

The prison guard, apparently jealous of the prisoner's relationship, enters the older convict's cell, beats him, and makes him suck on his gun in an unmistakably sexual fashion. But the inmate drifts off into a fantasy where he and his object of desire roam the countryside. In the final scene it becomes clear that the guard's power is no match for the intensity of attraction between the prisoners, even though their relationship is not consummated.

Genet does not use sound in his film, forcing the viewer to completely focus on closeups of faces, armpits, and semi-erect penises. Originally produced as a porn movie of sorts, the film with its highly sexualized atmosphere has later been recognized as a formative factor for works such as the films by Andy Warhol.

>> Un chant d'amour sur UBUWEB

wikipedia

calavera

2011-06-25T12:16:00.000+02:00

Univers Zero

2011-06-22T10:41:00.004+02:00

"heatwave" 1986

Univers Zéro est un groupe de jazz-rock progressif belge, fondé en 1974 par Daniel Denis et Claude Deron.
Créé comme un groupe de jazz-rock, Univers Zéro évolue bientôt, avec l'introduction d'instruments comme le clavecin ou le basson, vers un son original, beaucoup plus sombre, proche de celui de groupes comme Art Zoyd. Parfois considérés comme les fondateurs du chamber rock (« rock de chambre »), la musique d'Univers Zéro est également rattachée au courant zeuhl dominé par Magma.

With a musical vision that is at the same time dark and ominous, yet stylish and sophisticated, UNIVERS ZERO are one of the most unique and influential bands ever to be associated with progressive rock, and the undisputed creators of the genre known as 'chamber rock'. Getting their inspiration from such diverse sources as rock, jazz, European folk and classical music (both ancient and modern), they have forged a distinctive sound that has received widespread critical acclaim, as well as influencing a vast number of contemporary avant-garde bands and ensembles.

Hailing from Belgium, the band was formed in 1973 by drummer Daniel DENIS and trumpeter Claude Deron, with the original name of Necronomicon - though this was changed to UNIVERS ZERO (after a book by Belgian novelist Jacques Sternberg) in 1974. At the time, their music was strongly influenced by electric jazz, though this changed when Michel Berckmans (reeds) joined the band. Their self-titled debut album (also known as "1313"), composed by DENIS and guitarist Roger Trigaux, was released in 1977 as a limited edition, and soon afterwards reissued by Atem, a label specialized in avant-garde music. The following year, UNIVERS ZERO joined four other groups from different countries (HENRY COW, STORMY SIX, ETRON FOU LELOUBLAN and SAMLA MAMMAS MANNA) to set up the movement known as "Rock in Opposition" (RIO).

Shortly after the release of their second album, "Heresie" (1979), Trigaux left UNIVERS ZERO to form his own band, PRESENT. Then keyboardist Andy Kirk joined the band, and began to contribute his own compositions. The new line-up soon embarked on a tour of France, Yugoslavia, Switzerland and the Netherlands. After the recording of their third album, "Ceux du Dehors" (1981), which featured only a portion of the material the band had composed in that period of time, UNIVERS ZERO ground to a temporary halt because of financial problems, and only resumed their touring activity after several months, with a revamped line-up (including Dirk Descheemaeker on clarinet, and Alan Ward on violin). Their heavy touring schedule in 1981-82, as well as other stresses, led to Kirk's leaving the band in 1983, and yet another line-up change, with Jean-Luc Plouvier (keyboards) and André Mergenthaler (cello) joining, as well as the return of bassist Christian Genet. This version of UNIVERS ZERO played concerts in France, Germany and Belgium, prior to the release of their fifth studio album, "UZED" (1984), considered by many as their masterpiece.

After that, more line-up changes occurred, with Mergenthaler leaving to join French outfit ART ZOYD, and former members Andy Kirk and Patrick Hanappier (violin) returning to the fold, together with a new guitarist, Michel Delory. UNIVERS ZERO; now a seven-piece, participated in a number of prestigious events in 1985 and 1986 (notably the Frankfurt Jazz Festival), performing DENIS' newest compositions, as well as several unrecorded material written by Kirk in 1981-83. In the summer of 1986, this line-up went into the studio to record the band's sixth album, "Heatwave", released in the early months of the following year by US-based label Cuneiform Records. However, in spite of the positive feedback received by the disc, DENIS had already decided to dissolve the band, frustrated by the minimal sales and the lack of opportunities for live performances. The two final line-ups of UNIVERS ZERO's early years are documented by the live album "Relaps", released by Cuneiform in 2009.

After the band's demise, Daniel DENIS worked as a solo artist, releasing two albums of new compositions, "Sirius and the Ghost" (1991) and "Les Eaux Troubles" (1993) on the Cuneiform label, which also began to reissue UNIVERS ZERO's entire back catalogue. He also joined ART ZOYD for a period of seven years. However, the worldwide success of those reissues convinced DENIS to resurrect the band, both as a live and a recording project, at the end of the 1990s. At first UNIVERS ZERO got back together to play a one-off concert at the Festival des Musiques Actuelles at Victoriaville (Canada) in 1997 - with a line-up that included Andy Kirk and Guy Segers. Then, the following year, DENIS and Michel Berckmans reunited, and, with the help of a number of guest musicians (including some former band members), produced four studio albums: "The Hard Quest" (1999), "Rhythmix" (2002), "Implosion" (2004), and "Clivages" (2009), all released on Cuneiform - as well as a live album, "Live!" (2006), and the above-mentioned "Relaps", featuring previously-unreleased archival material.

Raffaella Berry (Raff) - March 2010

>> source: article sur Progarchives

Univers Zero - myspace

Univers Zero - BigBangMag

Lobi Traoré

2011-06-21T11:28:00.001+02:00

Bourama Traoré, dit Lobi Traoré est un musicien chanteur de blues malien, né en 1961 à Bakaridianna (Mali, à 20 km de Ségou), et décédé 1er juin 2010, à Bamako. Sa musique est qualifiée de « blues Bambara ».

Appartenant à l’ethnie Bambara, Lobi Traoré adhère à l’adolescence au Komo, société secrète traditionnelle.

Âgé de 16 ans, Lobi Traoré entre dans un orchestre folklorique en tant que chanteur du répertoire bambara, d’abord à Ségou puis à Bamako. Il intègre ensuite le Djata Band, un orchestre créé par Zani Diabaté avant de commencer dans les années 1980 une carrière solo qui l’emmène en tournée en Afrique, en Europe et au Canada.

Lobi Traoré a su lier des instruments traditionnels (la kora, le djembé, la calebasse et le n’goni) à la guitare électrique.

Lobi Traoré a joué avec l’harmoniciste français Vincent Bucher.

>> Lobi Traoré, le précurseur du « bamanan blues » n’est plus

ELIZIR D'AMOR (Tristan Corbière)

2011-06-21T11:05:00.008+02:00

ELIZIR D'AMOR

Tu ne me veux pas en rêve,
Tu m'auras en cauchemar !
T'écorchant au vif, sans trêve,
- Pour moi... pour l'amour de l'art.

- Ouvre: je passerai vite,
Les nuits sont courtes, l'été...
Mais ma musique est maudite,
Maudite en l'éternité !

J'assourdirai les recluses,
Ereintant à coups de pieux,
Les Neuf et les autres Muses...
Et qui n'en iront que mieux !...

Répéterai tous mes rôles
Borgnes - et d'aveugles aussi...
D'ordinaire tous ces drôles
Ont assez bon oeil ici:

- A genoux, haut Cavalier,
A pied, traînant ma rapière,
Je baise dans la poussière
Les traces de Ton soulier !

- Je viens, Pélerin austère,
Capucin et Troubadour,
Dire mon bout de rosaire
Sur la viole d'amour.

- Bachelier de Salamanque,
Le plus simple et le dernier...
Ce fonds jamais ne me manque:
- Tout voeux ! et pas un denier ! -

- Retapeur de casseroles,
Sale Gitan vagabond,
Je claque des castagnoles
Et chatouille le jambon...

- Pas-de-loup, loup sur la face,
Moi chien-loup maraudeur,
J'erre en offrant de ma race:
- Pur-Don-Juan-du-Commandeur. -

Maîtresse peut me connaître,
Chien parmi les chiens perdus:
Abeilard n'est pas mon maître,
Alcibiade non plus !

Les Amours Jaunes - Projet Gutenberg

Biographie

James Ensor et ses eaux fortes

2011-06-16T10:59:00.006+02:00

Bien qu'il fût membre du célèbre mouvement belge d'Octave Maus, le "Groupe des XX", et plus tard de celui de la "Libre Esthétique", James Ensor (1860 - 1949 ) demeurait un artiste fort singulier.

Marquées par les thèmes obsessionels de la mort et du désir, ses eaux-fortes tiraient bien leur substance des grands genres grotesques de l'art flamand ancien, tout en ouvrant la voie vers des manifestations avant-gardistes ultérieures, tels l'expressionisme et le surréalisme.

*

L’eau-forte est un procédé de gravure en creux ou taille-douce sur une plaque métallique à l'aide d'un mordant chimique (un acide). L’artiste utilisant l’eau-forte est appelé aquafortiste.

A l'origine, l'eau-forte était le nom donné à l'acide nitrique. « Cette appellation elle-même est celle de l’acide nitrique étendu d’eau : l’aqua-fortis des anciens alchimistes.» Aujourd’hui, l’acide nitrique est remplacée par des mordants moins toxiques, tels le perchlorure de fer.

L'eau-forte est un procédé de taille indirect (par morsure du métal par une acide), par opposition à ceux obtenus par taille directe (à l'aide d'outils tels burin ou pointe sèche). « En un sens général, l’eau-forte, qui est à la fois le procédé, la gravure sur métal et l’estampe obtenue par cette gravure, s’oppose aux autres procédés de taille-douce (ou gravure en creux), exécutés aux outils (burin, pointe sèche, manière noire).»

Parmi les différentes procédés d'eaux-fortes, on trouve l’aquatinte, la gravure au lavis ou la manière de crayon. Toutes désignent une technique de gravure où l’image est creusée sur une plaque de métal à l’aide d’un acide. Elles diffèrent en revanche par les outils ou vernis à graver utilisés.

Le principe est simple : sur la plaque de métal préalablement recouverte d’un vernis à graver, l'artiste dessine son motif à la pointe métallique. La plaque est ensuite placée dans un bain d’acide qui "mord" les zones à découvert et laisse intactes les parties protégées. Après nettoyage du vernis, la plaque est encrée et mise sous presse.

L'eau forte (sans trait d'union) désigne une technique de peinture à la chaux

Mamadou Diabate

2011-06-13T11:44:00.003+02:00

Mamadou Diabate Ensemble:
Baye Kouyate (calabash and talking drum), Noah Jarrett (acoustics bass), Mamadou Diabate (composer, arranger and kora), Balia Kouyate (balafon), Djikorya Mory Kante (guitar)

Malian kora musician, Mamadou Diabate is a member of the Mandinka West African jeli (musician caste) family. His musical lineage goes back seven centuries to the time of Sunjata Keita, the conqueror of the Malian empire.

>> http://www.mamadoukora.com/

L'histoire du porno américain :)

2011-06-13T11:33:00.002+02:00

>> L'histoire du porno américain

Splendeur et misère du monde du porno, Metropolis vous propose une petite histoire de l’Amérique d’avant le viagra. Ce sont tous les prémices d’une industrie à venir qui sont compilés dans un énorme volume publié chez Allia: The Other Hollywood : l’histoire du porno américain par ceux qui l’ont fait de Legs McNeil et Jennifer Osborne.
Cette histoire est aussi celle de la relation obsessionnelle d’amour/haine entre l’Amérique et le sexe.

Un sujet de Simon Dronet

Susana BACA, "l'âme noire de la chanson Afro-Péruvienne"

2011-06-10T16:11:00.009+02:00

“L’Ame du Pérou Noir", l’ambassadrice de la musique afro-peruvienne dans le monde, continue son exploration musicale et son projet de modernisation du patrimoine des descendants d’esclaves africains au Pérou et dans toute l’Amérique latine. Le dernier album de Susana Baca - publié par le label de David Byrne, Luaka Bop - est empreint de fusions qui témoignent de l’ouverture d’esprit de cette artiste. On y retrouve le rap portoricain de Calle 13, de la soul music nord-américaine, de la cumbia colombienne, de puissantes percussions vénézuéliennes, une valse mexicaine et même une chanson de forró, un style qui jusqu’ici n’avait que rarement dépassé les frontières du Brésil. Une véritable célébration de la présence africaine en Amérique.

Susana Baca est née dans la banlieue de Lima, dans un quartier peuplé par des descendants d’esclaves noirs, au beau milieu d’une grande famille de musiciens. Elle n’est pas seulement une brillante chanteuse mais elle est également une chercheuse qui - en compagnie de son mari sociologue - a parcouru les 600 kilomètres de la côte péruvienne (où vivent de nombreux habitants d’origine africaine) pour donner naissance à un disque / livre appelé “Del fuego y del agua” et publié en 1992. Elle compte à ce jour plus d’une dizaine d’albums à son actif et fut récompensée par un Grammy Award.
Avec son mari, le musicologue péruvien Ricardo Pereira, elle collecte les musiques et les chants afro-péruvien et fonde l'Institut Negrocontinuo en 1992.

Von Magnet (Electroflamenco)

2011-06-10T15:17:00.006+02:00

Issu du mouvement post industriel, produit par le légendaire Ken Thomas, le groupe fait ses débuts dans le réseau underground britanique “post industriel” (Test Dept, Psychic TV, Bourbonese Qualk, Greater Than One, SPK…) tout en s'intéressant paradoxalement aux diverses formes rythmiques et expressionnistes du Flamenco. Dès 1987 une synthèse étrange s'opère : machines et sampleurs dialoguent alors avec zapateados (percussions de pieds), danses & guitares flamencas. C'est l'apparition d'un style qu'ils inventent et signent "Electroflamenco".

De 1990 à 1995, en tournée en Europe avec plusieurs spectacles, le groupe devient une troupe cosmopolite, pluridisciplinaire (musiciens, acteurs, plasticiens, acrobates) & itinérante réunie autour d'un noyau humain "cybergitan". Commandité par les Transmusicales (1990/1992) pour la création de "Computador", Von Magnet s'installe en résidences successives à Barcelone, Rennes, Amsterdam & Paris. Ce spectacle à la scénographie mutante envahira des espaces désaffectés (abattoir, église, usines, entrepôts, hôpital) et sera comparé alors aux performances de Royal De Luxe ou de La Fura Dels Baus.

En 1995, Von Magnet collabore avec les 18 danseurs classiques du Komische Oper de Berlin à la construction du ballet "Nuevas Cruzes".

Depuis et jusqu'à ce jour, bousculant les circuits rock, cabaret, gothiques ou même électro, au gré de formules de concerts/performances plus légères toujours fusionnant transes électro-ethniques, actions sonores et théâtrales, impact visuel & expression poétique, le groupe - régulièrement en tournée (France, Allemagne, Belgique, Hollande, Portugal, Danemark, Suisse, Turquie, Tchéquie, Hongrie, Islande, Bosnie, Croatie...) - rayonne d'un activisme scénique passionnel hors norme. Von Magnet crée des performances extravagantes empreintes de futurisme primitif, peuplées de personnages ambigus et s'aventurant au détour d'univers très cinématographiques ("Mezclador" en 1997/1999, "El Planeta" 2000/2002).

D'autres collaborations avec le monde de la danse contemporaine (Ballet Kiel pour le ballet "Guten Morgen Du Schöne" en Allemagne) ou le théâtre de rue ("Deadline Now" avec la compagnie Persona au Portugal, "1+1+1+1= 1" en Turquie) emmèneront le groupe à servir des projets évènementiels de grande envergure.

Après le très flamenco "De L'Aimant" en 2005, Von Magnet déroute à nouveau en 2007/8 avec "Ni Prédateur Ni Proie", un nouvel album accompagné d'une performance radicale, inspirée par la confrontation brutale & magnétique entre 2 mondes contemporains, nord/sud - oriental/occidental...

En 2009 grâce à une toute nouvelle formation, Von Magnet crée en résidence au théâtre de Vanves le nouveau spectacle concert "Polarized" innauguré au festival Riddim Collision de Lyon et au Festival Fade In de Leiria (Portugal).

Au côté de Tit’o (membre de Picore, guitariste de Oddatee ), Def (collaborateur de Balkan Beat Box et Diamanda Galas), Lisa May (danseuse de Jan Fabre), Hugues Villette et Séverine Krouch (le duo électronica « 2 Kilos and More ») et l’éclairagiste Nicolas Priouzeau, Flore Magnet et Phil Von fêtent en 2011 les 25 ans de Von Magnet.

source: http://www.myspace.com/vonmagnet

Performance ... Polarized (2009/2010)

Flore Magnet : stage direction, vocals, acting
Phil Von : feet percussions, music, vocals
Def : drums, percussions, electronics, keyboards
Tit'o : guitars, bass
Hugues Villette : drums, percussions
Lisa May: contemporary dance, video
Séverine Krouch : sound
Nicolas Priouzeau : lights

...VON MAGNET LIVE - "POLARIZED"

...le FIL, St-Étienne. In residence 13th to the 17th June + 18th June, 2011 LIVE CONCERT
...Musée d'Art Moderne de Saint Etienne. 21st June, 2011
...at.tension, Theaterfestival. Flugplatz Lärz. 11th September, 2011

Granmoun Lélé

2011-06-10T14:17:00.003+02:00

GranMoun lélé - ah soléyé par dino974

Granmoun Lélé fait du maloya comme on respire. C’est dans sa case de Bras-Fusil qu’il a composé l’essentiel de son répertoire, plus de deux cents chansons qui parlent de sa quotidienneté, de ses rêves, s'inspirant pour ses rythmes de son environnement naturel comme I’océan «le petit désordre de la mer, pour moi, la forme comme une musique». Le maloya du clan Lélé est comme un zambrokal réussi, ce plat créole à base de riz, viande fumée, grains secs ou verts, épices, dans lequel chaque élément s'imprègne des autres tout en gardant une certaine particularité. On le sent dans le second disque, qui, après l'album Namouniman déjà plein de saveurs, met la barre encore plus haut.
C’est que depuis le début des années quatre-vingt, le maloya sous ses différentes acceptions a connu un large écho à la Réunion comme à l'extérieur. Granmoun Lélé, arrivé tardivement dans l’arène internationale, aurait pu s’en tenir au statut d'ancien, mais c’est lui qui s’est révélé un des meilleurs dynamisateurs du patrimoine. En entendant ses arrangements vocaux, les colorisations inédites qu’il apporte au travail percussif de son big band par l'adjonction de nouveaux instruments (djembé, apungalachi, sati, cloches…), on touche une plénitude sonore.

Julien Philéas est né un 28 février 1930 à Saint-Benoît, côte est de l'île de la Réunion. Parce qu'à l'heure du goûter sa mère criait toujours "Julien, lé lait!", il acquiert le surnom de "Lélé". Père malabar-cafre, mère bata-malgache, quatre frères et quatre soeurs, il suit le chemin paternel chez "létablisseman". Beaufonds, terres et fabrique de sucre, y devient journalier, puis ouvrier-ajusteur, "patron cuiseur", jusqu'à la retraite "à 56 ans, 3 mois et des médailles". Le milieu rude des travailleurs de la canne est marqué par la paie du samedi. Celle qui permet d'acheter du rhum et de faire la fête rythmée jusqu'à l'aube par les instruments du cru. C'est dans ces "kabarés" (1), interdit à "la marmaille", qu'après l'adolescence il commence à chanter, inspiré par son oncle, Arsène Madia. Virus de la musique oblige, il va même jusqu'à acheter un accordéon, "de Lyon, pesant 19 kilos". Et avec son ami Tonga Lafa, il rencontre au fil des assemblées une évidente notoriété. C'est que son maloya "foutan", ses compositions, le propulsent bien au delà des frontières de Saint-Benoît (2). Au point que, le 23 décembre 1977, il déclare à la préfecture sa propre troupe, sorte de conservatoire familial, dans laquelle vont évoluer à tour de rôle ses treize enfants (huit en font toujours partie). Et qu'il enregistre quatre titres sur un 45 tours, vinyle qui sera un des premiers du genre avec celui du Saint-Pierrois Firmin Viry.
Pour situer le maloya dans la culture réunionnaise il faut rappeler que l'île, (2512 km2, près de 600.000 habitants aujourd'hui) inhabitée il y a 350 ans est devenue au fil des siècles un cocktail de métissages, une étonnante imbrication de groupes ethniques disparates qui s'interpénètrent culturellement. Aujourd'hui ils sont 180.000 métisses descendants d'Africains, Européens, Indiens, travailleurs agricoles ou petits propriétaires terriens; 120.000 Malabars ou Tamouls ("Malbars" en créole) issus de l'Inde du Sud, ouvriers dans les usines sucrières ou fonctionnaires; 100.000 Blancs nés au pays, repérables en deux groupes, les Gros Blancs ("Gro-Blan") formant les familles possédantes et les Petits Blancs ("Ti-Blan") vivant chichement de l'agriculture ou employés; 40.000 Cafres ("Kaf") descendants des esclaves venus de Madagascar puis de la côte africaine; 15.000 Chinois de Canton ayant le quasi monopole du commerce d'alimentation; 10.000 Indiens musulmans du Gujerat ("Zarab") dominant le commerce du textile et de l'électro-ménager; sans parler des 10.000 Français métropolitains (les fameux "Zorey"). A part les "Zarab" de stricte obédience islamique, la population réunionnaise est catholique. Or, si la plupart des "Malbars" sont pratiquants, ils continuent néanmoins d'observer des rituels tamouls. La religion tamoule, variante de l'hindouisme, persistant sous forme de marches sur le feu, sacrifices d'animaux, abstinences, magies. Les "Cafres" pour leur part observent des rituels d'origine malgache ou africaine appelés services ("sevis malgas" ou "sevis kabars").
Il y a donc une interculture: perte de repères, importants carrefours de filiation et notion du métissage qui se plie à une foule d'interprétations. Il faut aussi se souvenir que la valorisation initiale de l'ex-île Bourbon fut obtenue, du milieu du 17ème siècle jusqu'à l'abolition de la traite en 1830, grâce à la main-d'œuvre esclavagiste. Et ce fait historique, fut-il occulté, est central dans l'inconscient collectif réunionnais.
La société de plantation a engendré une réalité sociale duelle que l'on retrouve dans la musique. Ainsi le séga actuel est-il un hybride de séga primitif et de quadrille des colons blancs du 18ème siècle. D'autres musiques ont accompagné des flux migratoires contemporains, quand le maloya, lui, s'enracinait de façon oedipienne dans la culture des esclaves et des nègres "marrons", ces noirs révoltés qui s'échappaient et se réfugiaient vers les hauteurs volcaniques de l'île (3). Une fracture qui permet d'expliquer la reconnaissance tardive d'un maloya qui fut longtemps cantonné dans des quartiers populaires établis justement sur les aires où se développa la culture de plantation.
Vers 1848, date de l'abolition de l'esclavage, 58.000 esclaves, soit 60% de la population de l'île sont libérés. Mais leur réalité, leur culture sera niée. Aussi bien par les descendants des "nouveaux libres" qui préfèrent évacuer cette part maudite d'histoire dans un souci post-abolitionniste que par les "élites" locales qui jugent obscurantiste toute référence à ce passé douloureux. La départementalisation française de 1946 va conforter le phénomène. Entraînant une vision jacobine de la culture marquée au sceau de l'assimilation dont l'effet sera de marginaliser davantage la culture originelle. Pour preuve, les avatars de la langue créole. Durant longtemps celle-ci est présentée, au pis comme une originalité doudouiste, au mieux comme un patois rural. Et ce n'est que par étapes et sous l'impulsion politique d'intellectuels qu'elle obtiendra statut et droit de cité. L'article fondateur de la revendication linguistique dans la revue d'étudiants créoles, "Le Rideau de Cannes", date de 1961. La première graphie phonologique et le premier poème consciemment kréol de Jean-Claude Legros sont publiés l'année suivante. La parution de 1969 à 1976 du "Lexique illustré de la langue créole" dans le quotidien "Témoignages" à l'instigation de Boris Gamaleya constitue une avancée décisive tout comme les travaux ultérieurs de "Lortograf 77" (graphie phonologique commune), de la revue "Sobatkoz", de Ginette Ramassamy (syntaxe du créole), ou les parutions de dictionnaires Kréol-Français. S'il est important de rappeler ce difficile cheminement de la revendication linguistique - un inspecteur du primaire ne déclarait-il pas encore en 1970 : "il faut fusiller le créole" - c'est que le maloya, danse des Câfres qu'il était, a toujours été par essence au coeur de cette quête identitaire linguistique, mais aussi économique et sociale (4). Point de hasard donc si, de 1956 à 1962, le maloya est prohibé par le gouvernorat de Perreau-Pradier, ce qui lui impose une quasi clandestinité justement chez les coupeurs de canne ou les laissés-pour-compte des "hauts". Si bien que, bien avant que la bataille pour la graphie créole ne prenne corps, "la musique des ancêtres" se révélait être le véhicule privilégié du non-dit anthropologique réunionnais.
L'histoire politique de l'île le vérifiera. Le P.C.R (Parti Communiste Réunionnais) au mitan des années soixante-dix popularise le maloya dans les fêtes de son journal "Témoignages" conformément à sa bataille en faveur de l'autonomie. Les premiers disques de Firmin Viry et de Granmoun Lélé sont d'ailleurs produits à son instigation. Une période durant laquelle les musiciens de maloya sont transportés dans des camions bâchés vers les lieux de concerts comme des personnalités sulfureuses!
Mais la force du maloya dépasse largement les luttes politiques en faveur d'un statut renouvelé de l'île. Comme le dit Julien Philéas: "d'un côté kèr gros, de l'autre kèr joyeux; après il faut mettre sur la balance. Quand nous pense zancêtres comment lété, nou lé kér gros; mais nou kèr lé joyeux quand nou pense zot la gagne la liberté". L'esprit du maloya est bien dans cet entre deux de nostalgie et d'espoir, de blues et de colère, d'humanité volée et de bonheur possible. Ses mots, sa poétique, ses mélodies en mineur, ne renvoient pas seulement au temps des esclaves, ils sont les pièces d'un puzzle identitaire, d'un miroir brisé (5). Ses attributs sont des voix lancinantes que soutiennent des instruments ruraux : le "rouleur" (cheval-tambour de basse que l’on chevauche, né d’un tonneau raccourci fermé d’une peau de chèvre que l'on tend au feu); le "bobre" (arc musical arrimé à une callebasse séchée); le "caïambre", boîte en tiges de fleur de canne contenant des graines que l’on agite à plat, ce mouvement donnant naissance au rythme 6-8, signature rythmique du maloya. Et encore, le "fer-blanc" (boîte de lait cabossée), les "tablas" et le "ravan" indiens, le triangle... Le maloya, enfin, est dans sa configuration originelle d'ordre rituel, ce qui permet de distinguer un maloya pilé (c'est-à-dire accessible à tous, fait pour la danse, festif, véhiculant des thèmes de la vie quotidienne) d'un maloya roulé, lié à des pratiques rituelles d'influence malgache ou tamoules, qui ne se pratique ni en scène ni en spectacles. Ce maloya intime lié aux périodes de carême - lorsque les familles invitent parents et amis à partager préparatifs, prières, offrandes aux Dieux, recueillements - est la trame de fêtes propices à l'échange de légendes, contes, sirandanes (devinettes traditionnelles), durant lesquelles parfois certains "entrent en communication avec l'autre monde" par le phénomène de la transe. Comprendre que ce maloya-là se joue à des jours et des heures précis, selon des codes plutôt secrets.
Granmoun Lélé, par ses origines, fut familiarisé très tôt aux rites malgaches et tamouls. Ainsi, le musicien est-il aussi connu dans l'île comme sculpteur-rénovateur de ces "bondiés" que les pratiquants installent dans leurs petits temples, ou de ces masques dont on se pare lors de bals malbars. Un travail très particulier qui est soumis à des règles strictes : depuis le choix des bois (uniquement du lilas, du margosier ou du camphre), jusqu'à l'abstinence de viande et de relations sexuelles pendant le travail, en passant par un carême de huit à dix jours avant la sculpture.
Granmoun Lélé fait donc du maloya comme on respire. Et c'est dans sa case de Bras-Fusil qu'il a composé l'essentiel de son répertoire, plus de deux cents chansons qui parlent de sa quotidienneté, de ses rêves, s'inspirant pour ses rythmes de son environnement naturel comme l'Océan ("le petit désordre de la mer, pour moi, la forme comme une musique"). Pour ces morceaux, il lui faut "une bonne affaire" (idée), voir "si ça rentre ou pas" et sur une construction implicite chacun des intervenants de la famille mettra "son grain de sel". Son fils Marcel Willy, -distributeur de rythmes qui joua avec Doudou N'Diaye Rose - ayant un rôle décisif dans le dialogue tradition/modernité, tant les oreilles du papa sont ouvertes à la novation, au monde de la jeunesse. Le maloya du clan Lélé est donc comme un zambrokal réussi, ce plat créole à base de riz, viande fumée, grains secs ou verts, épices, dans lequel chaque élément s'imprègne des autres tout en gardant une certaine particularité. On le sent dans ce disque qui après l'album "Namouniman" déjà plein de saveurs met la barre encore plus haut. C'est que depuis le début des années quatre-vingt, le maloya sous différentes acceptions (pur, matiné d'influences séga, jazz, reggae, rock... via les Rwa Kaff, Granmoun Baba, Firmin Viry, Danyel Waro, Ti Fock, Zizkakan, Baster) a connu un large écho à la Réunion comme à l'extérieur. L'île s'est posée la question d'une musique qui pouvait prétendre à l'universalité pour autant qu'elle était à même de se renouveler sans se renier. Granmoun Lélé, arrivé tardivement dans l'arène internationale, aurait pu s'en tenir au statut d'ancien, mais c'est lui qui s'est révélé un des meilleurs dynamisateurs du patrimoine. En entendant ses arrangements vocaux, les colorisations inédites qu'il apporte au travail percussif de son big band par l'adjonction de nouveaux instruments (djembé, apungalachi, sati, cloches... ), on touche une plénitude sonore. Le saut qualitatif du travail du clan Lélé -thèmes, syntaxe, pulsions rythmiques-, devant à l'évidence fournir des pistes de travail à bien des musiciens, jazzmen en particulier.

Frank TENAILLE

Notes :
(1) Du mot malgache kabary: assemblée, qui a donné le néologisme kabar: concert convivial, sorte de fetz noz réunionnais.
(2) Le terme maloya serait, assurent certains, d'origine malgache ("maloy aho"). Le vocable maloy voulant dire parler, dégoiser, dire ce que l'on a à dire. Le séga primitif avait beaucoup à voir avec le maloya avant que les affranchis de 1948 ne le combinent à la musique européenne. Le nom "tchega" se rapporte d'ailleurs au Mozambique à une danse très proche du fandango espagnol. Le swahili "sega" désigne l'acte de retrousser ses habits, geste typique des danseuses que l'on retrouve à l'île Maurice dans le sega ravane, à Rodrigues avec le sega tambour, aux Seychelles avec le moutia.
(3) Ultérieurement, le maloya fut adopté par la majorité des pauvres déracinés (malgaches, africains, engagés Indiens et à un degré moindre petits blancs pauvres). De même, il est patent de constater que les Malbars ont joué un rôle prépondérant dans la conservation du maloya. Les engagés indiens du XIXème siècle, l'adoptant alors que ceux qui en étaient les dépositaires, par désir d'intégration sociale, se départissaient d'une expression jugée liée à l'époque de l'esclavage.
(4) Symptomatique de cette situation, les travaux d'un groupe interdisciplinaire (sociologue, médecin, linguiste, anthropologue, etc) qui en 1989 publia un texte, "Le cache-cache d'une culture minorée et les lambeaux de l'identité perdue", qui mettait l'accent sur "un dysfonctionnement symbolique touchant les pratiques culturelles à la Réunion" allié à un questionnement identitaire non résolu.
(5) La poésie du maloya fut longtemps incomprise et jugée infantile, "décousue", par les tenants cartésianistes du francotropisme. Les poètes contemporains de l'île, Jean Albany, Boris Gamaleya, Axel Gauvin notamment ont depuis fait un sort à ces points de vue. L'univers poétique très "Facteur Cheval" de Granmoun Lélé possède à ce titre toutes les caractéristiques classiques du verbe maloya, avec ses métaphores, ses allusions, ses fantasmagories, son humour, ses emprunts linguistiques (au malgache, au swahili, à des vocables imaginaires) au point que même la famille ne comprend pas tous les mots de Lélé, parfois non transcriptibles en créole usuel.

source: http://www.label-bleu.com/artist.php?artist_id=1

L'antidote à l'apathie (par Dave Meslin)

2011-06-08T21:48:00.003+02:00

Translated into French by Elisabeth Buffard

La politique locale - les écoles, le zonage, des élections - nous touchent là où nous vivons. Alors pourquoi n'y a-t-il pas plus d'entre nous qui s'impliquent vraiment? Est-ce de l'apathie? Dave Meslin dit que non. Il identifie 7 obstacles qui nous empêchent de prendre part à nos communautés, même si nous sommes vraiment concernés.

Dave Meslin is a "professional rabble-rouser." Based in Toronto, he works to make local issues engaging and even fun to get involved in.
Multi-partisan and fiercely optimistic, Dave Meslin embraces ideas and projects that cut across traditional boundaries between grassroots politics, electoral politics and the arts community. In his work, in Toronto and globally, he attempts to weave elements of these communities together. (His business card reads "Dave Meslin: community choreographer," which feels about right.)

Some of his projects include 2006's City Idol contest, which put a sexy new face on council elections; co-editing Local Motion, a book about civic projects in Toronto; and Dandyhorse and Spacing magazines. And he's part of the Toronto folk/indie collective Hidden Cameras, using their worldwide touring to research voting practices in the cities where they play. He recently founded the Ranked Ballot Initiative of Toronto (RaBIT).

source: http://www.ted.com/talks/lang/fre_fr/dave_meslin_the_antidote_to_apathy.html
(TED-Ideas Worth Spreading. Many thanks to Nathalie Legaye)

Les Indignés de l'île de la Réunion !

2011-06-07T14:01:00.002+02:00

Les indignées de l'île de la Réunion - Rencontre... par EnQueteProd

les indignés île Réunion par EnQueteProd

>> Lien vers les Indignés de Bruxelles: http://www.indignez-vous.be/fr/espace-membres/47-auroreb/videos/video/17-les-indignees-de-lile-de-la-reunion-rencontre-a

Nina Simone

2011-06-06T20:15:00.005+02:00

Eunice Kathleen Waymon et de nom de scène Nina Simone, née le 21 février 1933 à Tryon (États-Unis) et décédée le 21 avril 2003 à Carry-le-Rouet (France), est une pianiste américaine, chanteuse, compositrice et militante pour les droits civiques et principalement associée à la musique jazz. Désirant à l'origine devenir une pianiste classique Simone a finalement joué dans des styles musicaux variés notamment le jazz, le blues, le classique, la soul, le folk, le R&B, le gospel et la pop.

Née dans une famille religieuse, la jeune Nina est très attirée par la musique mais les réalités de la pauvreté et les préjugés raciaux ont raison de ses ambitions. Son parcours musical change de direction lorsqu'elle s'est vu refuser une bourse d'étude à l'Institut Curtis. Alors qu'elle joue et chante dans un petit club de Philadelphie elle est contactée par le label Bethlehem Records pour un enregistrement et le morceau I Love you Porgy devient un grand succès en Amérique en 1958. Simone enregistre au cours de sa carrière plus de 40 albums, de ses débuts avec l'album Little Blue Girl en 1958 jusqu'en 1974 environ.

Son style original est issu de la fusion de chansons gospel et pop avec la musique classique. Après vingt ans de scène, elle s'engage dans le mouvement de défense des droits civiques et sa vie change de direction une fois de plus. La musique de Simone est très influente dans la lutte pour l'égalité des droits que mènent les Noirs à cette période aux États-Unis. Sa musique puissante est une source d'inspiration pour cette génération et continue de l'être pour celles qui suivent...

Alejandra Pizarnik

2011-06-06T18:54:00.004+02:00

AVANT

à Eva Durrell

forêt musicale

les oiseaux dessinaient dans mes yeux

de petites cages

CONTINUITÉ

Ne pas nommer les choses par leurs noms. Les choses ont des bords dentelés, une végétation lascive. Mais qui parle dans la chambre pleine d'yeux? Qui mordille d'une bouche de papier? Noms qui s'approchent, ombres avec masques. Soigne-moi du vide — dis-je. (La lumière s'aimait dans mon obscurité. Je sus qu'il n'y en avait pas quand je me surpris à dire: c'est moi). Soigne-moi — dis-je.

L'autre rive, traduite en 1983 pour les éditions Unes.

La poétesse argentine Alejandra Pizarnik est née à Buenos Aires le 29 avril 1936 au sein d’une famille d'immigrants juifs d'Europe Centrale. Après avoir passé son baccalauréat à Avellaneda, Argentine, elle est admise en 1954 à la faculté de philosophie de l'Université de Buenos Aires. Elle abandonne ce cursus pour suivre une formation littéraire avant d'intégrer la faculté de Journalisme. Finalement, afin de trouver sa vraie voie et sans avoir achevé aucune des formations qu'elle avait entreprises, elle travaille dans l'atelier de peinture de Juan Batlle Planas.

Entre 1960 et 1964, elle séjourne à Paris où elle travaille comme pigiste pour le journal Cuadernos para la liberacion de la culture. Durant cette période, elle participe à la vie littéraire parisienne, ce qui la conduit à multiplier les rencontres d'écrivains et à se lier d'amitié avec André Pieyre de Mandiargues, Octavio Paz, Julio Cortazar et Rosa Chacel. Au cours de son séjour à Paris, elle suit également des cours à la Sorbonne. Durant les années suivantes, après être rentrée en Argentine, elle publie à Buenos Aires ses ouvrages les plus importants . En 1968, elle obtient une bourse Guggenheim et fait un bref séjour à New York et à Paris. Après deux tentatives de suicide en 1970 et 1972, elle passe les cinq derniers mois de sa vie dans l'hôpital psychiatrique Pirovano de Buenos Aires. Elle se donne la mort le 25 septembre 1972, à l'âge de 36 ans.

La désobéissance civile / expérience de Milgram

2011-06-06T14:17:00.007+02:00

La désobéissance civile, quand dire non devient un devoir moral

LA SOUMISSION LIBREMENT CONSENTIE

En 1963, à l'université de Yale, Stanley Milgram organise une des premières expériences de psychologie sociale sur le concept de soumission à l'autorité. Ses conclusions sont édifiantes...Posez vous la question, en qui reconnaissez vous l'autorité ?
Cette expérience historique de psychologie sociale date de 1963 et a été mise en image dans le film " I comme Icare " avec Yves Montand. On peut aussi la retrouver dans le "petit traité de manipulation à l'usage des honnêtes gens" de Beauvois et Joule.

Tout commence par une petite annonce publiée par voie de presse :
" Laboratoire de l'université X recherche volontaires pour participer à une expérience sur la mémoire . Rémunération 50 Francs de l'heure " Lorsqu'un volontaire se présente au laboratoire, on lui explique qu'il tombe bien car un autre volontaire est déjà arrivé juste avant lui . Le laboratoire a justement besoin de deux personnes , une pour jouer le rôle du professeur et l'autre pour jouer le rôle de l'élève. Les deux volontaires font rapidement connaissance en attendant d'être convoqués par Milgram, le psychologue qui organise l'expérience. Celui ci leur explique qu'ils vont participer une expérience destinée à vérifier les effets de la punition sur l'apprentissage et la mémoire. Le rôle du professeur est simple . Il suffit de lire à l'élève une liste de 50 paires de mots du genre : Le ciel gris, Le chien jaune, Le chat vert etc...

L'élève devra mémoriser les associations de mots et ensuite répondre correctement aux questions du professeur. Si le professeur dit " le nuage ", l'élève devra répondre " noir " En cas d'erreur , le professeur devra administrer à l'élève , une punition sous la forme d'une petite décharge électrique. le voltage des décharges augmentant avec le nombre d'erreurs.
Il est procédé à un faux tirage au sort et l'on demande à la personne qui s'est présentée de jouer le rôle du professeur.

En fait , celui qui doit jouer le rôle de l'élève est un complice de Milgram car le but réel de l'expérience est d'étudier la soumission à l'autorité (soumission librement consentie chez Beauvois et Joule) et non les effets de la punition sur la mémoire. On installe donc "l'élève" sur une fausse chaise électrique mais le "professeur" n'en sait rien. Il pense que tout est réel . "L'élève" qui est un acteur spécialement choisi pour son aptitude à faire semblant de recevoir de vraies décharges électriques fait mine de s'inquiéter quand on l'attache sur la chaise et demande si les chocs électriques risquent de lui faire mal. On lui répond que la douleur sera supportable mais que c'est nécessaire pour le bon déroulement de l'expérience et l'on fait passer le professeur derrière un pupitre comportant des curseurs gradués de 25 volts en 25 Volts. Des petits panneaux sont inscrits au dessus des séries de curseurs :" choc léger ", " choc moyen ", " choc violent ", " choc extrêmement violent " , " choc dangereux " , " choc très dangereux " , " mort ! "
Milgram qui représente l'autorité scientifique en blouse blanche demande alors au professeur de commencer la lecture des associations de mots. Une fois que la liste a été mémorisée par l'élève , le professeur commence à poser les questions.

A partir d'un moment , l'élève se trompe obligatoirement car mémoriser 50 associations de mots en une seule lecture est quasiment impossible.
Milgram qui supervise l'expérience demande donc au professeur d'administrer la punition à l'élève, au départ 25 volts mais au fur et à mesure des nombreuses erreurs de l'élève, les décharges qui deviennent de plus en plus fortes commencent à faire crier l'élève de douleur.
Il veut savoir jusqu'où celui qui joue le rôle du professeur va accepter de torturer un inconnu sous prétexte qu'une autorité scientifique lui en donne l'ordre . L'élève va supplier le professeur d'arrêter l'expérience tandis que l'expérimentateur va lui ordonner de continuer . Même lorsque l'élève simulera le coma ! Milgram ordonnera d'assimiler cela à une mauvaise réponse et demandera au professeur de continuer l'expérience.
Le professeur devra faire un choix .. désobéir à l'autorité ou continuer jusqu'à la mort de l'élève. Les résultats sont effrayants ! Sur 40 personnes testées tout niveau social confondu , 67% des professeurs ont étés jusqu'à la mort de l'élève.
Le reste a abandonné l'expérience vers 300 volts quand l'élève simulait le coma !

Aucun d'eux n'a abandonné quand l'élève hurlait de douleur . Bien sur , ce n'est pas de bon cœur qu'ils ont poussés les curseurs jusqu'à la mort simulée de l'élève attaché sur la chaise électrique . Milgram le dit lui même " J'observai un homme d'affaires équilibré et sur de lui entrer dans le laboratoire le sourire aux lèvres . En l'espace de 20 minutes , il était réduit à l'état de loque parcourue de tics, au bord de la crise de nerfs . Il tirait sans cesse sur le lobe de ses oreilles et se tordait les mains. A un moment il posa sa tête sur son poing et murmura "Oh mon dieu , qu'on arrête !" Et pourtant il continua à exécuter toutes les instructions de l'expérience et obéit jusqu'à la fin." Trois semaines plus tard , quand les professeurs était convoqués pour s'expliquer sur leurs comportements sadiques , il rejetaient immanquablement la faute sur l'autorité scientifique .
Ils n'avaient fait qu'obéir aux ordres et rien de plus ! Ils n'avaient rien à se reprocher.

Phyl d'Arian
P.S. Document Original. Copyright © 2002 vulgum.org. Vous pouvez redistribuer et/ou modifier ce document selon les termes de la GNU/Free

Le lien d'origine http://vulgum.org/libre/imprimer.php3?id_article=304

Ma conclusion serait que cette série d'expériences met bien en lumière la complexité des motivations responsables de nos comportements, la "soumission librement consentie" est un de ceux que je trouve le plus troublant d'origine purement sociologique puisqu'il fait référence, dans cette expérience, à une figure autoritaire désigné par des attributs de pouvoir (au sens large).
Milgram poursuit ses expériences éliminant une par une, grâce à des variantes expérimentales, les circonstances atténuantes d'une telle obéissance : ce n'est ni la blouse blanche, ni le niveau de souffrance du faux cobaye, ni le désir de faire souffrir du sujet qui sont en cause. Ce sont en fait des facteurs complexes tels que le fait de voir la victime ou pas, le fait que l'autorité soit dans la pièce ou non, l'existence d'une dissension au sein de l'autorité etc...

On retrouve en fait le comportement d'une personne qui supposant qu'elle n'a pas les capacités (physiques, intellectuelles ou d'un autre ordre) d'accomplir en toute connaissance de cause un acte donné, c'est à dire de faire face aux conséquences pouvant en découler, décide de se confier en tant qu'outil à une autorité quelconque. Dés lors l'exercice de la responsabilité se situe au niveau de cette autorité, le rôle de l'outil étant de remplir sa tâche au mieux sans s'occuper d'éventuels conflits éthiques ou moraux. (...Some of them Want to be Abused... Eurythmics)
On peut définir la soumission de différentes manières, la plus simple étant l'exécution par un individu d'ordres venant d'une autorité. Mais l'analyse des conditions de soumission montre que le noyau commun de toutes les situations d'obéissance n'est que l'expression d'une capacité des êtres sociaux d'inhiber leurs pulsions propres (et leur sens moral) au profit de directives extérieures du moment qu'elles émanent d'une entité assimilée à une autorité. L'analyse psychologique de Milgram reste très prudente, peut entre afin de ne pas risquer de disqualifier la totalité des résultats par des critiques théoriques complexes alors que le fond du problème est accessible au lecteur totalement "naïf". Les plus optimistes voient dans l'obéissance le signe d'une bonne adaptation de l'individu à la société. Malgré cela, on ne peut s'empêcher, en cette fin de 20ème siècle, de se souvenir des formes les plus tragiques qu'à pu prendre le comportement d'obéissance.

Voir l'ouvrage suivant, très intéressant, sur la soumission librement consentie : "Petit traité de manipulation à l'usage des honnêtes gens" Jean-Léon Beauvois et Robert Vincent Joule. Tout un chapitre y est consacré à l'expérience de Milgram.
Sur le net : "Traité de la servitude libérale" de Jean Léon Beauvois :

Le lien d'origine http://www.cnam.fr/depts/te/dso/lecture/beauvois.htm
Et le site http://www.psychologie-sociale.org

source: http://1libertaire.free.fr/Soumission05.html

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La désobéissance civile est le refus de se soumettre à une loi, un règlement, une organisation ou un pouvoir jugé inique par ceux qui le contestent. Le terme fut créé par l'américain Henry David Thoreau dans son essai Résistance au gouvernement civil, publié en 1849, à la suite de son refus de payer une taxe destinée à financer la guerre contre le Mexique.

En Europe, même si le recours au concept de désobéissance civile a tardé à être formulé, l'idée de la résistance à une loi inique ou injuste a existé bien avant le XIXe siècle. Aujourd'hui, le concept s'est étendu à de nombreuses personnes notamment par les actions très médiatiques des altermondialistes ou celles des mouvements anti-pub, certains ne voyant dans ces actions que la dégradation de biens, d'autres y voyant un acte salutaire de désobéissance civile, visant à faire modifier la politique des autorités.

Le Maghreb se soulève contre les dictateurs par Zehira Houfani Berfas

2011-06-06T12:14:00.006+02:00

7 janvier 2011

Après la Tunisie, l’Algérie entre dans la révolte populaire

Ce début de l’année 2011 sera marqué par le mouvement de révoltes populaires qui secouent présentement le Maghreb. Des révoltes de la faim, disent certains, mais sûrement pour la justice et la fin des dictatures et autres régimes maffieux, qui gouvernent ces pays par la force et la répression. Alors qu’en Tunisie les émeutes se poursuivent depuis plusieurs semaines, en Algérie, depuis mercredi, les quartiers populaires de la capitale et des grandes villes d’Algérie s’embrasent dans l’explosion de la colère des jeunes, nourrie par un quotidien des plus absurdes dans un pays, qui croule sous les pétrodollars, détournés ouvertement par les despotes au pouvoir depuis des décennies.

La jeunesse algérienne est estimée à plus de 70 % de la population, mais rien dans les politiques officielles n’offre d’ouverture, ni de prise en charge sérieuse de ces millions de jeunes livrés à eux-mêmes sans le moindre espoir à l’horizon. Ils sont acculés à un chômage endémique, à la toxicomanie et la prostitution, à la hogra (injustice en tous genres) et au harraguisme, souvent suicidaire, de même qu’à l’indigence, ce vide culturel et politique sidéral dans un pays déserté par le bon sens et le sel de la vie, parce qu’étouffé sous les lois de l’état d’urgence, bousillé par la corruption des gouvernants et soumis à l’ignorance et à son avatar le plus fidèle : l’intolérance.

En sortant dans les rues pour manifester violemment contre leurs oppresseurs, les jeunes Maghrébins prennent ainsi le monde en témoin de leur désespoir, mais marquent également leur ressentiment envers leurs élites et autres leaders de l’opposition. Cela est d’autant plus vrai en Algérie où les jeunes se sentent livrés à leur sort et abandonnés par les générations précédentes, celle de la Révolution qui a fait la gloire du pays, et celle de l’indépendance, qui n’a jamais su assumer le rôle qui est le sien, à savoir réaliser l’État de droit, objectif ultime de la Révolution algérienne.

Depuis la violation de la constitution par le président Bouteflika pour se payer un 3e mandat, alors que le bilan des 2 précédents était plus que déplorable, autant pour le pays livré aux inconditionnels de l’affairisme local et international souvent sans scrupules, que pour le peuple soumis à des conditions de vie épouvantables, se débattant comme un diable pour assurer sa survie, tout en se faisant agressé par le luxe indécent qu’affichent ouvertement les tenants du pouvoir. Cela fait des années que la situation allait en s’aggravant, mais force est de constater qu’en continuant d’humilier et de mépriser le peuple, de réprimer la liberté d’expression, d’interdire l’ouverture du champ politique et médiatique, d’assurer l’impunité aux grands voleurs et corrompus connus de l’opinion et épinglés pour de multiples forfaitures et trahisons, le régime de Bouteflika est d’ores et déjà responsable de toute tragédie menaçant l’Algérie.

Le président a failli à toutes ses promesses électorales, menti aux Algériens, pire, il a innové dans la mauvaise gouvernance en s’entourant de 13 ou 14 ministres de son propre village, remettant au goût du jour le pouvoir clanique au lieu de moraliser un tant soi peu les mœurs politiques en initiant et balisant une bonne gouvernance, prélude à l’état de droit qu’il avait promis. Le seul deal auquel semble tenir le président, en plus de la mégalomanie et la vanité qui caractérisent les dirigeants arabes, deal qu’il a bien exécuté depuis son arrivée au pouvoir, c’est de pomper plus de pétrole pour que le pécule à partager entre son clan et les militaires soit toujours plus imposant et garant d’une clientèle totalement acquise à sa présidence. Une clientèle qui a choisi de vivre loin de la misère ambiante, dans les forteresses cossues, des citadelles inaccessibles avec des étendues verdoyantes et des plages publiques privatisées par « décret », pour les soustraire au patrimoine public. Avec l’argent du peuple, ils ont édifié des petits paradis et devenus les plus chanceux des milliardaires, puisque contrairement aux occidentaux qui ont souvent trimé pour édifier leurs fortunes, les dictateurs, dont les dirigeants algériens, n’ont qu’à puiser dans le trésor public de leur pays pour assouvir le moindre de leurs désirs. Une situation que le peuple algérien ne veut plus subir. Il revendique la dignité humaine que le pouvoir totalitaire lui a confisquée en le privant du minimum décent pour vivre, à savoir une distribution équitable des ressources nationales, le droit à un travail correctement rémunéré, à un logement pour fonder une famille, et bien sûr cette liberté de penser et d’évoluer sereinement. Autant de revendications qui ne s’accommodent pas avec une dictature, mais exigent plutôt l’instauration d’un État de droit.

Est-ce le début de la fin des dictatures au Maghreb ? La balle est dans le camp des élites et politiciens intègres de ces pays qui doivent, no seulement endosser les revendications de leurs peuples, mais aussi les faire entendre autant sur les tribunes locales que sur la scène internationale. Une façon de mettre devant leurs responsabilités, les grandes puissances qui soutiennent les dictatures au mépris de tant de peuples sur la planète. Désormais, le déni des droits humains ne peut plus durer, ni au Maghreb, ni en Afrique, ni en Amérique latine. Les gouvernants se sont concertés pour promouvoir, voire imposer la mondialisation des marchés, aujourd’hui, en 2011, les peuples se lancent dans la mondialisation de la démocratie.

source: http://www.legrandsoir.info/Le-Maghreb-se-souleve-contre-les-dictateurs.html

Ya Rayah (chaâbi algérois)

2011-06-06T11:38:00.009+02:00

Abderrahmane Amrani, connu sous le nom de scène Dahmane el Harrachi( دحمان الحراشى ), né le 7 juillet 1926, à El-Biar (un quartier d'Alger), mort le le 31 août 1980 à Alger, est un musicien, auteur-compositeur et interprète algérien de musique chaâbi.

Le Chaâbi algérois (شعبي) est un genre musical algérois. Šaʿabī signifie « populaire » en arabe (شعب, šaʿab, « peuple »), c'est l'un des genres musicaux les plus populaires d'Algérie, il faut comprendre par populaire comme genre commun ou comme genre par défaut qui constitue le versant « rugueux » de la musique savante issue de la culture arabo-andalouse.
Bien avant l'apparition de ce genre musical, Alger avait déjà son genre populaire qu'on appelle " âaroubi " et qui puise ces modes dans la musique arabo-andalouse. Au temps de Cheikh '''Nador, il y avait une pléiade d'artistes Meddah tels que Mustapha Driouèche, Kouider Bensmain, El Ounas Khmissa, Saïd Laouar, mais nous n'avons retenu de leur art que quatre enregistrements du meddah Malek Saïd qui datent de 1924. A l'origine el medh se pratiquait avec bendirs et flûtes, accompagnés surtout de textes panégyriques. C'est le meddah Kouider BENSMAÏN( le fils du poète Mohamed BENSMAÏN ) qui a été le premier à avoir introduit les instruments à cordes dans les orchestres du Medh. Cette période a coincidé avec l'introduction des textes du " melhoun ", et on a commencé alors à les travailler en les adaptant aux modes musicaux de l'école algéroise. El Hadj M'hamed EL ANKA qui était le disciple de cheïkh Nador, a révolutionné le medh en apportant une note de fraîcheur à ce genre musical réputé monovocal. A ses débuts EL ANKA s'appelait " M'hamed EL Meddah ". Il se produisait surtout dans les fumeries où les jeunes de sa génération venaient apprécier son art. C'est le premier à avoir introduit le mandole( instrument typiquement algérien ) dans le " medh ". En 1947 , EL Boudali Safir a donné le nom de " populaire " à ce genre musical mais ce n'est qu'en 1964 ( après l'indépendance de l'Algérie) durant le festival des arts populaires qu'il a pris le nom officiel et définitif de chaâbi et ce, dans toutes les langues.
Le chaâbi mêle les instruments de la musique classique arabo-andalouse et d’autres venus de la musique classique occidentale. On y trouve la derbouka (percussions) et le tambourin (Tar), mais aussi le mandole (instrument typiquement Algérien, sorte de grosse mandoline aux sonorités de guitare, munie de quatre cordes doubles en métal), le violon (alto ) et le banjo ( généralement dans l'orchestre chaâbi, nous avons un banjo guitare et un banjo ténor ) , un f'hel ( petite flûte en roseau ) sans oublier le quanoun. Les violonistes de l'arabo-andalouse et du chaâbi utilisent toujours leur violon ( Alto ) à la verticale. Quant au mandole, il a remplacé la Kouitra ( instrument de la musique arabo-andalouse Algérienne ). Il n’est pas rare d’entendre aussi le piano. En revanche, aucun instrument électrique n’est admis, hormis parfois le clavier pour son côté pratique.
Les chants du chaâbi, portés par l’idiome algérois, se nourrissent de poésie ancienne mais aussi de textes originaux issus de thèmes actuels. Avec, toujours en toile de fond, l’écho du patrimoine, la plainte ancestrale, la nostalgie du pays. Selon le musicien et joueur d’ukulélé Cyril Lefebvre, « les gens attaquent fort, s’expriment violemment, ce qui rapproche à certains égards le chaâbi du blues ». Dans le chaabi algérois, le quart de ton est carrément absent.

"Ya Rayah" (Le Voyageur) is an Algerian "chaabi" song composed and performed in the 1970s by Dahmane El Harrachi (Amrani Aberrahmane). Up until the past 15 years this song was known to be Dahman El Harrachi's original song and in the Chaabi/Andalous tradition of Algiers. This song is a ballad of the traveler, the exiled, the longing to come back, the immigrant, the "wanderin' star", etc. hence it's universal appeal. In 1997, it was also performed by French-Algerian pop singer Rachid Taha on his second self titled album (producer: Steve Hillage).In September 1998, Taha performed the song live with fellow Algerian singers Khaled and Faudel at the Palais omnisports de Paris-Bercy in Paris, France. Their version was induced on the live album 1,2,3 Soleils the following year.

(Rachid TAHA)

Les indignés de Bruxelles par Badi BALTAZAR

2011-06-05T18:11:00.003+02:00

Visite du campement bruxellois des Indignés - Procès-verbal d’intérêt général

Hier, j’ai décidé de faire un arrêt du côté du carré de Moscou à Saint-Gilles dans l’idée de rencontrer des membres de ce mouvement dit des Indignés. Comme la plupart d’entre vous j’imagine, je me suis posé pas mal de questions sur cet étrange phénomène. Qui sont ces gens ? Pourquoi se sont-ils délibérément installés sur une place au beau milieu de la capitale de l’Europe ? Que veulent-ils ? Quelles sont leurs intentions ? Quels sont les intérêts qu’ils défendent ? Est-ce un groupe, une organisation de militants ? Quelles sont leurs revendications ?

Arrivé sur les lieux, j’ai d’abord constaté que l’endroit avait des airs de festival d’été, avec ses chapiteaux et ses stands. Mais au fur et à mesure que je me rapprochais du coeur de la place, je ressentais le genre d’impression de découverte et d’étonnement que l’on peut avoir lorsque l’on pose le premier pas dans un univers nouveau. La place était littéralement occupée, mais pas seulement. Une société parallèle semblait s’y être formé au sein même de la cité. Des tentes, des tables, des chaises, des fauteuils, des matelas, des échoppes, un potager. Une cuisine au centre, avec une pancarte indiquant que le prix de la nourriture est celui que décidera de lui accorder l’acheteur. Des activités ludiques, des ateliers divers, des jeunes femmes sur des échasses, une bibliothèque à ciel ouvert, des groupes de citoyens formés un peu partout sur la place, qui échangent activement, dans une ambiance cordiale, décontractée mais sérieuse. Des notes se prennent, des coordonnées s’échangent, des solutions s’inventent. C’est le royaume de la débrouille, une espèce de laboratoire où les chercheurs ne sont autres que les citoyens qui s’y retrouvent, se rencontrent, s’écoutent et se parlent. Inutile de préciser que j’ai vite compris qu’il y planait autre chose qu’une simple brise de printemps.

Sous le plus grand des chapiteaux se tenait une assemblée composée d’une cinquantaine de personnes de tout âge, de toutes origines, des chômeurs, des enfants avec leurs parents, des étudiants, des employés, des ouvriers, des fonctionnaires, des retraités, des gens du voisinage. Du bobo à l’altermondialiste, tous semblaient être intéressés par ce qui se déroulait. Symboliquement, ils se passaient la parole en faisant circuler un bout de bois, en guise de micro. Au choix, chacun avait l’opportunité de s’exprimer, de faire part des raisons de ses indignations et de ses réflexions. Des valves avaient été installées et le procès-verbal de la précédente Assemblée Générale y avait été affiché. La tendance m’a semblé être à la création de structures spécifiques aux divers domaines qu’ils souhaitent couvrir. Ces dernières se matérialisent sous la forme de commissions. A ce jour, ont commencés à être formés des cellules de communication, un site web ainsi qu’une logistique opérationnelle et sanitaire appréciable. Par ailleurs, les décisions prises par les activistes sont actées et les potentiels de coordinations nationales et internationales sont envisagés et commentés.

J’en profite donc pour rassurer la bourgmestre de la commune, qui d’après certaines sources serait inquiète quant aux conséquences d’un tel rassemblement et je tiens à lui adresser les salutations les plus pacifiques que les débats auxquels j’ai assisté m’obligent à relayer. Une multitude de messages et de banderoles ont d’ailleurs été accrochés partout sur la place. Ils invitent à l’éveil des consciences et à la mobilisation citoyenne. A noter que plusieurs d’entre elles sont en espagnol ou en anglais.

J’avoue que plongé dans ce microcosme bouillant d’énergie positive, j’étais quelque peu intrigué. Faut dire que ce genre d’espace de partage spontané n’est pas courant. Personnellement, je n’ai jamais vu ça de ma vie en Belgique. Ces gens - venus de partout, partout en Europe et ailleurs dans le monde - qui délibérément se réunissent sur des places, les occupent jour et nuit et y réorganisent une vie sociale, embryonnaire certes mais effective. C’est absolument remarquable. Ce que je veux exprimer c’est que le fait même que ces gens agissent de la sorte - s’inscrivant dans une démarche constamment en mouvement vu que telle est sa raison d’être - est une révolution en soi. Ce sont avant tous les mentalités et les modes de vie en société qui sont ici repensés.

J’insiste cependant sur le fait qu’il faut raison garder et éviter de se laisser happer par je ne sais quelle tentation passionnée. Selon moi, dans l’état actuel, le mouvement naissant dont je témoigne n’est qu’un vecteur de prise de conscience pour les citoyens qui s’y identifient et y contribuent. Néanmoins, leurs intentions et leurs actions n’en sont pas moins profondes et sincères. Ce que ces gens ressentent, l’énergie qu’ils investissent, leurs idées, leur créativité et leurs rêves d’équité sont tout sauf anodins et peu en parle, voire pas du tout. Les quelques journalistes qui ont daigné faire référence à ces mouvements jaillissants sous la bannière d’une démocratie réelle un peu partout dans le monde, oublient ou taisent l’essentiel. Au-delà de la finalité, du potentiel d’expansion et de réalisation de ces mouvements, le fait que ces gens en arrivent à descendre dans les rues et les places et à les occuper pour pouvoir exister et avoir la possibilité de s’exprimer et de se faire entendre, est une illustration grandeur nature du constat d’échec permanent de nos sociétés actuelles. Et vouloir présenter cette réalité comme une simple grogne de chômeurs ou de jeunes en situation de précarité est d’autant plus réducteur et intellectuellement malhonnête.

D’un point de vue factuel, les systèmes économiques, politiques et institutionnels ne répondent plus aux attentes des populations et ont, je le répète, prouvé leurs incompétences. La confiance dans la classe politique en place est à son plus bas niveau et ce qui rend ce phénomène citoyen d’autant plus important selon moi, c’est paradoxalement sa mondialisation. Ces citoyens qui se mobilisent sont tout sauf des illuminés. Ils ont toute leur raison et leurs raisons et ils tendent à porter la voix de Monsieur Tout Le Monde. Et ce qui me touche profondément, c’est l’idée qu’ils le fassent vraiment dans l’intérêt de Monsieur Tout Le Monde. D’après les discussions que j’ai pu avoir avec certains activistes, l’unique prétention qui les anime à ce stade est de créer et de développer cet espace de dialogue, d’expression et de débat. Toutes les pensées, toutes les tendances de la population sont amenées à y être représentées. En un mot, c’est un mouvement qui s’ouvre à tous et qui constitue une possibilité pour tout un chacun de prendre part aux activités ou de prendre l’initiative d’en élaborer. C’est une plate-forme de libre choix et de libre pensée, ce que les institutions aux commandes sont manifestement incapables de proposer.

Vous serez sans doute tous d’accord avec ce constat : tous les indicateurs sont au rouge. Signal que nous sommes arrivés à une étape charnière dans l’évolution du déséquilibre mondial. Les fossés dont nous avons criblé notre espace de vie sont devenus tellement grands que l’émergence de mouvements citoyens deviendra de plus en plus difficile à contenir. Je pense donc que comme toute manipulation, l’aliénation et l’injustice démontreront leurs limites elles aussi, ce qui m’oblige à saluer tous les hommes et toutes les femmes qui ont décidé que leur destin était entre leurs mains, que le monde peut être autre chose qu’un espace de concurrences féroces et immorales et qu’en face des politiques et de la finance privée il y des êtres humains qui ont en commun les mêmes volontés de pacification de la planète. Nul doute que les efforts soient à fournir sur les plans du fond et du long terme, mais le défi en vaut la chandelle. Je souhaite de ce fait aux indignés d’ici et d’ailleurs d’avoir la force de garder l’espoir que je partage avec eux de reconquérir notre souveraineté populaire. Gardons à l’esprit que chacun de nous est une énergie potentielle et chaque particule d’énergie positive, d’intelligence, d’expertise et de force de travail que nous pourrons canaliser seront bénéfiques.

Je tiens également à souligner que bien que la naissance du mouvement des Indignés bruxellois soit survenue dans la foulée de ses voisines européennes, sa particularité me semble être à l’image de ces citoyens : positifs, bon vivants et à des années lumières de tous les clichés de violence ou de désordre que certains oiseaux de mauvais augures colportent. Le besoin qu’ils ont de tout remettre à plat et de vouloir refondre les bases d’une nouvelle vie en société devrait, il me semble, être encouragé, soutenu et renforcé. Contrairement à ce qui se lit dans la presse ou sur les prompteurs, leur démarche n’est pas apolitique, au contraire elle est pleinement politique : se réunir, débattre, échanger, se mobiliser et agir pour le bien de la cité et de ses habitants, n’est-ce pas l’essence même de l’acte politique ?

Ce soir, je suis retourné au campement pour assister à l’Assemblée Générale qui s’y tient quotidiennement. Je fus à la fois surpris et excité de m’apercevoir que le nombre des participants avait quasiment triplé depuis la veille. D’ailleurs, pour répondre au succès des débats, le petit bout de bois qui servait de micro avait entre-temps été troqué contre un mégaphone. Je tiens à témoigner que j’y ai rencontré des gens exceptionnels, des citoyens conscients et pleinement en accord avec eux-mêmes. L’émotion que j’y ai ressentie et la sincérité de leurs actions auront, quoi qu’il arrive, marquer mon esprit. Assister à une telle manifestation d’humanité et de partage est tout simplement bon pour le moral. Il est rassurant et réconfortant de se dire qu’il existe encore des êtres humains si fortement attachés à leurs idéaux de liberté et de solidarité.

Néanmoins, il faut aussi reconnaître que la survie de cet élan de citoyenneté dépendra de sa capacité à occuper l’espace, à mobiliser les masses et à démultiplier les initiatives intelligentes. Par le biais de ce libre buvard, je ne peux que vous inviter à vous joindre à cette merveilleuse aventure humaine, qui je l’espère, n’en est qu’à ses balbutiements. L’idée débattue ce soir de former un campement itinérant de commune en commune semble suivre son petit bonhomme de chemin. Et de nombreuses activités sont prévues sur la place du carré de Moscou tout au long du week-end, n’hésitez donc pas à y faire un saut pour vous faire votre propre idée de ce qu’est cette communion de citoyens dont le rêve à partager est de contribuer à la construction d’un monde dans lequel les gouvernements représenteraient et défendraient réellement les intérêts des électeurs, d’un monde moderne où l’humain pourrait enfin être au centre des préoccupations.

A bon entendeur,

Badi BALTAZAR
www.lebuvardbavard.com

source: http://www.legrandsoir.info/les-indignes-de-bruxelles-qui-sont-ils.html

Blog des indignés: http://www.indignes.be/
Le camp en photos: http://alia.eklablog.fr/les-questions-citoyennes-c634509#!/2011-06-03-yes-we-camp-en-photos-a3887590

http://lafourmirouge.blogspot.com/2011/06/bruxelles-indignee-en-directe-du.html

Les "indignés" de Bruxelles par BELGA_NEWS_AGENCY

Claude CAHUN

2011-05-31T12:47:00.007+02:00

Claude Cahun, l’artiste visionnaire, la personnalité dérangeante, la résistante condamnée à mort, celle qui n’a jamais voulu se contenter d’être une muse du surréalisme a longtemps été occultée, tronquée, trahie. Elle est exposée à Paris, au musée du Jeu de Paume, du 24 mai au 25 septembre 2011.

Naître en 1894 et façonner son destin de femme, juive, lesbienne, artiste et activiste révolutionnaire dans le contexte de deux guerres mondiales et de l’explosion surréaliste est déjà peu courant. Mais s’avérer aujourd'hui la plus actuelle, voire futuriste, de toute la scène d’alors est nettement plus époustouflant. Ses collègues sont représentatifs d’une époque. Elle seule les transcende. Cette audace, cette originalité, cette détermination ont un prix. Beaucoup s’ingénièrent à l’enterrer vivante. A nous aujourd’hui de la chercher. La tache promet d’être des plus exaltantes.

La quatrième de couverture de la biographie de François Leperlier, publiée en 1992, s’ouvre sur cette succulente déclaration : “J’ai la manie de l’exception” et précise que l’on va parler d’une personnalité “excentrique” (loin du centre) qui s’est toujours refusée à “l’autorité des évidences”. L’Interdit s’incline. L’introduction de l’essai de Laura Cottingham, Cherchez Claude Cahun, publié en 2002, dépeint en outre sa modernité : “Proust est mort en 1922 et avec lui le dix-neuvième siècle. Claude, pour sa part, anticipa non seulement le vingtième siècle mais également le vingt-et-unième. Et il ne s’agit pas seulement d’une question d’apparences, bien que les apparences soient si importantes. Le crâne rasé de Claude, ses vêtements amples et élégants, son style si chic, son appareil photo, ces éléments qui la caractérisaient si bien sont encore et toujours des accessoires nécessaires et des activités artistiques actuelles. Alors que ce pauvre Proust chercherait, probablement en vain, du Dom Perignon et de l’absinthe s’il débarquait dans l’East village en 2002, Claude, tout comme nous, aurait son tapis de yoga et connaîtrait déjà le premier cycle de la série Astanga”.

Choisir un pseudonyme unisexe

Claude Cahun est née Lucy Schwob le 25 octobre 1894. Elle ne perd pas son nom en l’aliénant par un mariage mais en choisissant un pseudonyme unisexe. Elle partagera sa vie entière (privée, artistique et politique) avec Suzanne Malherbe dite “Moore”, la fille de sa belle-mère, avec qui elle a été élevée et qu’elle ne quittera jamais. Les amantes travailleront ensemble dans les écrits, photographies, autoportraits, photo-montages et lutteront au quotidien. On peut d’ailleurs supposer qu’attribuer à la seule Claude Cahun son œuvre géniale est un peu injuste : cette œuvre tient certainement à une étroite collaboration entre les deux femmes : “En mettant Claude Cahun comme unique créatrice de ces photos, en gommant le rapport d’adresse à Suzanne Malherbe et même sa part de créatrice, l’exposition [qui avait alors lieu à Paris au musée d'Art moderne] nie la possibilité que la création soit aussi l’œuvre du couple, sans doute parce que la complicité du couple homosexuel échappe ici à une norme établie. Or comment ignorer cette probabilité quand on sait que dès l’adolescence elles ne se sont jamais quittées, qu’elles ont eu une éducation quasi semblable dans des familles de même milieu et qu’elles ont participé aux mêmes aventures : théâtre, revues (l’une par l’écrit, l’autre par le graphisme), mouvement surréaliste, Résistance… Evidemment, cela va à l’encontre du créateur un et unique mais nous connaissons à notre époque de nombreux couples homosexuels créateurs qui se revendiquent comme tels” (Catherine Gonnard in Lesbia magazine n° 141, septembre 1995).

Quoi qu’il en soit, il s’agit de s’affranchir des images imposées, invivables, à commencer par le clivage féminin/masculin. Ainsi tout au long de son livre Aveux non avenus (1930), Claude Cahun veille à l’alternance des deux genres grammaticaux. De même, ses fulgurants autoportraits ne peuvent la rapprocher de rien de connu. Elle y joue de son aspect ou le truque, cheveux courts ou pas de cheveux, profil accentué, crâne allongé, dédoublements à l’infini, masques, rôles féminins ou masculins joués et triturés. On peine à savoir précisément ce que l’on est en train de regarder, on a beaucoup de mal à croire que ces œuvres datent de 1920, on reste en émerveillement devant l’audacieuse fierté du regard défiant l’objectif.

Apprécier l’indéfini

La biographie de Leperlier et l’enquête de Cottingham interprètent différemment la personnalité sexuelle de Claude Cahun. Pour le premier, “n’ayant aucune complaisance pour tout ce qu’on attache habituellement au sexe féminin, ironisant sur le féminisme, bien convaincue que l’acte poétique intéresse des individus avant d’engager des genres toujours hypothétiques à ses yeux, elle est mieux placée que quiconque pour vérifier que les thèmes masculins et féminins sont en conversion permanente dans l’écriture et que l’imagination n’a pas de sexe, ou bien elle les a tous”. Leperlier déclare joliment que pour lui Cahun n’est pas “fixée” sur son identité sexuelle et que là comme ailleurs elle “appréciait l’indéfini”.

Cottingham, elle, craint que par là on occulte que Cahun soit femme et lesbienne. A son sens, Cahun s’est revendiquée femme, refusant seulement d’être féminisée, ce qui n’est pas la même chose : “Tout en refusant d’être “féminisée” (et par conséquent d’admettre que le corps des femmes soit à la disposition sexuelle des hommes), Cahun revendiquait consciemment sa position politique de femme dans ses œuvres (…) Ces assignations contemporaines parmi d’autres au sujet d’une Cahun masculine ou travestie reposent sur des idées extrêmement conservatrices sur l’apparence des femmes et leur production artistique, car il n’y a rien de manifestement “mâle” dans les œuvres de Cahun. Il faudrait plutôt dire que les autoportraits de Cahun présentent souvent l’image d’une femme qui rejette les codes visuels conventionnels de la conduite des femmes : ses cheveux ne sont pas longs, son visage ne se cache pas sous un maquillage, son corps n’est pas fardé de bijoux et elle ne porte pas de robe. Le choix de se représenter non féminisée (…) était orchestré en opposition aux codes établis de l’apparence des femmes et non en fonction d’une quelconque tentative délibérée de se faire passer pour un homme ou une travestie”.

Echapper à l’histoire et à la culture

Personnellement, je me contenterai de rappeler que ne pas s’affirmer femme ne signifie en rien se vouloir homme. Ce qui est sûr c’est que, quelles que soient les nuances à ce sujet, on aura compris que la position de Cahun dérangeait à l’époque et dérange encore. Quant à son lesbianisme, il est régulièrement gommé, comme c’est la tradition. Et là il est beaucoup plus facile de trancher en faveur de Cottingham quand elle dénonce Leperlier qui “a tellement envie d’hétérosexualiser Cahun qu’il prétend que 'Claude Cahun a aimé Breton, d’un amour manifestement impossible comme tous ses amours, mais plus impossible, plus secret, plus désespérément fou que tous ses amours réels ou fictifs'”. La phrase “impossible comme tous ses amours” appliquée à quelqu’un qui partagea sa vie et son œuvre avec une autre est tout simplement scandaleuse. Et me revient forcément en mémoire ma propre indignation à la lecture des biographies de Marguerite Yourcenar : à elle aussi on prêtait volontiers des amours masculines montées en épingle.

Dans un cas comme dans l’autre, je me moque bien sûr complètement de la vérité ou non de ces amours, je suis seulement outrée du fait qu’elles viennent en paravent, masquant et dénigrant de grandioses histoires d’amours féminines (Yourcenar ayant aussi passé l’essentiel de son existence avec la même femme, ce qui semble compter beaucoup moins que de supposées attirances de passage pour un homme ou deux). Il est clair que l’on travaille à faire rentrer dans le rang deux personnalités qui n’ont eu de cesse d’en sortir. Cottingham évoque avec justesse ce fameux regard de Claude évoqué plus haut, si direct, qui “suggère le défi et la maîtrise de soi plutôt que la vulnérabilité et la modération” et constate qu’elle “n’avait de cesse d’imaginer et de photographier la manière dont le commun des mortels pouvait échapper à l’histoire et à la culture”. En ce qui la concerne, son lesbianisme participa pour une grande part à cette “échappée”. La ramener, comme Yourcenar, dans le domaine familier de l’hétérosexualité est une façon de minimiser sa subversion permanente. Une façon de dire “au fond d’elles-mêmes, quoi qu’elles disent et font, elles rêvent de maris et d’enfants”.

Une autre façon de minimiser cette subversion consiste bien sûr à la passer le plus possible sous silence. Il faudra attendre 1937 pour qu’une partie de l’œuvre de Cahun soit exposée au public. 1992 (près d’un siècle après sa naissance) pour consulter une biographie sur elle. 2002 pour découvrir la traduction française de l’essai de Laura Cottingham. L’Encyclopédie du surréalisme et le Dictionnaire général du surréalisme et de ses environs ne la mentionnent pas. C’est que si le surréalisme était “révolutionnaire”, ce n’était pas à l’égard des femmes, confinées comme toujours au rôle de “muse-modèle-maîtresse”. Un rôle que Claude Cahun n’a pas tenu. Elle a participé aux débats politiques, s’est elle-même photographiée à son idée plutôt que de poser nue, bref s’est investie dans la désobéissance, y compris au sein d’un mouvement qui passait pour être lui-même non conformiste.

C’est pourquoi je ne me suis pas étendue ici sur les données biographiques classiques. Oui, elle fréquenta les étoiles du surréalisme, oui elle traduisit Oscar Wilde, ami de son oncle, etc. Il m’a semblé que ces grandes figures avaient fait assez couler d’encre, et j’ai préféré me consacrer cette fois à elle, rien qu’à elle, qui en fit couler si peu et en méritait tant.

Source: http://interdits.net/interdits/index.php/Claude-Cahun-la-manie-de-l-exception.html
[Une première version de ce texte est parue dans L'Interdit en 2002].

>> please take a look at: http://dolorosa-reveries.blogspot.com/search/label/Claude%20Cahun

Ce n'est pas tout de le dire...

2011-05-30T22:59:00.001+02:00

« Nous ne sommes pas des marchandises aux mains des banquiers et des politiques », dit la pancarte principale de la #spanishrevolution. Certes, mais ce n’est pas tout de le dire ! Ce n’est pas tout de prôner la non-violence absolue en se réclamant de Gandhi et en oubliant que ce dernier avait pris les coloniaux Britanniques par la bourse en demandant à son peuple de boycotter le sel et, même de manière violente et tragique en certains moments. Ni la révolution espagnole ni les arabes et musulmanes (que l’on voit d’ores et déjà, comme prévu, récupérées ou édulcorées) ne parviendront à leur fin sans toucher la bête (ici appelée banquiers et politiciens) à l’endroit où cela lui fait le plus mal : l’indépendance !

Au risque de me répéter, on ne se façonne pas une révolution pacifique si celle-ci n’est pas supportée par l’immense majorité du peuple et donc, si les revendications ne sont pas susceptibles d’être acceptées comme propres par cette immense majorité. Tant que les « acampados » ne s’allieront pas, d’une manière ou d’une autre, les travailleurs, les petits indépendants et les paysans les plus pauvres autour d’un programme minimal mais crédible et porteur, le mouvement est condamné à disparaître plus ou moins rapidement. Or, qu’est-ce qui fait mal aux politiciens et aux banquiers ? C’est que les premiers n’ont plus aucun pouvoir sur les seconds et que les seconds ont besoin du bras armé des premiers pour continuer leur accumulation. S’attaquer au dieu Marché et à ses contradictions réelles et concrètes ! Bien sûr, l’Espagne n’est pas l’Islande, mais justement, et là-bas, c’est ce qu’ils ont fait : refuser de rembourser la dette, ne plus répondre aux banquiers, etc.

C’est à démonter cet engrenage que les assemblées et le mouvement tout entier doit s’atteler ; à en faire un mot d’ordre général qui fasse prendre la mèche, réellement, objectivement, dans l’ensemble du pays et, en dehors, dans l’ensemble de l’Europe en crise. Je ne sais ce qui va sortir des assemblées qui ont lieu en ce moment même –je sais que l’épisode enthousiasmant de la Bastille, a été stoppé net, par une charge musclée de CRS sans état d’âme- mais, j’espère que les résultats n’en resteront pas à de vagues déclarations sur la méthode et la forme plus que sur le fond de revendications qui, quoi qu’on y fasse, sont des revendications politiques. S’attaquer aux politiciens véreux, critiquer la démocratie formelle et combattre les privilèges, ne peut, en aucune façon, vouloir dire renier la politique, se battre pour plus de démocratie et mettre en place des manières, une manière, de vie en commun qui soit autre, certes, mais ailleurs que dans les places occupées : dans les usines, les villages, les régions, le pays tout entier, les facultés, etc.

Loin de moi l’idée de vouloir faire plaisir à tout le monde –que du contraire. Il me semble qu’un des pièges de mes amis de Sol et d’ailleurs (qui savent très bien ce que je suis en train d’écrire puisque le mouvment s’appelle Démocratie REELLE, tout de suite) réside, précisément, dans un vouloir contenter tout le monde qui, en bout de course, ne contentera personne si ce n’est le pouvoir en place qui verra comment l’illusion s’effrite et le danger, par eux ressenti, s’éloigne ou disparaît. Me propos pourraient sembler contradictoires : d’un côté chercher à rassembler l’immense majorité autour d’un ou deux thèmes d’un programme capable de rassembler le plus grand nombre et, de l’autre, l’appel à ne pas chercher à contenter tout le monde. La contradiction disparaît, dès lors que l’on touche à la politisation obligée du mouvement –il ne peut en aucun cas en rester à l’état de mouvement spontanné. Politiser la lutte, faire pression, s’organiser et organiser des contre-pouvoirs réels, des actions d’envergure qui visent le centre nerveux de ce qu’il faut bien nommer par son nom : le système capitaliste, pour qu’il flanche et qu’à terme il menace de « révolutionner ». La lutte sera longue, on le savait ; il ne faut pas qu’elle s’arrête avant d’avoir été menée, avant d’avoir été au-delà des prémisses de l’espoir et du courage intelligent qui rassemble au départ du concret. Il faut tenir dans la distance et les politiques le savent qui, tous, de la gauche institutionnalisée aux écolos bon teint, en passant par les idéologues sectaires, les sociaux-démocrates et les libéraux, se tiennent en retrait. Je n’ai lu ni entendu aucun appui convaincu et fort, aucun geste fort qui appuie les revendications ni le mouvement de la part de cette clique ! Aucun renoncement à la pension à vie en tant que parlementaire, aucune proposition de projet de loi contre les privilèges basiques repris dans le manifeste de la plate-forme : rien !

Certains se méfient du spontanné, d’autres pensent à leur propre jeunesse soixante-huitarde et replongent dans des dilemmes d’avant la chute du mur, d’autres, enfin, craignent pour leur carrière, leurs privilèges, leur fortune… On n’a pas besoin d’eux : ils ont besoin de nous ; mais, de « nous » qui veut dire le peuple et non pas dix mille, même cent mille personnes, même un million : le peuple ! Et, pour le moment, le peuple continue, comme si de rien –même si les élections italiennes confirment la tendance de l’Espagne, la semaine dernière, l’abstention continue de croître jusqu’à des sommets difficilement soutenables, même en démocratie formelle : terreau pour l’extrême-droite. D’ailleurs, à noter que, pour la première fois depuis des décennies, un partie xénophobe et allié de le Pen, a émergé en Catalogne dimanche dernier… Il en va et en ira de même dans toute l’Europe si personne n’est capable de redonner sens au désespoir, de mettre des mots sur des douleurs et des maux, de redonner ses lettres de noblesse à la politique et à l’Utopie.

Je sais et je suis certain que c’est cela qui sortira des débats épuisants menés dans le plus grand respect de la parole de tous et avec des manières de faire, tellement organisées, qu’il était impossible qu’un petit (ou un grand) leader apparût. Déjà Barcelone a décidé de prendre deux jours de plus afin de « se structurer et pouvoir dé »centraliser le mouvement vers la périphérie » ; Madrid, Séville et Valence viennent, à l’instant (minuit) de décider la même chose. Après, il s’agira d’unifier tous ces petits laboratoires, de les relier autrement que par le Net et les réseaux sociaux. Ces laboratoires portent le germe d’un autre possible, d’une véritable révolution (la première) qui met en avant et l’internationalisme et le pacifisme et la protection de la Nature ! L’Utopie vaut la peine t les gens y adhèrent pour peu qu’elle se montre de face, sans chichis. Le grand écrivain Galeano, disait l’autre jour, sur une chaîne catalane, alors qu’il était interrogé sur ce qu’il venait de voir à Madrid, à peu près ceci que je cite de mémoire : « Un ami cinéaste et moi étions en Colombie, devant un parterre d’étudiants et tout se passait bien jusqu’à ce que quelqu’un nous demande ce qu’est l’Utopie. Je regarde, perdu, mon ami et lui passe la parole en me disant « le pauvre » et, à ma grande surprise, il répond tranquillement cette phrase merveilleuse : l’Utopie, c’est comme l’horizon, toujours visible et toujours inaccessible, tu avances de dix pas et il recule de dix pas, mais tu avances ; l’Utopie, c’est cela, ce qui te permet et qui te fait avancer. »

Sans cela, le risque est grand de tomber dans ce qui, malheureusement, est devenu l’alternatives du Maghreb et du Makrech : démocratie réelle, réformisme mou ou recul et répression. Aucune révolution –et encore moins en ces temps où le pouvoir est tout aussi globalisé que les oppositions et aussi rapidement interconnecté- ne peut se faire sans l’appui des classes populaires et des intellectuels –je l’ai déjà dit- mais sans celui, également, de la petite bourgeoisie et des indépendants, eux aussi victimes du système. En fin de compte, les bénéficiaires du capitalisme sont très peu nombreux, alors pourquoi ses sbires tiennent-ils les rênes si fortement qu’on dirait des laisses invisibles au cou des citoyens avachis, abrutis, manipulés, aliénés ? C’est une des questions auxquelles il faudra répondre et qui n’est pas la plus difficile, afin de mettre en place des contre-pouvoirs efficaces (qui touchent et éveillent la conscience des peuples, au-delà de l’indignation). Pour les pays de l’hiver jasmin, sur la rive méridionale de la Grande Bleue, se défaire des multinationales et des puissances « alliées » encore à la tête des politiques et des militaires aujourd’hui démocrates, afin d’en terminer avec une réelle démocratisation, une réelle indépendance économique et politique, une réelle négociation avec Israël d’égal à égal et se sortir des bourbiers Syrien, Libyen, Yéménite, du Bahreïn, etc. Pour l’Espagne, se défaire du poids des restes du franquisme, récupérer la mémoire historique, et se trouver des alliances autres que celles des politiques aux ordres des agences de notation et de l’empire du marché des armes et de la drogue (le tourisme, pour ne citer que lui, repose sur le grand banditisme et la corruption généralisée, sur la péninsule). Pour tous, viser le FMI, la BM, le G8 et le G20… Parenthèse : Galeano disait aussi, dans la même interview que DSK, avant de violer l’employée de l’hôtel, avait violé impunément des pays et des continents entiers –ce qui peut donner une certaine idée de toute-puissance et il devrait être jugé pour les deux types de viols commis. Fin de la parenthèse.

Je ne vais pas revenir sur mes articles précédents concernant le mouvement Democracia Real Ya (DRY). J’y crois, je veux y croire et nous devrions, nous tous qui sommes pour un monde autre, être solidaires et y croire. La #spanishrevolution a les pieds bien sur terre et a fait preuve d’indépendance, de courage, de ténacité, de lucidité et d’énergies vitales qui la rendent capable non seulement de durer, mais d’aller jusqu’au bout. Il lui faut, à présent, avancer : l’horizon ! La graine semée a d’ores et déjà pris, il s’agit d’en récolter les fruits, en prenant soin, auparavant, et cela durera le temps que cela doit durer, de veiller jalousement à la santé des pousses ! Plus rien ne sera jamais plus comme avant (au Sud de la Méditerranée non plus) : cela a déjà touché le cœur ou l’estomac des partis de la gauche, quoi qu’ils disent, parce que les revendications sont réalistes et que l’analyse de départ est sans failles et inattaquable –raison pour laquelle l’effort doit porter sur l’enracinement de celles-ci parmi les couches les plus larges et de la manière la plus fertile possibles. Il n’est pas inutile de le rappeler : le mouvement est contre le système, mais pas apolitique, il vise à un changement de système, clairement progressiste –même s’ils n’aiment pas qu’on les compare à ce qui existe car ils veulent autre chose de complètement nouveau. Ils ont raison, raison pour laquelle c’est révolutionnaire. Ce contre quoi je les mets en garde c’est précisément cela : des demandes si réalistes au départ d’analyses si évidentes peuvent, si le processus n’est pas huilé et très bien structuré, aboutir à l’inverse de l’effet escompté : renforcer la social-démocratie dont les thèses pourraient se voir enrichies par le travail effectué tout au long de ces semaines par les jeunes et les moins jeunes « acampados ». Car, comme le souligne un politicien de Barcelone : « tout cela met en évidence, le manque de politique au niveau Européen susceptible de donner des réponses aux problèmes de la Société » (repris par le journal publico.es du 29/5)

En fait, le politique que l’on croyait mort, les idéologies et l’histoire finis, reviennent en force –et de quelle manière- sur le devant de la scène, avec des citoyens protagonistes, anxieux de redevenir sujets de leur destin et solidaires des affaires du monde. Jusqu’ici, la révolution cherche à se définir comme révolution sociale : représentation réellement démocratique, lutte contre la corruption et les privilèges, séparation effective et réelle des pouvoirs, contrôle citoyen sur les responsables et les responsabilités des politiques. Un des porte-parole de Sol a pu même déclarer que toutes ces revendications « a minima » se trouvaient déjà dans les textes de Loi et la Constitution, mais sans être respectées ni appliquées. En somme, une évolution plus qu’une révolution au sens classique du terme. Une évolution qui, sans s’en rendre vraiment compte, de se mettre en place, pousserait le système à s’embourber dans ses contradictions car, en l’état actuel du fonctionnement des affaires du monde, pouvoir et corruption, manipulation et mensonge, non respect des Constitutions et inégalités, maintien des privilèges et politiciens aux ordres du fantôme tout-puissant surnommé « communauté internationale » sont tout bonnement indispensables à sa survie !

Je terminerai cet article par les paroles de Natalia Muñoz, une des instigatrices du mouvement DRY : « il est logique que certaines choses que nous disons ne soit pas suffisamment rigoureuses car elles ne sont que l’expression d’un mal-être. C’est pour cette raison que nous avons besoin de l’appui de spécialistes et l’aide de tous ceux qui s’y connaissent dans chacun des points abordés. » (in publico.es, idem supra) en somme une espèce de deuxième transition –véritablement consensuelle et partie du peuple, cette fois- contrairement à celle, peureuse, qui suivit la mort du dictateur, l’instauration de la Monarchie et la rédaction d’une Constitution à la Belge, sous la pression des pouvoirs factieux encore en place, le souvenir des horreurs et, en même temps leur déni de fait, de la mémoire historique, le début des années de crise qui annonçaient les Thatcher-Reagan dont on connaît les méthodes, les objectifs et les limites imposées en des temps dits de Guerre Froide. Aujourd’hui, la rue redevient Agora, et l’on ne se contente plus d’abattre des murs, mais on emploie toute son énergie à construire des ponts. La Parole retrouvée –une Parole vraie tant au sens marxien qu’au sens lacanien du terme : quelle, belle et grande, révolution en ces temps d’uniformité et de replis frileux !

José Camarena 29/05/2011

© Hozé 5/2011
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source: http://samesoule.wordpress.com/2011/05/29/ce-n%E2%80%99est-pas-tout-de-le-dire/

Angela Davis

2011-05-30T21:42:00.004+02:00

(France, 2010, 40mn)
ARTE France

http://videos.arte.tv/fr/videos/angela_davis-3926418.html

Angela Davis est aujourd'hui professeur de philosophie à l'université de Californie de Santa Cruz et milite toujours activement pour réformer le système judiciaire américain. Quarante ans après avoir été inculpée par le FBI puis acquittée pour un complot visant à libérer des prisonniers politiques noirs, elle revient sur les événements qui lui ont valu une notoriété politique internationale.

Angela Yvonne Davis, née le 26 janvier 1944 à Birmingham dans l'État de l'Alabama, est une militante américaine communiste des droits de l'homme et un professeur de philosophie.

Militante des droits civiques, proche du Black Panther Party, elle fut poursuivie par la justice à la suite de la tentative d’évasion de trois prisonniers, surnommés les Frères de Soledad, qui se solda par la mort d’un juge californien en août 1970. Emprisonnée seize mois à New York puis en Californie, elle fut finalement acquittée et poursuivit une carrière universitaire qui la mena au poste de directrice du département d’études féministes de l’université de Californie. Ses centres d’intérêt sont la philosophie féministe, et notamment le Black Feminism, les études afro-américaines, la théorie critique, le marxisme ou encore le système carcéral. En 1997, elle fait son coming out auprès du magazine Out.

Elle fut à deux reprises, en 1980 et 1984, candidate à la vice-présidence des États-Unis pour le parti communiste américain.

Angela Davis est née dans une famille afro-américaine habitant l'Alabama des années 1940, alors que les lois Jim Crow imposaient toujours la ségrégation raciale dans le Sud des États-Unis. Son père était diplômé de St Augustine’s College, une institution réservée aux Noirs Américains située à Raleigh en Caroline du Nord. Il fut brièvement professeur d’histoire dans l’enseignement secondaire mais, estimant son salaire insuffisant, il quitta son emploi de professeur pour acquérir une station service dans le quartier noir de Birmingham (Alabama). Sa mère, qui mena aussi ses études jusqu’au supérieur, était professeur dans le primaire. La famille Davis occupe dans un premier temps les logements sociaux de Birmingham. En 1948, elle quitte les petites maisons uniformes en briques rouges qui composent le logement social de la ville pour une vaste maison en bois, dans un quartier qu’elle est la première famille noire à occuper. Rapidement après son arrivée, elle est suivie par de nombreuses autres familles noires. Cette mixité nouvelle exacerbe les tensions raciales. En 1949 a lieu le premier attentat contre une des maisons nouvellement construites par des Noirs. Il est le premier d’une longue série qui donne au quartier son surnom de « Dynamite Hill ».

Durant sa jeunesse, Davis est profondément marquée par son expérience du racisme, des humiliations de la ségrégation raciale et du climat de violence qui règne dans son environnement quotidien. Cette expérience s’accompagne des premiers éléments de socialisation politique. La famille d’Angela y joue un rôle important. Ses deux parents possèdent une expérience militante : au lycée, sa mère a participé à des mouvements antiracistes, militant notamment pour la libération des Scottsboro Boys. Ses deux parents sont par ailleurs membres de la National Association for the Advancement of Colored People (NAACP). Sa grand-mère maternelle, née quelques années après la Proclamation d'émancipation, lui parle de l’esclavage qu’avait connu ses propres parents. Ses premières vacances à New York, où elle goûte aux joies d’une vie non ségréguée dans la famille de son amie Margaret Burnham, sa future avocate, avive encore sa conscience des humiliations quotidiennes qu’impose la ségrégation. Plusieurs nouveaux épisodes viendront lors de ses visites ultérieures- entre six et dix ans, elle passe la plus grande partie de ses étés à New York-, réviser son jugement sur la situation idéale des Noirs dans le Nord.

Elle fréquente l’école primaire de Birmingham réservée aux Noirs. Abritée dans des bâtiments vétustes, elle est moins bien dotée financièrement que l’école réservée aux Blancs. Davis note toutefois que la ségrégation avait aussi pour effet de laisser aux enseignants noirs une marge de liberté qui leur permettait d’orienter le contenu de leur enseignement dans un sens qui favorisait l’émergence d’une identité spécifiquement noire. Outre The Star Spangled Banner, l’hymne national américain, les enfants apprenaient et chantaient en classe l’Hymne national noir de James Weldon Johnson. Ils se voyaient enseigner la vie des personnages historiques noirs qui avaient marqué la vie du pays comme Frederick Douglass, Sojourner Truth ou Harriet Tubman. Le modèle de réussite qui était proposé aux enfants noirs par les enseignants s’appuyait néanmoins selon elle sur une morale de la réussite individuelle qui masquait la dimension collective de la lutte qu’elle pensait devoir être mise en œuvre pour renverser le système raciste et libérer les Noirs de leur oppression.

À quatorze ans, alors qu’elle se dit ennuyée par « le provincialisme de Birmingham », elle doit choisir son orientation pour le lycée. Deux opportunités s’offrent à elle : elle est acceptée dans l’école préparatoire de l'Université Fisk de Nashville, une des institutions réservées aux Noirs les plus prestigieuses du pays, et au sein d’un programme expérimental de l’organisation quaker American Friends Service Committee qui place des étudiants noirs du Sud dans des écoles mixtes du Nord. Intégrer l’Université Fisk lui ouvrirait la voie des études médicales auxquelles elle se destine alors pour devenir pédiatre. La seconde option lui permettrait de rejoindre le lycée Elisabeth-Irwin, une école privée de Greenwich Village (New York) défendant les principes de l’éducation nouvelle. Après de longues hésitations, elle finit par choisir New York.

Son arrivée à New York marque une nouvelle étape dans sa socialisation politique. Elle est logée chez le révérend William Howard Melish. Pasteur de la plus grande église épiscopale de Brooklyn dans les années 1950, il avait perdu ses fonctions au terme d'un long bras de fer avec sa hiérarchie à cause de ses prises de position contre le maccarthisme et son affiliation à la Soviet-American Friendship Organization (Organisation de l’amitié américano-soviétique). Le corps enseignant du lycée Elisabeth Irwin que Davis a rejoint est dans sa grande majorité interdit d’enseignement dans le secteur public à cause de son positionnement politique marqué à gauche. C’est dans ce nouvel environnement qu’elle entend pour la première fois parler du socialisme, s’avouant notamment fascinée par les expériences utopiques, comme celle de Robert Owen. Elle lit le Manifeste communiste qui la conduit « à replacer les problèmes du peuple Noir dans le contexte plus large d’un mouvement de la classe ouvrière ».

Elle est introduite au sein d’une organisation de jeunesse marxiste-léniniste nommée Advance. C’est sa première expérience du militantisme. Elle y côtoie des amies de longues dates comme Margaret Burnham ou Mary Lou Patterson mais rencontre aussi à cette occasion Bettina Aptheker, la fille de l’historien communiste Herbert Aptheker dont le domicile accueille la plupart des réunions du groupe. Elle participe aux manifestations de soutien au mouvement des droits civiques qui connaît un nouvel élan avec la campagne de sit-in initiée le 1er février 1960 à Greensboro (Caroline du Nord). Davis a cependant le sentiment d’avoir quitté le Sud au moment où le mouvement prenait véritablement de l’ampleur et en éprouve une vive frustration. Elle se range néanmoins à l’avis de ses parents qui lui enjoignent de finir son année scolaire à New York.

En 1962, elle obtient une bourse pour étudier à l’université de Brandeis dans le Massachusetts. Elle est l’une des trois étudiantes noires de première année. Davis décrit cette première année comme une année d’isolement qu’elle « cultive de façon quelque peu romantique », se plongeant notamment dans les œuvres des existentialistes français (Jean-Paul Sartre, Albert Camus...). Son année universitaire est marquée par une série de conférences de l'écrivain James Baldwin sur la littérature qui est interrompue par la crise des missiles de Cuba ; Baldwin refuse de poursuivre son exposé mais s’exprime sur le conflit lors d’une assemblée générale, aux côtés du philosophe Herbert Marcuse que Davis entend pour la première fois. Elle occupe divers emplois pour financer un voyage en Finlande où se déroule le Festival mondial de la jeunesse et des étudiants. Elle s’arrête à Londres et passe quelques jours à Paris et à Lausanne. À Helsinki, elle se montre particulièrement impressionnée par l’énergie dégagée par la représentation que donne la délégation cubaine.

Lors de sa deuxième année à Brandeis, elle étudie la littérature et la philosophie française contemporaine ; Sartre en particulier continue de susciter son intérêt. Elle voit Malcolm X haranguer un amphithéâtre composé quasi exclusivement d’étudiants blancs, en leur annonçant la prochaine punition divine de leurs pêchés envers les Noirs.

À l'issue de son cursus, Davis obtient une prolongation de sa bourse pour suivre le programme français de troisième année du Hamilton College. En septembre 1963, elle passe ainsi un mois à Biarritz. C’est dans la station balnéaire française qu’elle apprend l’attentat qui a frappé l’église baptiste de sa ville natale de Birmingham où quatre jeunes filles sont tuées. Trois étaient de proches connaissances. Refusant d’y voir le résultat d’un comportement extrémiste isolé, elle analyse « cet événement violent et spectaculaire » comme l’expression paroxystique de « la routine quotidienne, souvent monotone, de l’oppression raciste ». Elle passe novembre à Paris, puis l’été à Francfort où elle assiste à des conférences de Theodor W. Adorno. Sa formation intellectuelle se poursuit : elle lit Marcuse et de retour à Brandeis se rapproche du philosophe après avoir assisté à sa série de conférences sur la pensée politique européenne depuis la Révolution française. Sur ses conseils, elle décide de partir étudier la philosophie à Francfort. Elle quitte les États-Unis en 1965, au milieu des émeutes de Watts.

En Allemagne, elle côtoie des étudiants allemands membres de l’Union socialiste allemande des étudiants, participe à des manifestations contre l'intervention militaire américaine au Viêt Nam ou contre la projection du film documentaire italien pro-colonisation Africa Addio et visite régulièrement Berlin-Est.

Pendant son séjour en Allemagne, le mouvement de libération des Noirs connaît de profondes évolutions et tend à se radicaliser dans le sillage du slogan Black Power. Frustrée de ne pouvoir participer à l’effervescence militante qui semble régner dans son pays, elle décide de rentrer aux États-Unis à l’issue de sa deuxième année en Allemagne. Marcuse, désormais en poste à l’Université de San Diego, accepte de reprendre la direction de sa thèse, initialement tenue par Adorno.

À son arrivée à San Diego, elle est privée de tout contact au sein du mouvement noir californien et adhère en désespoir de cause à l’organisation radicale des étudiants du campus dont l’action se tourne principalement vers la lutte contre la guerre du Viêt Nam. Elle subit à cette occasion sa première arrestation suite à une distribution de tracts. Souhaitant s’impliquer dans une action spécifique à destination des Noirs, elle travaille à organiser un conseil des étudiants noirs de l’université de San Diego, jusqu’alors inexistant. Sa première action est de participer à un comité de soutien à Ed Lynn, un soldat qui avait lancé une pétition contre la discrimination raciale dans l’armée.

Son implication militante lui révèle la profonde désunion du mouvement de libération des Noirs et les très fortes rivalités qui le traversent. Elle-même occupe une position très minoritaire au sein du mouvement.

Sur le plan des objectifs, elle s’oppose au séparatisme de certaines des organisations du Black Nationalism qui pensent que la libération du peuple noir doit passer par une séparation de la société blanche et la fondation d’une Nation Noire sur le sol américain ou africain. Sur le plan des moyens, elle refuse la méthode consistant à exacerber les antagonismes entre Noirs et Blancs dans le but de provoquer des soulèvements spontanés similaires à ceux de Watts ou de Détroit dans lesquels certaines organisations voyaient les prémices d’un soulèvement généralisé du peuple afro-américain.

Elle n’en refuse pas moins l’intégrationnisme qui fut la position de Martin Luther King. Le marxisme constitue un des éléments centraux de son positionnement : elle pense que la lutte de libération des Noirs doit s’insérer dans le mouvement révolutionnaire dont le socialisme constitue l’horizon. Or le marxisme est rejeté par une grande partie des organisations nationalistes qui le désigne, à l’image de Stokely Carmichael, le leader du Student Nonviolent Coordinating Committee (SNCC), comme étant « la chose de l’homme blanc ». Les Blancs ont d’ailleurs été écartés des leviers de commande du SNCC à partir du printemps 1966. Pour les nationalistes, les Noirs ne doivent compter que sur leurs propres valeurs, leurs propres analyses et leurs propres forces pour se libérer.

Si Davis affiche son marxisme, elle hésite plus longuement avant de s’affilier au mouvement communiste. Elle met cette réticence initiale sur le compte de son parcours militant. En Allemagne notamment, elle s’est imprégnée d’un discours libertaire très critique à l’égard du communisme soviétique. Elle finit par adhérer en 1968 au Che-Lumumba Club, une section du parti communiste américain réservée aux Noirs. Elle rejoindra aussi le Black Panther Party dont la position révolutionnaire se caractérise par un égal refus de l’intégrationnisme et du séparatisme.

Une autre composante de son identité militante est son féminisme. Ce dernier est en partie nourri par son parcours militant au cours duquel elle se heurte au sexisme d’une partie du mouvement nationaliste noir voire d’une partie des organisations auxquelles elle appartient. On lui reproche notamment le rôle de leader qu’elle est amenée à assumer au sein du mouvement. Pour l’organisation Unided Slaves de Ron Karenga ou le poète Amiri Baraka (alors nommé Leroi Jones), le leadership masculin est un moyen pour les hommes noirs de regagner leur dignité face aux Blancs. La place des femmes au sein du mouvement ne peut être par conséquent que subordonnée à celle des hommes : les tâches domestiques et l’inspiration des leaders masculins sont les rôles qui leur sont dévolus. Davis estime au contraire qu’un authentique mouvement de libération doit lutter contre toutes les formes de domination : l’homme noir ne peut se libérer s’il continue d’asservir sa femme et sa mère.

Son adhésion au parti communiste américain et au mouvement des Black Panthers lui vaut d'être surveillée par le FBI. Elle enseigne en 1969 à l'UCLA - l'université de Californie à Los Angeles - mais en est renvoyée à cause de son activisme politique. Elle s'investit dans le comité de soutien aux Frères de Soledad, trois prisonniers noirs américains accusés d'avoir assassiné un gardien en représailles de l'assassinat d'un de leur codétenu. Elle est accusée d'avoir organisé une prise d'otages dans un tribunal dont l'issue a été meurtrière : Jonathan Jackson, le jeune frère de George Jackson, le juge et deux autres prisonniers sont tués après que la police a ouvert le feu sur leur véhicule. Commence alors une cavale à travers les États-Unis : elle apparaît sur la liste des femmes les plus recherchées par le FBI. Ce dernier, dirigé par J. Edgar Hoover, lutte dans le cadre du programme COINTELPRO contre les Black Panthers et les communistes dans un contexte de guerre froide et de guerre au Viêt Nam . Après deux semaines de cavale, elle est arrêtée dans un hôtel, puis emprisonnée pendant seize mois à New York puis en Californie, à San Marin puis à San José, avant d'être jugée et acquittée. À New York, elle est d'abord placée dans une cellule d’isolement aménagée spécialement pour elle au sixième étage de la prison. Elle entame une grève de la faim pour exiger son placement avec les autres détenues et, au dixième jour de grève, une décision du tribunal fédéral enjoint aux autorités pénitentiaires de suspendre son isolement, jugeant injustifié un régime exceptionnel motivé par les opinions politiques d’un détenu. Le 5 janvier 1971, elle est officiellement inculpée par l’État de Californie de meurtre, kidnapping et conspiration. Transférée en Californie, elle comparaît avec Ruchell Magee, le seul survivant de la fusillade.

Son affaire connaît un retentissement international. En France, Jean-Paul Sartre, Gerty Archimède, Pierre Perret et des milliers de manifestants la soutiennent.

Dès sa sortie de prison en 1972, Angela Davis se met à publier. Ses essais autant que ses discours véhéments en font l'une des intellectuelles radicales les plus connues de l'époque : la paix au Vietnam, l'antiracisme, le féminisme constituent son credo.

En 1980 et en 1984, Angela Davis se présente aux élections présidentielles américaines comme vice-présidente du candidat communiste Gus Hall.
Angela Davis : rebelle à la politique de son propre pays, enseigne aujourd'hui l'Histoire de la Prise de conscience dans une université californienne.

De nos jours, Angela Davis est professeur d'histoire de la conscience à l'Université de Californie (campus de Santa Cruz). Elle fait campagne contre la guerre en Irak. Elle a reçu le Prix Thomas Merton en 2006. Angela Davis rejoint le « Comité international de soutien aux victimes vietnamiennes de l'agent orange et au procès de New York » (CIS) conduit par André Bouny. Elle lutte contre l'industrie carcérale et la peine de mort aux États-Unis et dans le monde.

Le Trio Joubran

2011-05-29T13:20:00.006+02:00

Le Trio Joubran est un groupe de musique traditionnelle de Palestine formé en 2004.

Héritier d'une famille de oudistes sur quatre générations, le groupe est composé de trois frères virtuoses du oud et originaires de Nazareth : l'aîné et le leader Samir (né en 1973), Wissam (né en 1983), et Adnan (né en 1985). Le trio s'est réellement formé en 2004 autour de Samir Joubran, qui avait commencé une carrière solo quelques années auparavant. Wissam Joubran est par ailleurs un luthier de oud. Ils possèdent la double nationalité palestinienne et israélienne et vivent à Nazareth et à Ramallah.

Un film-documentaire Improvisations, Samir et ses frères de Raed Andoni, retrace la création du groupe et leur premier concert donné en septembre 2004 au Jardin du Luxembourg à Paris. En 2004, le trio participe à la création chorégraphique La Madâa d'Héla Fattoumi & Éric Lamoureux.

Le Trio Joubran se produit régulièrement en Europe, ainsi qu’aux États-Unis, au Canada, en Amérique latine et dans le monde arabe. En 2009, le Trio Joubran signe la musique du premier film de Nassim Amaouche, Adieu Gary, qui utilise l'album Majâz. Samir et Wissam apparaissent également dans le film. La même année, ils composent la bande originale du film Le Dernier Vol de Karim Dridi, interprétée en collaboration avec Chkrrr.

"In The Shade Of Words"
Le Trio Joubran: Samir Joubran, Wissam Joubran & Adnan Joubran (oud) & Mahmoud Darwich (poetry)
With Yousef Hbeisch (percussions)
Oud players from palestine

L'esthétique et le nombre d'or

2011-05-29T12:55:00.004+02:00

Un test a été pratiqué à de nombreuses reprises, sur des populations très différentes, dans le monde entier. Il s'agit de demander aux personnes interrogées de choisir, parmi tous les rectangles dessinés sur une feuille, celui qu'il préfèrent. Plus de 95% des réponses désignent instantanément le rectangle d'or, c'est-à-dire le rectangle dont le rapport entre la longueur et la largeur est égale au nombre d'or, 0, 618. Ce nombre particulier, découvert par l'inventeur des mathématiques, Pythagore, au VIème siècle avant J. C., correspond à une proportion qui, outre ses propriétés mathématiques exceptionnelles, possède des qualités esthétiques universelles. L'architecture, la peinture, la sculpture de la Grèce classique, celles de la Renaissance italienne et française utilise largement cette proportion que l'on nomma alors la divine proportion tant elle donne un sentiment de perfection à qui la contemple. Sans rien savoir de cette proportion des milliers de gens ont choisis spontanément le rectangle d'or. C'est un peu comme si notre cerveau était capable de percevoir le nombre d'or et qu'il nous faisait, alors, ressentir cette reconnaissance comme un plaisir esthétique. Ce type de perception immédiate, globale, mathématique et esthétique est typiquement une fonction de l'hémisphère droit. Le professeur Singh, psychologue à l'université d'Austin au Texas, mène depuis de nombreuses années une recherche sur la détermination de l'attirance des sexes chez les humains. Il vient de découvrir que, pour un homme, le véritable critère d'attirance chez une femme est le rapport entre le tour de la taille et le tour des hanches et que le rapport idéal se situe entre 0,6 et 0,7. De tous temps l'homme choisi sa compagne avec le désir, conscient ou inconscient, de procréer, aujourd'hui encore, malgré les apparences. Dès lors l'attirance qui conduit au choix d'une compagne cache le fait de trouver une femme en bonne santé capable de donner de beaux enfants. On a pensé longtemps que le choix des hommes se portait sur des femmes plutôt potelées qui apparaissaient en meilleur santé et plus fertiles. On pensait aussi que les hommes ne regardaient qu'un seul élément du corps, la poitrine, les fesses ou les jambes. Mais pour le professeur Singh l'important est la façon dont la graisse se répartie. "Lorsqu'elle se localise dans le bas du corps, dit-il, on obtient la forme classique en sablier et la réalité du déclic de la beauté devient le rapport entre deux éléments qui sont la taille et les hanches." Contrairement à une idée reçue les seins ne sont pas déterminants, ils peuvent apparaître avant la puberté et demeurent après la ménopause. En revanche le déclic est lié à la fonction hormonale qui agit sur le rapport taille / hanche. Celui-ci n'est pas le bon avant la puberté et s'estompe à la ménopause. Enfin, puisqu'il s'agit d'une proportion, des femmes corpulentes peuvent très bien avoir le bon ratio, comme, par exemple, les femmes de Rubens, qui, bien enrobées, ont un ratio de 0,62, comme la venus de Milo qui date de 3 500 ans ou encore comme les bas reliefs découverts en Dordogne qui eux sont vieux de 5 500 ans ! Brigitte Bardot, Demi Moore, Cindy Crawford ou Marilyn Monroe, ont un ratio taille / hanches compris entre 0,6 et 0,7. Toutefois, Marilyn, avec un ratio de 0,62, est la plus proche du nombre d'or. Ce signal inconscient qui permettait aux hommes de se choisir une compagne est, peut-être, devenu au cours de l'évolution un critère de beauté parfaite pour l'homme, qui aurait pu l'étendre alors à d'autres domaines comme la peinture, la sculpture, l'architecture ou encore la musique lorsqu'on sait que le rapport des sonorités d'un accord de tierces, dit accord parfait, est voisin de 0,6. Ainsi le nombre d'or serait la proportion qui suscite spontanément un sentiment de beauté parfaite pour l'homme.

source: http://cerveaudroit.ouvaton.org/article.php3?id_article=21

BOLERO (Béjart et le Bolchoï)

2011-05-29T11:38:00.004+02:00

Chorégraphie: Maurice Béjart
Musique: Maurice Ravel
Décors et costumes: Maurice Béjart
Interprètes: Tania Bari (B.XXeS.), Suzanne Farrell (B.XXeS.), Louba Dobrievic (B.XXeS.), Anouchka Babkine (B.XXeS.), Angèle Albrecht (B.XXeS.), Shonach Mirk (B.XXeS.), Grazia Galante (B.XXeS.), Claude Bessy (créatrice à l’OP), Jacqueline Rayet (OP), Marie-Claude Pietragalla (OP), Sylvie Guillem (OP), Florence Clerc (OP), Nicole Chouret (OP), Josiane Consoli(OP), Sabine Salle (B. du Rhin), Chantal Chazee (B. du Rhin), Marcia Haydée (Stuttgart), Haidrun Schwarz (Berlin), Brenda Edwards (Londres), Luciana Savignano (Scala de Milan), Carla Fracci (Arène de Vérone), Maïa Plissetskaïa (Bolchoï)

«Mon Boléro», disait Ravel, «devrait porter en exergue: Enfoncez-vous bien cela dans la tête».
Plus sérieusement, il expliqua: «En 1928, sur la demande de Mme Rubinstein [Ida Rubinstein, célèbre danseuse et actrice russe], j’ai composé un boléro pour orchestre. C’est une danse d’un mouvement très modéré et constamment uniforme, tant par la mélodie que par l’harmonie et le rythme, ce dernier marqué sans cesse par le tambour. Le seul élément de diversité y est apporté par le crescendo orchestral».

Maurice Béjart précise en ces termes sa conception de l’œuvre de Ravel: «Musique trop connue et pourtant toujours nouvelle grâce à sa simplicité. Une mélodie – d’origine orientale et non espagnole – s’enroule inlassablement sur elle-même, va en augmentant de volume et d’intensité, dévorant l’espace sonore et engloutissant à la fin la mélodie».

Sans vouloir décrire davantage ce ballet évident par lui-même, remarquons que Maurice Béjart, dans un style très différent, rejoint l’esprit du Sacre du Printemps, en ce sens qu’à l’inverse de la plupart de ceux qui ont illustré chorégraphiquement le Boléro avant lui, il répudie toutes les facilités du pittoresque extérieur pour exprimer uniquement – mais avec quelle force! – l’essentiel.

Maurice Béjart confie le rôle central – la Mélodie – tantôt à une danseuse, tantôt à un danseur. Le Rythme est interprété par un groupe de danseurs.

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Maja Plisetzkaja